viernes, 14 de noviembre de 2014

Acuarela - pequeños ejercicios con Church / Watercolor - little exercises after Church


Dada la carencia total de tiempo del que dispongo ahora mismo para pintar, estoy intentando al menos cada día hacer unas pequeñas viñetas en acuarela copiando algún gran maestro, para al menos aprender algo de los truquillos que manejan en la pintura del paisaje y la figura.

Así que me he decantado para arrancar en el máximo exponente del paisajismo americano: Frederick Church. Un gran pintor de la escuela del Hudson con una productividad impresionante. Si os acercáis al museo Thyssen de Madrid podréis ver un buen número de sus cuadros en todos los formatos y maneras. De hecho, uno de los cuadros que más me ha impresionado en la vida es un pequeño paisaje con una barca de unos 20cm de lado de dicho museo, del que desafortunadamente no hay ni una copia en internet que le haga justicia.

La idea es bien simple: selecciono un pintor y voy escogiendo imágenes de él de las que me muestra Google y pintando pequeñas viñetas (unos 5cm como mucho) intentando captar el grueso del cuadro. Suelo tardar unos 8 minutos por viñeta y de vez en cuando hago una más grande.

Así, he podido descubrir un par de cosas de Church, empezando porque ES UN TRAMPOSO.
¿Por qué es un tramposo? Muy simple: no pinta exactamente lo que tiene delante, sino que pinta el cuadro que le apetece. Le da igual que la luz no sea real, que las nubes no existan, inventarse los colores...su único objetivo es pintar un gran cuadro. Y lo consigue siempre.

Un par de ejemplos:
El segundo cuadro que más me gusta de él (después del del museo Thyssen que comentaba) es éste "Natural Bridge", un paisaje muy conocido de Viginia (EEUU):

Ahora, ved una foto real del puente natural que pintó hace más de un siglo Don Federico:

¿se parecen en algo? En la forma y poco más e incluso ha alterado la forma del arco para hacerla más alargada, más imponente.. Church simplemente trabaja con los colores que le apetece en cada momento para hacer un paisaje más real que la realidad, o al menos más interesante.
No le importa inventarse un color de cielo en una esquina del cuadro y luego alterarlo en la parte interna del vano del puente para resaltar la sombra del mismo. No se para a pensar si la piedra del arco es de ese color o no: sólo piensa en términos de frío / caliente, saturado / desaturado, y obtiene maravillas.

Otro ejemplo:

En este paisaje la luz que nos muestra es físicamente imposible. El sol está oculto tras el horizonte inundando de luz el cielo. Todas las luces que muestra en las ramas, las piedras, la tierra del primer plano, son imposibles. Ninguna luz (más allá de la del cielo) las llegaría.
Pero Church simplemente decide que para poder mostrar algo más que una mancha negra en el primer plano, debe mostrar esos brillos y lo hace sin importarle lo más mínimo la realidad. Y lo gracioso es que he visto ese cuadro mil veces y nunca me había parado a pensar, hasta que he hecho el ejercicio de pintarlo, que ese paisaje es irreal.

Probablemente esa es la utilidad del ejercicio y la maestría de Frederick Church.


Given the total lack of spare time I have right now for painting, I have decided to dedicate al least some time every day to paint small thumbnails of famous painters, so I can learn some of their tricks in landscape and figure.
So I have chosen to start with the biggest master of landscape painting in America: Frederick Church. A real master from the Hudson School with an astonishing productivity. If you get to The Thyssen Museum in Madrid you can watch many of his pictures in all sizes and themes. In fact, one of the paintings that have impressed me the most in my life, is a small sized landscape of him about a river boat, that is just 20 cm long in that musem, which unfortunately has no decent photos in internet.

The idea is quite simple: I choose a painter and I select paintings of him from Google, and paint small thumbnails (about 5 cm each) trying to capture the big scene. It usually takes around 8 minutes each, and from time to time I paint a bigger one.

Thus, I have been able to find out a couple of things of Church, starting by noticing that HE IS A CHEATER. Why is he a cheater? Simple: he doesn't paint exactly what is in front of him, but he paints the picture he wants. He does not care if the light isn't real, if the clouds do not exist, choosing colours of his own...his final goal is to paint a great painting. And he always achieves that.

A couple of examples:
The second painting I like from him the most (after the small one I told at the Thyssen Museum) is this "Natural Bridge", a well known landscape at Virginia (USA).
Photo of Natural Bridge by Church

Now take a look at the real landscape Mr. Church painted more than a century ago
Photo of real Natural Bridge at Virginia

Do they look similar? Just in their shapes and little more, he has even changed the arch to make it more elongated, more impressive. Church simply works with the palette he feels like at any moment, to create a more real landscape than reality, or at least more interesting. He does not care about a sky color that is not there in a corner of the picture and then change it inside the bridge to make the shadow pop out. He doesn't think twice about the rocks of the bridge and their colors: he just thinks in terms of cold / warm, saturated / desaturated colors, and he creates wonders.

Another example:
Sunset by Church

In this example the light he shows us is fisically impossible. The sun is hidden below the horizon filling the sky with light. All the hightlights he paints in the branches, stones, the foreground land, are impossible. No light (other than the one reflected from the sky) would reach them.
But Church just decides that in order to show something more than a black shape in the foreground, he has to paint those highlights, and he does it without caring a bit about reality.

And what is more interesting: I have watched this picture a thousand times and I had never stopped to think, until I have sketched it, that this landscape is irreal.

Maybe that is the utility of this exercise and the mastery of Frederick Church.

martes, 30 de septiembre de 2014

Comic

"I cannot think of anything to paint..."
"All around me is dull and without any artistic interest..."
"I have nothing to inspire me!!!"

domingo, 7 de septiembre de 2014

Árbol - lápiz de ojos / Tree - eye liner

Hoy no tenía a mano lápices en la comida familiar en el campo, así que eché mano del perfilador de ojos de mi mujer... Bastante complicado de usar sobre papel, pero da unos negros bárbaros.

Today I had no pencils at hand at my family's picnic, so I lent from my wife her eyeliner...Quite hard to use on paper, but it provides really deep blacks.

domingo, 31 de agosto de 2014

Los "Tres Amigos" crean una acuarela a tres manos / The "Three Friends make a watercolour all together


Los tres acuarelistas más conocidos en el panorama artístico internacional, se reunieron hace un tiempo para crear una gigantesca acuarela entre los tres...¡trabajando a la vez!
Herman Pekel, Zbukvic (mi favorito) y el uruguayo Álvaro Castagnet se juntaron en el estudio de Zbukvic, patrocinados por http://www.seniorart.com.au/  y http://www.colourinyourlife.com.au
para pintar un paisaje urbano a los que tan aficionados son los tres, cada uno con su característico estilo e interfiriendo uno con otro en lo que se iba pintando.

Es muy interesante ver las distintas paletas de colores que van usando cada uno, los colores fríos de Zbukvic contra los cálidos de Pekel, el uso del agua que hace cada uno: unos bañan el papel en ella mientras otros prefieren más pigmento... muy entretenido de ver.

Independientemente del valor comercial que tenga la iniciativa, hay algo que agradezco enormemente a estos tres artistas: han vuelto a situar la acuarela en un lugar privilegiado del arte contemporáneo después de décadas de abandono. Sus talleres se valoran a un pastizal y la asistencia no es fácil. Sus nombres son conocidos por cualquier acuarelista del mundo, y sus videos y libros se venden por millares. Así, más allá de los puntos que los unen (paisaje urbano en su mayoría, un cierto estilo común en el tratamiento del tema muy alejado, por ejemplo, de un Charles Reid u otros acuarelistas) han conseguido cierta unanimidad internacional en cuanto a sus trabajos.

Y eso en los tiempos que corren, no lo consigue todo el mundo...



The three most known watercolorists in the international art world, gathered some time ago to create a huge watercolour between the three of them...all working at the same time!

Herman Pekel, Zbukvic (my favourite one) and Alvaro Castagnet, met at Zbukvic's studio, sponsored by in order to paint an urban landscape of the kind they are all so fond of, each one painting in their own style and painting over the other one's previous paint.


It is quite interesting to watch the different colour palettes each one uses, the cold colours of Zbukvic mixed with the warm ones Pekel uses, how each one uses the water: some soak completely the paper while others prefer to paint with more paint...really entertaining.


Further from the commercial value of this session, there's something I thank these three guys: they have placed watercolor back in a privilaged stand of contemporary art after several decades of decay. Their workshops are worth a big bunch of money and to be chosen to participate is not easy. Their names are known by any watercolorist all around the world and their videos and books are solden by thousands. So, further from what keeps them together (urban landscapes, a common style in the treatment of the subject far from the one of Charles Reid and others) they have obtained international unanimity about the quality of their works.


And that's not easy nowadays...

martes, 19 de agosto de 2014

Pintando con Manel Plana





Ayer tuve el placer de ir a pintar con Manel Plana, uno de los más conocidos acuarelistas españoles actuales.  

Manel no sólo ha expuesto por toda España,  sino que incluso tiene varios libros dedicados a la acuarela en su haber, lo que da idea de su grado de maestría.  Así que aprovechando que estaba por Valladolid,  buscamos un paraje con paisaje castellano en todo su esplendor veraniego,  y allá que nos fuimos cargados con nuestras acuarelas.
Lo cierto es que el paisaje castellano es de las cosas más bonitas de ver y pintar que uno puede encontrar.  La gama de amarillos, ocres, naranjas,  violetas y grises que se dan en él hacen que sea imposible aburrir al ojo.  Manel es un gran amantes de este tipo de paisaje y sus pueblos, con lo cual no tuvimos que debatir mucho para decidir subirnos a un cerro (por cierto,  que casi nos desmoñamos en la bajada de lo empinado que estaba) donde la vista es espectacular.  Encima la hora ayudó mucho,  pues las sombras comenzaban a alargarse añadiendo aun más variedad al paisaje.

Manel pintó un par de acuarelas pequeñas y yo seis apuntes rápidos que no mostraré para evitar comparaciones de las que saldría muy malparado, así que os muestro lo que obtuvo con un par de aguadas y simplificación máxima.

Echad un vistazo en su blog a sus obras y muy especialmente al taller en el que pinta en directo para ver su técnica y soltura. También muy recomendables sus artículos sobre arte (él me recomendó especialmente estudiar la obra de Ramón Sanvisens y de Gimeno)


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lunes, 18 de agosto de 2014

Verano artístico...


Aprovechando que he podido tener unos días de descanso, quedé en Santander con Arturo Hernández, artista, profesor de pintura y conocedor de los entresijos del mundillo. Así pude visitar su academia, visitar la exposición sobre Madrazo y ver in situ el taller de Ayerdi, uno de los pintores cántabros más conocidos.
Ayerdi basa su obra en paisajes locales con la inclusion de figuras, utilizando casi siempre acrílico u óleo. También ha creado una serie muy interesante recientemente de "divertimentos" a partir de pinturas clásicas,  a las que añade su ironía particular modificando o incluyendo nuevos elementos en ellas. En la foto puede verse detrás de nosotros su "Caballero de la mano en pecho" del Greco, al que ha añadido un escudo del Real Madrid,  cambiando totalmente la gravedad del retrato original y entrando de lleno en la pintura más pop como un nuevo Warhol.
 Podéis ver algún ejemplo más en http://www.protagonistasvipcantabria.com/lopez-ayerdi-y-su-divertimento


Así da gusto tener vacaciones, rodeado de artistas...


martes, 15 de abril de 2014

Una gallina se come una obra de arte del Museo de Arte Moderno de Medellín

Me parto...


La obra titulada «Paisaje producido», del artista Carlos Uribe, ha resultado dañada por una gallina, que fue liberada en el museo de Arte Moderno de Medellín, en Colombia, y no pudo sucumbir ante la tentación de que estaba compuesta la creación, maÍz, y se comió parte de la obra.
El montaje formaba parte de la exposición «Coordenadas», y aunque en principio se pueda pensar que el acto fue una simple «gamberrada», la historia va más allá.
El responsable de soltar la gallina delante de la obra realizada con maí es un estudiante de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquía. Tiene 25 años y asegura que la «liberación de la gallina» formaba parte de su trabajo de fin de grado, según indica el diario «El Colombiano».
El joven había solicitado un permiso para acceder al museo con la cámara y un trípode, pero ocultó que también habría una gallina. Más tarde,publicó la grabación en el portal de vídeos YouTube y en una página de Facebook bajo el nombre «La Gallina», con el fin, según su descripción, de crear «un espacio para la activación critica y diálogos en el arte contemporáneo».
«Mi trabajo de fin de grado es una reflexión sobre los estamentos del arte. Consiste en preguntarme qué debe tener una obra para ser considerada arte en el espacio del museo», comentó el joven.
Del ABC del 14/4/14.

viernes, 8 de noviembre de 2013

martes, 29 de octubre de 2013

Día Internacional de la Pintura





El pasado sábado Fredesvinto nos convocó a los amantes del apunte del natural a juntarnos a pintar un ratillo en la plaza de Fuente Dorada. No estuvimos muchos, probablemente por el frío que hacía y por lo cercano que estaba el último SketchCrawl, pero nos lo pasamos bien aunque en mi caso no conseguí nada decente (mi dibujillo está arriba a la derecha, un boceto de la figura del herrero de la fuente).

Las fotos son de Fredes, que conste...

viernes, 25 de octubre de 2013

Apunte de acuarela - Héroes / Watercolor sketch - heroes



"We could be heroes forever and ever, or we could be heroes just for one day" David Bowie dixit

De mi cuaderno de apuntes

From my sketchbook

lunes, 30 de septiembre de 2013

Visto últimamente - Robert Rauschenberg

Untitled

Untitled

Charlene

Untitled

Untitled
Satellite

Últimamente he estado bastante obsesionado con una etapa pictórica (bueno, si puede llamarse pictórica), de Robert Rauschenberg (1925-2008). En concreto la que tuvo lugar en los 50 y 60 del siglo pasado. Y es que con Rauschenberg siempre he tenido una relación de amor-odio similar a la que tengo con Picasso (probablemente uno de los mayores genios - de la pintura y del marketing - de nuestro tiempo), pues tanto me encanta parte de su obra como me horroriza el resto.

Rauschenberg, un tejano que estudió arte en el Kansas City Institute, después en París, y más tarde en la conocida Black Mountain Collage, que por aquel entonces era un hervidero de artistas de la postguerra, y donde se enseñeba y se animaba a los alumnos a experimentar en contra del arte establecido (bueno, al menos el establecido en el siglo XIX), y que fue el primer edificio del mundo en tener una cúpula geodésica. Allí su profesor Albers le animó a hacer "justo lo contrario de lo que le habían enseñado". Así que pronto evolucionó a la abstracción pura, con collages creados con materiales encontrados en la calle. A menudo incluía pequeñas luces o animales disecados, o creaba obras con varias caras que podían rodearse y contemplarse desde varias perspectivas.

En un catálogo de 1959 declaraba
 "Un par de calcetines no son menos apropiados para crear un cuadro que la madera, los clavos, los óleos y la trementina".
 De esta forma pronto sus obras se volvieron inclasificables...¿qué eran?¿cuadros?¿collages?¿esculturas? Así que decidió llamarlas "Combinaciones". Su razón era muy clara:

"Vi que a Calder no sabían cómo clasificar su obra hasta que él decidió llamarla "móviles". "Ah, así que eso es lo que son" dijo la gente, así que yo decidí clasificar a mis obras como "combinaciones". Y funcionó"

Mi problema con Rauschenberg viene de que tras su éxito con las combinaciones pasó rápidamente a las instalaciones y el arte conceptual que tanta guerra dió en los 80. Y ahí sí que me aburre soberanamente. Las texturas que me dejan pegado a la foto de su "Canyon", desaparecen en sus montajes con bicicletas. Todo el colorido de "Satellite" muere tras los 60. Esos churretones de pintura que tanto carácter tienen en sus "Untitled", dan paso a materiales fríos como el metal.

Ya nunca volvió a crear un "Charlene", para mí su obra maestra aunque esté tan alejada de mis gustos habituales.


Canyon


Actualización Sept. 2014: En Rauschenberg en Artsy podéis encontrar una página muy completa sobre el artista, con novedades sobre exposiciones, imágenes de su obra, etc...