jueves, 27 de diciembre de 2012

¿De qué vive un artista?


Con la que está cayendo, creo que ya ni siquiera este texto será real. Encontrado en el blog de Ospina...

"Un artista vive de la renta, de alguna renta, por ejemplo de un inmueble heredado que produce una suma fija mensual. Un estudiante se pagó la costosa matrícula de una universidad privada con el producto de un local que le tenía alquilado a un cine-bar, lo que los asistentes gastaban en boletas, cócteles y crispetas él lo reinvertía en arte. En otros casos las rentas vienen de lo que producen las acciones en un negocio familiar. Una generación trabajó, otra hizo fortuna y la última, la generación artista, se gastó la plata. Dos hermanos, uno actor y otro cineasta, vivieron durante mucho tiempo del producto de la renta que producía la fábrica de piscinas fundada por el padre y administrada por el primogénito, un ingeniero igual de excéntrico a sus hermanos menores pero que debió conducir su artisticidad por el cauce señalado por el padre.

Otro artista a la muerte de su padre recibió una gran fortuna como herencia, ante lo que su mejor amigo, otro artista, dijo que era él quien había pasado a mejor vida.

Otro artista vive de un negocio. Cada quince días hace el viaje de la capital a su pequeña ciudad natal donde tiene una miscelánea que mantiene surtida de prendas y adminículos para jóvenes, cosas pasadas de moda en la gran ciudad pero que son novedad en la provincia. El artista dice con orgullo que es él quien define las tendencias de la moda en la pequeña ciudad. Otro artista puso un restaurante y se le incendió, otro montó el restaurante que lo hizo tan reconocido como chef que cuando dice que también es artista la gente se sorprende.
Otros artistas optan por el diseño y montan empresa, les va bien, son prueba de que en diseño más que estudio se necesita de práctica, prueba y error, experiencia; a estos artistas que diseñan les va tan bien que pasan de artistas a diseñadores. Todos tienen una fase en que ven el diseño como arte pero cuando el trabajo los abruma, y los clientes “siempre tienen la razón”, caen en cuenta de que el diseño es un servicio más y de que ellos se han convertido en proveedores de soluciones, no de enigmas; lo que comenzó siendo una estrategia temporal de automescenazgo —el diseño para pagar el arte—, terminó siendo un trabajo perpetuo donde todas las licencias creativas del arte van a parar al diseño. De vez en cuando estos artistas diseñadores les toca hacer un catálogo de arte o un trabajo para un museo de arte y cuando entran de nuevo en contacto con la gente del arte, agradecen vivir del diseño, incluso extrañan a sus clientes habituales. Es raro pero no inusual que por algún rezago estético estos diseñadores recuerden esa cosa inútil y anodina llamada arte, pero pronto lo urgente los trae de nuevo al presente.

Otro artista emigró y montó una carpintería en un país de donde tenía nacionalidad, antes hacía instalaciones sonoras efímeras, hoy instala pisos de madera y une cada pieza con el mismo cuidado con que componía sus obras de arte.

Otro artista tuvo un hijo y abandonó el arte: “los hijos son la muerte del artista y el nacimiento del publicista”.

Otros artistas viven de la dictadura de clase. Cada año los programas de arte de la universidades del país gradúan un promedio de 500 artistas, un público cautivo que necesita de un cuerpo de recreacionistas intelectuales que cumplan con la ilusión de enseñar arte. Enseñar arte puede ser el mejor trabajo para un artista, hay bastante tiempo libre para crear o “investigar” (como se refieren los artistas a lo que hacen cuando le quieren dar altura académica). A pesar de que cada vez hay más trabajo burocrático y hay que inventarse más justificaciones y comités para justificar la necesidad de los comités que justifican el arte en la universidad, ser profesor es una buena actividad. Hay que decir que un profesor de arte goza de un margen insólito de libertad, si los profesores de medicina dictaran sus clases como los profesores de arte dictan las suyas, graduarían asesinos en vez de médicos. Tarde o temprano muchos artistas, así no lo quieran, reencarnarán en profesores de arte; temprano si consiguen trabajo en un colegio, usualmente el mismo colegio donde han estudiado, o tarde cuando regresan endeudados con una maestría y descubren que para lo único práctico que sirve ese cartón de maestría de arte es para ser admitido en el proceso para calificar como profesor universitario de arte. Pero además de tener la maestría habrá que tener un doctorado y cuando todos tengan un doctorado algo más habrá que tener, el único consuelo es que mientras más grados haya que tener más necesidad de profesores de arte habrá y así tal vez haya más puestos de profesores universitarios de arte para darle clase a todos los que necesitan estudiar para tener más grados para obtener el puesto de profesor universitario de arte. También existen los profesores de talleres independientes, pero dependen del tiempo libre y la inconstancia de las señoras y pintores de fin de semana.

Otro artista vive del arte, sí, se puede vivir de eso: hay que asistir a muchos cócteles de inauguración, hay que circular y sonreír y hacer comidas y ser pródigo con las gentes del arte, con los galeristas, coleccionistas y curadores, y con sus cónyuges e hijos. Jamás hablar mal de la gente del arte en público y menos aún publicar algo malo sobre ellos. También hay que ser dúctil y decirle que sí a cuanto oferta de publicidad haya, y participar en subastas benéficas, y enviar a un testaferro que puje en la puja para que las obras se subasten bien y así elevar la cotización del precio del arte en el mercado. También hay que tener un taller y regar la voz de que hay piezas asequibles, económicas, y una vez los coleccionistas visitan el taller, atenderlos muy bien, siempre sonreír, y disponer las piezas con estrategia, de lo caro a lo barato, mostrar piezas que “ya están vendidas”, y hacer el tour de los precios con indiferencia y seguridad. Hay que soltar datos prestigiosos sobre clientes previos y sobre la cotización de las piezas en la galería. Hay que acordar con el galerista y con el dealer que obras hay que repetir y venderlas con discreción, y en la Feria de Arte montar guardia cerca alstand donde está la mercancía y para efectos de prosperidad parecer que se está ahí por pura casualidad. Hay que tener una galería por fuera del país, no importa si se trata del cuarto trasero de un bar alternativo en Berlín o de una galería meramente comercial, lo que cuenta es la internacionalización y poder dar el precio en dólares o en euros.

Otro artista optó por la doble vida —o eso es lo que se deduce de su esquizofrenia estilística—. Tiene dos tipos de obra, una que es la propia, la que no se vende, la conceptual, la efímera, la caprichosa, la que lo posiciona en el reino de las inteligencias y otra en la que da muestra de su destreza manual para hacer paisajes y caballos o fotos bonitas, o floreros bonitos, y que vende de forma anónima, o bajo un heterónimo para que no se pueda relacionar con el nombre propio y no afecte el capital reputacional. Es importante que los artistas no revelen de qué viven, sobre todo si no viven del arte, esto mantiene el mito de su independencia, de que no sirven a nadie, de que son inocentes, de que nunca serán lo suficientemente maduros para liberarse de la idea de libertad.

Otros artistas viven de la mediación artística, trabajan como asistentes en talleres, museos, galerías y espacios independientes, como cargaladrillos de artistas, curadores o galeristas, y luego, con la experiencia adquirida y una lista de contactos, se lanzan como artistas y curadores y galeristas, o simplemente dejan de ser artistas para ser curadores, galeristas o gestores culturales.

Otros aprovechan su arrojo para juntar palabras, hacer párrafos con esas palabras y firmar esos arrumes de párrafos para ofrecer textos de arte multipropósito que se cobran por el número de caracteres y que apenas sirven para cubrir el pago de los servicios; a los que escriben les basta con publicar uno o dos de estos textos para ser llamados “crítico de arte” y pasan a escribir en la prensa y en catálogos, basta con hacer un texto elogioso para una exposición y entregarlo a tiempo para que otros clientes quieran más textos de ese tipo, ante la presión de la demanda y el afán de complacer a la clientela es fácil pasar de agudo provocador a soso prologuista, este género de textos se parece al de escribir obituarios.

Otros artistas organizan bienales y encuentros internacionales de arte para pretender recibir suficiente apoyo como para poder vivir de la bienal y de los encuentros internacionales de arte que organizan. Otros ponen una ONG de arte y viven de ofrecer servicios de asistencialismo estético a las comunidades e instituciones interesadas.

Otros artistas viven de los premios, se inscriben en cuanto concurso hay, poco importa si el dinero viene del Estado, de una caja de compensación familiar o de una multinacional, no importa si la obra hay que mostrarla en una casa crujiente contra una pared descascarada en medio de la barahúnda de otras obras o en el corredor de un edificio inteligente, lo importante es concursar con la meta de ganar. Estos premios son loterías para artistas y dado el número de artistas que concursan es posible inferir —por simple matemática— que un artista tiene más chance de ganar en una de estas loterías que en cualquier otra. Entre premio y premio, entre una convocatoria y otra, en Internet se puede descampar y solicitar ingreso a las residencias para artistas que se ofrecen a nivel global, una vez se hace una solicitud a una se tiene una matriz para hacer más solicitudes, es posible vivir de trotamundos por años saltando de una residencia a otra.

Otro artista vive de su conyuge. En ningún momento pensó en casarse con otro artista, siempre supo que de casarse tendría que hacerlo con alguien que tuviera grandes ingresos.

Otro artista vive de oficios varios, es mesero, ayudante de chofer de bus intermunicipal, mensajero en una agencia de publicidad, es un artista sin obra, nadie lo conoce pero lleva una vida de poeta.
La mayoría de los artistas viven así."

Lucas Ospina

viernes, 23 de noviembre de 2012

La mitad de los grabados atribuidos a Rembrandt no son suyos - Half of the engraves attributed to Rembrandt aren't his.

(vía Voz Pópuli)
Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers del Rijksmuseum de Amsterdam, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección.

La mitad de los grabados que se atribuyen al artista holandés del Siglo de Oro, Rembrandt van Rijn (1606-1669), no son suyos, sino que fueron impresos tras su muerte por terceros, según concluyó un estudio realizado por los conservadores del Rijksmuseum de Amsterdam.

Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección. El maestro del claroscuro realizó entre 1625 y 1665 un total de 315 planchas de cobre que llegaron a manos de terceros.

Los nuevos propietarios las imprimieron en papeles de una calidad muy distinta del que usaba Rembrandt, que en su última época utilizaba papel japonés, según reveló el Rijksmuseum, que ha abierto una muestra sobre los grabados del artista holandés. Las copias realizadas por la mano de Rembrandt son además las únicas que emplean técnicas específicas para crear efectos especiales en los grabados, según señaló la pinacoteca en un comunicado.

"Las impresiones más lujosas e interesantes son las que hizo el propio Rembrandt", explicaron los conservadores en su estudio.También se pueden diferenciar las copias tardías por la menor calidad, ya que las planchas originales se fueron gastando y perdiendo nitidez, según los expertos. Hinterding opinó que su descubrimiento se traducirá en el aumento de los precios de las copias atribuidas a Rembrandt.


miércoles, 14 de noviembre de 2012

Rodin era un mindundi... /Rodin was a wannabe

...comparado con lo que hacían un Juan de Juni o un Berruguete. Hasta que no he visto este video del museo Paul Getty no he comprendido la tarea hercúlea que es hacer una de las tallas que llenan las iglesias y ermitas castellanas, y a las que apenas damos importancia.

No sólo se aúna la calidad escultórica, sino la pintura, la paciencia, la calidad de materiales, y la habilidad manual. Impresionante de verdad.

...compared to what Juan de Juni or Berruguete made. It wasn't until I watched this video from the Paul Getty Mueum, that I could undestand what a huge labour was to make one of the "tallas" (wooden polichromed sculptures) that fill the churches all along Castilla y León (Spain), which we give no importance.

Not only it shows sculpting quality, but painting, patience, materials quality, and manual skill. Really impressive.

viernes, 26 de octubre de 2012

¡Reguera en la Galería Fernández-Braso! / Reguera exhibits at the Fernández-Braso gallery!

Un artista que desde hace tiempo me interesa por su uso del color y las texturas es Reguera. Hoy aparecía un artículo en el Mundo sobre su última exposición en Madrid, que espero no perderme. Me gusta lo que hace Reguera. Me gusta MUCHO.

Podéis ver el video de la galería sobre la exposición aquí, y aunque las fotos no son de muy buena calidad os podéis hacer una idea de lo que anda creando últimamente en esta galería de fotos.

I have been following for a long time an artist that interests me for his colour and textures: Reguera. Today, an article at "El Mundo" about his last exhibition in Madrid appeared, and I hope I won't miss it. I love what Reguera does. I love it A LOT.

You can watch the video from the gallery about the exhibition here, and though the photos aren't too good, you can get an idea of what he is creating lately in this photogallery.



jueves, 25 de octubre de 2012

Dinero, poder, mediadores: la guerra por el control del arte

Sin desperdicio el artículo de Miguel Ayuso en "El Confidencial". Baste esta cita de Fernando Castro (de la Universidad Autónoma de Madrid):

“Hace tiempo que los artistas no tienen ninguna importancia en el mundo del arte. Los únicos que tienen algún peso son los que se han dedicado a fabricar merchandising, como Damien Hirst o Jeff Koons, que han aprendido las enseñanzas de Andy Warhol. Siguen las normas del marketing y por eso aparecen en la lista.

Money, power, mediators: the war for the control of the art world.

You cannot miss this article from Miguel Ayuso at "El Confidencial". Just a small pick from Fernando Castro (from the Universidad Autónoma de Madrid):


"Since some time ago artists have no importance in the art world. The only ones who have some weight are the ones devoted to manufacturing merchandising, as Damien Hirst or Jeff Koons, who have learnt the lessons from Andy Warhol. They follow marketing rules, and that's the reason they appear in the list."

lunes, 22 de octubre de 2012

Digital - chica / Digital - girl

Lamento no saber ni quién es la susodicha, ni quién es el fotógrafo. Una lástima en ambos casos...

I regret not knowing who she is, nor the photographer. A pity in both cases...

sábado, 20 de octubre de 2012

Óleo - retrato de Cristina / Oils - Cristina's portrait

Como lo tenía aparcado desde hace casi un año, me he decidido a darle algunas pinceladas más y, probablemente dejar que el retrato me abandone. Es curioso cómo evoluciona esto de la pintura: ahora no hubiera planteado así el retrato, pero fue lo que salió en su día, así que así finaliza. ¡A barnizar!

As I had parked it nearly a year ago, I decided to paint a bit more and probably, let it go for good. It's funny how paint evolves: nowadays I wouldn't have painted it this way, but it was how it worked out in that moment, so...here comes its end. Let's barnish it!


viernes, 19 de octubre de 2012

¡En la exposición de Santiago Bellido!



El martes por la noche me acerqué a ver la inauguración de la nueva exposición de Santiago Bellido en la Galería Rafael (C/Miguel Iscar en Valladolid). El tema de la exposición es la baraja que recibió de encargo y las acuarelas y pruebas que la componen. Yo tuve oportunidad de echar un vistazo previo a la baraja cuando aún no había ido a imprenta, y es simplemente fantástica. Pero si la baraja es fantástica, las pruebas previas son impresionantes. Una lástima que, como me explicó Santiago, no pudiera avanzar por esa línea porque al reproducir cada acuarela a tamaño "carta de baraja" no quedaba bien (y aquí podríamos empezar a debatir sobre si estamos hablando de ilustraciones o acuarelas, debate que yo tengo muy claro desde hace tiempo en que tan arte es una ilustración como un óleo de Rothko).

En la exposición estaban todas las fuerzas vivas de Valladolid (encabezadas por el Alcalde), y todo el artisteo conocido y por conocer. Si querías conocer algún pintor de los que te suelen interesar, por allí estaban. Santiago y Charo (la dueña de la galería) se han movido bien... De hecho ya había bastantes obras adquiridas, lo que siempre da gusto ver.

Pues si la exposición era una alegría visual, el reencontrarme con antiguos amigos añadía más placer al evento: Conchy, César y Antonio también estuvieron por allí y aprovechamos para ponernos al día.

En definitiva: una exposición de no perderse. ¡Ah! Y si váis a verla, fijaos en el Minotauro... el cuerpo es el de un servidor, que posó para Santiago en su momento y ha quedado plasmado para la eternidad.

viernes, 12 de octubre de 2012

Agincourt - digital

Aquí podemos ver ya la acuarela pasada al ordenador y repintada prácticamente entera. ¿Cuál es la ventaja de repetir el proceso dos veces? La parte "tradicional" (la acuarela) añade un aire "orgánico" a la imagen tratada, que no puede conseguirse con Photoshop ni Painter. No sé cómo describirlo, pero se sabe de alguna forma que detrás hay métodos tradicionales. Es más trabajo, pero el resultado vale la pena y para los que, como yo, no nos gusta hacer el boceto directamente en la Wacom, es una forma interesante de trabajar la revelada por Justin Gerard.

Por cierto, que acabo de recibir sus libretas de apuntes y son fantásticos. Un maestro el bueno de Justin Gerard.

Here we can observe the watercolour once scanned to the computer and repainted almost completely. Which is the advantage of repeating the process twice? The traditional part (the watercolor) adds an organic feeling to the treated image, that cannot be obtained with Photoshop nor Painter. I don't know how to describe it, but somehow you know there is traditional fine art behind. It's more work, but the results are worth it, specially for those like me, who don't like to sketch directly with the Wacom, so it is an interesting way of painting the way revealed by Justin Gerard.

BTW, I just received his sketchbooks and they are terrific. A modern master, this old chap Justin Gerard.

lunes, 8 de octubre de 2012

Acuarela - Azincourt / Watercolor - Azincourt


Un encargo para el que he aprovechado a utilizar nuevas técnicas. Es una ilustración sobre la batalla de Azincourt, uno de esos momentos que cambian la historia de la Humanidad; en este caso, supone la transición de la armadura de batalla de la Edad Media a armas de larga distancia, como el arco largo inglés.

Para esta ilustración quería probar la técnica de uno de los mejores jóvenes ilustradores actuales: Justin Gerard. No sólo es un gran maestro del dibujo, sino que está en continua búsqueda de procesos de trabajo que mejoren sus imágenes, lo que se ve en cada nueva obra que muestra.

Su proceso actual es muy minucioso: gran cantidad de bocetos de cada elemento de la ilustración, estudios de tonos y de color, dibujo a lápiz, base ocre del dibujo, acuarelado de la base, y fase final en digital.

Aquí muestro todas estas fases de mi ilustración, excepto el repintado con la tableta (es casi volver a pintar todo de nuevo) que espero acabarlo a lo largo del próximo fin de semana.

A commission in which I have tried to use new techniques. It is an illustration about the Battle of Azincourt, one of those moments that change the  history of Humanity; in this case, it means the transition between the battle armour of Middle Ages to long distance weapons, as the English longbow.

For this image I wanted to try the technique of one of our best young illustrators: Justin Gerard. Not only he is a great master at drawing, but he is always searching for new workflows that can improve his pictures, something you can feel in each new masterpiece he shows.

His process is quite detailed: a huge number of sketches of all the elements of the illustration, colour and values studies, graphite drawing, an ocre base over the drawing, watercolour, and final phase in digital.
Here I show all those phases applied to my illustration, except for the repainting with the Wacom (it's like repainting it all again) as I expect to finish it this weekend.








jueves, 20 de septiembre de 2012

Nueva exposición de Martin Whittfooth

Martin Whittfooth, uno de los pintores jóvenes (bueno, tiene 31 años) con más relevancia últimamente, tiene nueva exposición en California. En concreto en la galería Corey Holver de Culver City.
Martin realiza cuadros con un fuerte componente surrealista, basados en alegorías de la situación política y económica del momento. Cada animal que pinta tiene un significado que describe el autor, y sobre el que giran un montón de elementos metafóricos. Por ejemplo, el toro sobre la viga es el mercado de Wall Street alrededor del cual distintos pájaros reflejan el movimiento "Occupy Wall Street", significando que este movimiento hace mucho ruido sin conseguir nada, mientras el sistema de inversión se mantiene al borde del precipicio (la viga).
Francamente, me importan muy poco las explicaciones (probablemente me estoy volviendo cada vez más indiferente ante el tema como el bueno de Armand, uno de mis paisajistas favoritos), pero cada cuadro me dice algo pictóricamente y eso es lo que me interesa.

Martin Whittfooth, one of the young painters (well, in fact he is 31) more relevant lately, has a new exhibition at California. At the Corey Holver gallery in Culver City.
Martin paints surrealistic-like paintings, based in the actual political and economical situation. Each animal he paints has a clear meaning that the author depicts, about which a lot of metaphoric elements spin. For example, the bull on the beam means Wall Street market, around which different birds reflect the "Occupy Wall Street" movement, meaning that this movement makes a lot of noise achieving nothing, while the investment system keeps at the edge of a ridge (the girdle).
Frankly, I don't care too much about the meaning of pictures (probably I am becoming each day more indifferent to the subject in a painting; as it is happening to Armand, one of my favourite landscapists), but every painting tells me something pictorically speaking, and that's what I search.

viernes, 14 de septiembre de 2012

Muere Sergio Toppi - Sergio Toppi dies

Hace tiempo que quería hacer la entrada y se me iba quedando atrasada, porque tengo la sensación de que con él ha pasado a mejor vida toda una forma de ver la ilustración. En tres años tres grandes maestros de la ilustración y el cómic se han ido: Moebius, Jeffrey C. Jones, y ahora el 21 de agosto Toppi. Y Pratt hace algún tiempo. Francamente, no veo a nadie ahora mismo sentado en el trono que dejan estos cuatro monstruos vacío.

A Toppi ya le dediqué alguna entrada en mi anterior blog, pues ha sido una gran influencia para mí. No en cuanto al estilo, inimitable y que requiere una paciencia de la que carezco, sino en cómo consiguió encajar un montón de distintas tendencias en el mundo que a él le gustaba: la ilustración. Cada uno de sus dibujos puede tener elementos expresionistas, abstractos, hiperrealistas, surrealistas, y cualquier cosa que se nos ocurra. Si le unimos que era un gran amante de la historia, afición que comparto, lo tiene todo para que me cayera bien. Una gran pérdida.

Some time ago I wanted to post about this and it was getting back in schedule, because I've got the feeling that with him, a whole way of treating illustration has passed away. In just three years three masters of comic and illustration have died: Moebius, Jeffrey C. Jones, and 21st August Toppi. And Pratt some time ago. Frankly, I see nobody able to sit in the throne these four monsters leave vacant.

I dedicated some entries to Toppi in my previous blog, because he has been a huge influence to me. Not about style, unique and really patience requiring (which I lack of), but how he could mix a lot of different tendencies in the world he loved: illustration. Each of his drawings can contain expresionist, abstract, hiperrealist, surrealist elements and any other one we think of. If we add that he was a lover of history as myself, he's got everything to make me like him. A big loss.


sábado, 8 de septiembre de 2012

Lápiz - autorretrato con 45

Mientras Manuela ve videos sobre mis rodillas, aprovecho para dibujar...

Lápiz sobre papel

Pencil - selfportrait at 45

While Manuela watches videos upon my knees, I intend to draw...



pencil on paper

jueves, 6 de septiembre de 2012

Lápiz - Manuela en su primer día de cole - Pencil - Manuela's first day at school

Apunte rápido de Manuela en su primer día de cole, y poema de Borges...

Lápiz sobre papel

A quick sketch of Manuela in her first school day, and a Borges' poem.

Pencil on paper.

miércoles, 29 de agosto de 2012

Acuarela - Adán arrepentido / Watercolor - repentant Adam

En el post de ayer, comentaba Juan Carlos el parecido de la escultura de Llopis con el "Adán Arrepentido" de Florentino Trapero, que creo que vi en alguna edición de las Edades del Hombre, pero ahora no recuerdo ni cuándo ni dónde.

Pues tiene toda la razón, así que una acuarela rápida para que los que no conozcan esta escultura puedan admirarla también...

Acuarela sobre papel

In yesterday's post, Juan Carlos pointed the likeness of Llopis' sculpture with "Repentant Adam" by Florentino Trapero, that I think I could admire at some "Edades del Hombre" exhibition, but I cannot remember where, nor when.

Well, he is completely right, so a quick watercolor so those who do not know this statue can admire it too...

Watercolor on paper

martes, 28 de agosto de 2012

Acuarela - desconsuelo / Watercolor - despair

Probablemente mi escultura favorita: "Desconsuelo" de Josep Limona. Se puede ver en un estanque de la Ciudadela de Barcelona, y es una maravilla desde cualquier ángulo. Me gustó cuando la vi por primera vez con 20 años, y me sigue entusiasmando cada vez que vuelvo.

Esta aguada (en realidad tiene color) ha sido probablemente la acuarela más caótica que haya pintado nunca: Ayer no había acabado la primera pincelada, cuando me llaman del trabajo pues ha surgido una incidencia. Corriendo a arreglar el tema, vuelta a casa, un par de pinceladas, y nueva incidencia en el trabajo. Otra vez a volver corriendo dejando la acuarela a la buena de Dios. Vuelta a casa, nuevo par de pinceladas. Se despierta la pequeñaja y no me deja ni a sol ni a sombra, un par de pinceladas por aquí, otro par por allí con ella en mis rodillas, otro par cuando no mira... No sé ni cómo la he acabado.

Acuarela sobre papel

Probably my favourite scultpure: "Despair" from Josep Limona. It can be admired in a pool sited at the Ciudadela of Barcelona, and it is a wonder from any angle you watch it. I loved it when I first saw it when I was 20, and it still shocks me every time I get back to it.

This watercolor (it has some color) has probably been my most chaotic watercolor ever: Yesterday I hadn't painted the first brush stroke, when I am phoned from my job because there's some urgency. Go fast and fix that, get back home, another couple of brush strokes and a new incidence at my work place. Again running like hell leaving the watercolour on its own. Back home, a couple of new brushstrokes. My little daughter awakens and she won't leave me a single second: a couple of brush strokes here, another couple there with her on my knees, another couple when she isn't looking ... I can't explain how I managed to finish it.

Watercolor on paper.

miércoles, 15 de agosto de 2012

Definición de...

..."hacerlo tuyo": dícese de copiar inmisericordemente una pintura, poesía, música...de otro autor, y empeorarla.

(del documental "Pintores de ideas" - 1973)

Me encanta esta frase cuando la leo en las críticas de las exposiciones: "Fulanito ha hecho suya 'Las Meninas' y da una nueva dimensión bla bla bla...". Vamos, que ha copiado "Las Meninas" y le ha salido un churro. Así que cuando lo he visto en el documental (que, por cierto, es muy recomendable: está dedicado al arte abstracto y dirigido por un ferviente partidario de la abstracción y aparecen todos los grandes de la época) me moría de la risa.


A definition of "...making it your own": relative to the fact of copying without mercy a painting, poem, music of another artist, and making it worse.


(from the documental "Idea Painters")


I love this sentence when I read in the newspapers' exhibition critics: "John Smith has made its own "Las Meninas" and adds a new dimension blah blah blah...". Translation: he has copied "Las Meninas" and has failed miserably. So, when I watched the doc and heard this (it is, by the way, highly recomended: it is dedicated to abstract art and directed by a fan of abstraction) I laughed a lot.

viernes, 10 de agosto de 2012

Muere Robert Hughes

Pues se ha muerto Hughes, el hombre que más sabía de arte moderno, según mi humilde entender. Crítico de arte de Time y de la BBC se codeó con todos los grandes artistas, manteniendo una opinión muy personal y fundada de cada uno de ellos, sin caer en el amiguismo ni la hagiografía. Cada vez que veo que participaba en un documental, corro a buscarlo pues es sinónimo de calidad. En "La Maldición de la Mona Lisa" nos daba su peculiar visión del mercado del arte y la estafa que suponía en muchos casos, aún siendo él un enamorado del arte moderno y lo que le rodeaba. En ese documental hablaba con uno de los mayores coleccionistas y admiradores de Warhol, al cual preguntaba (no es literal, pero era algo parecido):

Hugues: Vd. ¿por qué admira a Warhol?¿llegó a conocerlo?
Coleccionista: No, nunca lo conocí, pero admiro su mundo interior tan rico y todo lo que tenía que expresar
Hugues: Pues yo lo he conocido mucho, y era un bluff. Nunca tenía nada que decir.

Lo cual coincide con lo que comentó Gore Vidal (fallecido hace un par de días) cuando dijo: "Andy Warhol es el único genio que he conocido con un coeficiente intelectual de 60".

En fin, otro grande que se va...

miércoles, 8 de agosto de 2012

Schiele en Bilbao


Desnudo femenino reclinado (1908)El Museo Guggenheim Bilbao acogerá a partir del próximo mes de octubre una muestra con un centenar de obras del expresionista austríacoEgon Schiele (1890-1918), procedentes de la colección de obra gráfica de la Albertina de Viena.
La muestra 'Egon Schiele. Obras del Albertina Museum, Viena' reunirádibujos, gouaches, acuarelas y fotografías de este artista y podrá ser visitada hasta el 6 de enero de 2013 tras su inauguración el próximo 2 de octubre, según la información facilitada por el museo bilbaíno.
La exposición, de la que es comisario Klaus Albrecht Schröder -director del Albertina Museum-, ofrece una perspectiva de la evolución estilística de Schiele a lo largo de una década de producción, interrumpida a los 28 años tras enfermar.
Pese a su corta vida y los cerca de diez años de actividad artística autónoma (entre 1908 y 1918), Schiele dejó una obra rica, que comprende más de 2.500 obras en papel y más de 330 pinturas sobre madera o lienzo. Según la misma fuente, la muestra constituye una aproximación al universo creativo de "uno de los artistas más significativos del siglo XX". Se trata de una perspectiva de la evolución del artista, desde su producción temprana realizada durante su formación en la Academia de Bellas Artes Viena, pasando por obras en las que lainfluencia de Gustav Klimt y el modernismo están más presentes, hasta trabajos de sus últimos años de ruptura con el naturalismo, con un radical tratamiento del color y nuevos motivos como el desnudo explícito o los retratos de niños.
La muestra se complementará con un espacio didáctico que ofrecerá al visitante los datos más relevantes de la biografía del artista, en el contexto del apogeo cultural que se vivía en Viena a finales del siglo XIX y en los años previos a la Primera Guerra Mundial. (Agencia EFE)

lunes, 30 de julio de 2012

Lápiz Conté - Covadonga

El sábado en León en una boda (en el Parador San Marcos, qué bonito es), estaba entre los asistentes Covadonga. Una mujer espectacular: alta, delgada, y con un perfil maravilloso para pintar. Además llevaba un peinado muy moderno, y a la vez muy clásico. Pelo blanco, muy corto, y con un tocado de hojas que la enmarcaban la cara. En definitiva, había que sacar un dibujo

Así que la pedí que posara un momento, y no sólo no le pareció mal sino que aceptó que la arrancara del baile con toda mi cara, y se sitúo donde yo esperaba que las luces de colores de la sala de baile no hicieran sombras demasiado extrañas.

Así que, de momento, un retrato rápido en Conté, a ver si me animo a hacer un óleo pequeño, porque la amabilidad de Covadonga, y su maravilloso peinado lo merecen.

Conté, lápiz y carboncillo sobre papel.


Last saturday I assisted to a wedding at León (at the San Marcos hotel, really pretty), where among the guests was Covadonga. A terrific lady: tall, thin, and with a fantastic profile for painting. Furthermore she had a very modern haircut, which was at the same time very classic. White hair, very short, and with some colored leaves on her head that framed perfectly her face. A drawing was compulsory...


So I asked her to pose briefly, and not only that offer didn't offend her, but she accepted to be taken away from the ball with all my cheek, and posed where I expected the colour lights of the ball room not to make too odd shadows.


So, for the moment, a quick Conté portrait; let's see if I manage to make a small oil, as Covadonga's kindness and her awesome haircut, deserve it.


Conté, pencil and charcoal on paper.

sábado, 7 de julio de 2012

Óleo - Modelo de oreja con paleta reducida

Un ejercicio de paleta reducida con una oreja de escayola y dos colores: Terra Rosa, Azul Prusia y Blanco de Titanio.

Oils - Ear cast with a reduced palette.
A reduced palette exercise of an ear cast painted with just two colours: Terra Rosa, Prussian Blue, and Titanium White.

domingo, 1 de julio de 2012

Trampantojo - trompe l'oleil

Durante algunos días de los fines de semana de Junio he estado pintando la caseta de jardín de Montse y Nuria. Lo que al principio iba a ser una fuente, se ha convertido en una ventana con alféizar, tiestos, regadera y hecha de tablones de madera. Muy cansado, pero muy divertido.

For some days during june's weekends I have been painting this tools hur of Montse and Nuria. What at first was going to be a fountain became a window with flowers and a water can. Very tiring but really entertaining.

domingo, 24 de junio de 2012

Carboncillo - Charcoal - Venus de Milo final

Aclarado final de todo el dibujo, entonado de algunos detalles, y a por el próximo...

I cleared to finish all the drawing, toned some details, and I am ready for the next one...

viernes, 15 de junio de 2012

Carboncillo - Charcoal - Venus de Milo






Después de una de las peores semanas de mi vida, apenas he podido hacer nada más que esta Venus de Milo, en un tamaño algo superior a A3... Es curioso como casi siempre arranco muy oscuro y luego tengo que quitar carboncillo de enmedio para que los tonos sean algo más sutiles. Continuará...


After one of the worst weeks of my whole life, I could barely do anything more than this work in progress of Milo's Venus, a bit bigger than A3... It is funny how I always start drawing quite dark, and after some time I have to take some charcoal away in order to make subtles values. To be continued

domingo, 3 de junio de 2012

Acuarela - Rosa amarilla

Una acuarela rápida aprovechando que hacía bueno, y que Tina tiene los rosales reventando.
Acuarela sobre papel A4

A quick watercolor in a really nice day, in Tina's exhuberant rosetrees.
Watercolor con paper A4

sábado, 2 de junio de 2012

Carboncillo - Espalda (Charcoal - back)

Llevo varias semanas en las que no puedo ni coger el pincel así que me estoy dedicando al carboncillo/lápiz, y a mejorar mi anatomía (bueno, la mía no - qué más quisiera -, sino mis conocimientos de anatomía). Así que un apunte de espalda, la parte del cuerpo que más me gusta (para dibujar).

Carboncillo sobre papel A4

I haven't been able to grab a brush in the last weeks, so I am focusing in charcoal/pencil, and in improving my anatomy (well, not my anatomy - I'd love that - , but my anatomy knowledge). So, a sketch of a back, the part of the body I love the most (to draw).

Charcoal on paper A4

sábado, 19 de mayo de 2012

Conté - Amundsen

Un apunte rápido de otro de los machotes de la historia

Conté sobre papel A4

A quick doodle about another of the badasses of history


Conté on paper A4

lunes, 14 de mayo de 2012

Acuarela - pájaros Diamante



Ayer, sumido en el lecho del dolor desde hace un par de días, aproveché para sacar las acuarelas y retratar a los nuevos inquilinos: Romeo y Julieta, dos pájaros Diamante que David (gran coleccionista de arte) había regalado a mis hijos. El macho tiene unos colores preciosos, entre grisáceos y ocre, con un pico rojo fantástico. La hembra tiene una gradación de ocres complicada de reproducir con la acuarela.

Acuarela sobre papel A4


Yesterday, while laying in the bed in pain since two days ago, I managed to unfold my watercolors and portrait our new guests: Romeo & Juliet, a couple of Pardalotes (Diamond birds) that David (great art collector) had gifted to my sons.
The male has wonderful colours, between gray and ochre, with a terrific red beak. The female has an ochre gradation, hard to emulate with watercolours.


Watercolor on paper A4

domingo, 13 de mayo de 2012

Concurso de pintura del día de los museos



Conchy (la Ladrona no, la vallisoletana) me llama para decirme que están preparando un concurso para el día de los museos en Valladolid. La pinta es buenísima, y tiene lugar el próximo viernes. En la imagen podéis ver las bases. ¡Que haya suerte!

jueves, 10 de mayo de 2012

Pues para estar parado...

...el mercado del arte se mueve mucho. Menuda semana llevamos de récords y contra-récords. Por un lado, el "Grito" de Munch (una de sus versiones) sacó una millonada en subasta de Sothebys. Francamente, a mí siempre me ha parecido lo más flojo de su obra, frente a esas "Madonnas" fantásticas que tiene (véase la imagen), así que no le di demasiado interés.


Un par de días después de la venta del Grito, se subasta un Rothko ("Naranja, Rojo, Amarillo"). De éste sí me alegro, pues a mí Rothko me gusta MUCHO. Tampoco podría distinguir un Rothko de una copia de un Rothko hecha por un amateur, pero me parece que en su momento fue algo decisivo y, por alguna extraña razón, sus cuadros me dicen mucho. Simplemente, me gusta y con eso basta.

Después me desayuno con la niña Aelita André (5 añitos, ver la foto), que vende más y a más precio que Antonio López. Ya va por las 100.000 libras (las obras más baratas están a 3.000 libras), que es un pastizal. Parece que se decanta por el "action painting" y el expresionismo abstracto más salvaje, pero se intuye que está evolucionando a la abstracción pura (ya ha pegado un par de Barbies a algún lienzo). Aquí sí que puedo decir: "¡Eso lo pinta mejor mi hija de 18 meses!", porque es verdad (amor de padre).

Bien, parece que el arte es una inversión segura en estos tiempos turbulentos, aunque se diga que el mercado está muerto. Quizás esté muerto para los pintores locales y no tan conocidos, pero las figuras (y las niñas de 5 años) pueden sacar mucho de él.

They said it was decaying,...but it is in constant movement. What a week we've had from record to record. On one hand, "The Shout" from Munch (one of its versions) was subasted by a ton of money at Sothebys. Frankly, it has always looked to me as the weakest of his pieces, against those fantastic "Madonnas" of his (pictures included), so I didn't care too much.


A couple of days later after the selling of "The Shout", a Rothko is auctioned. I am happy with this one, as I like Rothko A LOT. I wouldn't be able to notice a Rothko from a copy of a Rothko made by an amateur, but I think at that moment he was something decisive and, for some strange reason, his paintings say a lot to me. Simply, I like it, and that is enough.


Then I notice the little girl Aelita Andre (5 years old) who sells more and more expensive than Antonio López. She has already earnt 100.000 pounds (the cheapest piece at 3.000 pounds), which is a huge amount of money. It looks like she is inclined to "action painting" and the wildes abstract expresionism, but it seems she is evoluting to pure abstraction (she has already sticked a couple of Barbies to some canvases). This is my opportunity to say: "My 18 months old daughter can paint better than that!", because it's true. Father's love...


So, it looks like art is a safe place to invest on in these times of trouble...even though it is said that the market is dead. Maybe it is dead por local and small painters, but well-known ones (and 5 year olders) can profit from it.


martes, 1 de mayo de 2012

Día de descanso - día de pintura familiar




Hoy, nada más desayunar, sin ni siquiera lavarnos los dientes y con la ropa más vieja que hemos encontrado, nos hemos puesto toda la familia a pintar con pintura de dedos. A Manuela, que es novata en estos lances, le ha encantado. La verdad es que todos nos lo hemos pasado como enanos.

Por mi parte he estado probando cómo mezclaban los colores al presionar con la mano y el calor propio...salen unos naranjas preciosos.

Luego, aunque me ha tocado cuidar de la pequeñaja y ella no permite que nada te distraiga de dedicarla toda tu atención, me las he arreglado para hacer una entrada en mi otro blog.

Today, just after having breakfast, and without even teethbrushing and with the oldest clothes we could find, we have been the whole family painting with finger paint. Manuela, who is a newbie in this matters, loves it! The truth is we all have enjoyed it a lot.


I have been trying how to mix colours while pressing the hand with my body's own heat...the oranges you obtain are awesome.


Then, even though I have had to take care of the little one, and she doesn't allow anything to distract you from griving her all your attention, I have managed to make an entry at my other blog.