martes, 15 de abril de 2014

Una gallina se come una obra de arte del Museo de Arte Moderno de Medellín

Me parto...


La obra titulada «Paisaje producido», del artista Carlos Uribe, ha resultado dañada por una gallina, que fue liberada en el museo de Arte Moderno de Medellín, en Colombia, y no pudo sucumbir ante la tentación de que estaba compuesta la creación, maÍz, y se comió parte de la obra.
El montaje formaba parte de la exposición «Coordenadas», y aunque en principio se pueda pensar que el acto fue una simple «gamberrada», la historia va más allá.
El responsable de soltar la gallina delante de la obra realizada con maí es un estudiante de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquía. Tiene 25 años y asegura que la «liberación de la gallina» formaba parte de su trabajo de fin de grado, según indica el diario «El Colombiano».
El joven había solicitado un permiso para acceder al museo con la cámara y un trípode, pero ocultó que también habría una gallina. Más tarde,publicó la grabación en el portal de vídeos YouTube y en una página de Facebook bajo el nombre «La Gallina», con el fin, según su descripción, de crear «un espacio para la activación critica y diálogos en el arte contemporáneo».
«Mi trabajo de fin de grado es una reflexión sobre los estamentos del arte. Consiste en preguntarme qué debe tener una obra para ser considerada arte en el espacio del museo», comentó el joven.
Del ABC del 14/4/14.

viernes, 8 de noviembre de 2013

martes, 29 de octubre de 2013

Día Internacional de la Pintura





El pasado sábado Fredesvinto nos convocó a los amantes del apunte del natural a juntarnos a pintar un ratillo en la plaza de Fuente Dorada. No estuvimos muchos, probablemente por el frío que hacía y por lo cercano que estaba el último SketchCrawl, pero nos lo pasamos bien aunque en mi caso no conseguí nada decente (mi dibujillo está arriba a la derecha, un boceto de la figura del herrero de la fuente).

Las fotos son de Fredes, que conste...

viernes, 25 de octubre de 2013

Apunte de acuarela - Héroes / Watercolor sketch - heroes



"We could be heroes forever and ever, or we could be heroes just for one day" David Bowie dixit

De mi cuaderno de apuntes

From my sketchbook

lunes, 30 de septiembre de 2013

Visto últimamente - Robert Rauschenberg

Untitled

Untitled

Charlene

Untitled

Untitled
Satellite
 
Canyon
Últimamente he estado bastante obsesionado con una etapa pictórica (bueno, si puede llamarse pictórica), de Robert Rauschenberg (1925-2008). En concreto la que tuvo lugar en los 50 y 60 del siglo pasado. Y es que con Rauschenberg siempre he tenido una relación de amor-odio similar a la que tengo con Picasso (probablemente uno de los mayores genios - de la pintura y del marketing - de nuestro tiempo), pues tanto me encanta parte de su obra como me horroriza el resto.

Rauschenberg, un tejano que estudió arte en el Kansas City Institute, después en París, y más tarde en la conocida Black Mountain Collage, que por aquel entonces era un hervidero de artistas de la postguerra, y donde se enseñeba y se animaba a los alumnos a experimentar en contra del arte establecido (bueno, al menos el establecido en el siglo XIX), y que fue el primer edificio del mundo en tener una cúpula geodésica. Allí su profesor Albers le animó a hacer "justo lo contrario de lo que le habían enseñado". Así que pronto evolucionó a la abstracción pura, con collages creados con materiales encontrados en la calle. A menudo incluía pequeñas luces o animales disecados, o creaba obras con varias caras que podían rodearse y contemplarse desde varias perspectivas.

En un catálogo de 1959 declaraba
 "Un par de calcetines no son menos apropiados para crear un cuadro que la madera, los clavos, los óleos y la trementina".
 De esta forma pronto sus obras se volvieron inclasificables...¿qué eran?¿cuadros?¿collages?¿esculturas? Así que decidió llamarlas "Combinaciones". Su razón era muy clara:

"Vi que a Calder no sabían cómo clasificar su obra hasta que él decidió llamarla "móviles". "Ah, así que eso es lo que son" dijo la gente, así que yo decidí clasificar a mis obras como "combinaciones". Y funcionó"

Mi problema con Rauschenberg viene de que tras su éxito con las combinaciones pasó rápidamente a las instalaciones y el arte conceptual que tanta guerra dió en los 80. Y ahí sí que me aburre soberanamente. Las texturas que me dejan pegado a la foto de su "Canyon", desaparecen en sus montajes con bicicletas. Todo el colorido de "Satellite" muere tras los 60. Esos churretones de pintura que tanto carácter tienen en sus "Untitled", dan paso a materiales fríos como el metal.

Ya nunca volvió a crear un "Charlene", para mí su obra maestra aunque esté tan alejada de mis gustos habituales.


viernes, 27 de septiembre de 2013

Lápiz - cráneo / Pencil - skull

De mi cuaderno de apuntes, y volviendo a las calaveras que tanto juego dan, aunque desde las series de Antonio Mateos poco queda ya para añadir...


From my sketchbook, and returning to skulls that look so nice, though after Antonio Mateos made his series there's very little to add to this subject.

jueves, 19 de septiembre de 2013

Acrílico - Afueras de Parquesol / Acrylics -Parquesol's outskirts

Un apunte rápido que, por alguna razón sale horroroso en foto. Supongo que será por el látex.

Acrílico y látex

A quick sketch whose photo, for some reason, is terrible. I guess it is because latex is too reflective or something like that...

Acrylics and latex.

lunes, 16 de septiembre de 2013

En la exposición de César

 El viernes se inauguró la exposición en el Café Coco (plaza de Federico Wattenberg) de los dibujos que César ha ido haciendo a lo largo de sus últimos viajes. Como buen comiquero y amante del estilo de la "línea clara", todas las pinturas son muy limpias y

Me gustó especialmente la imagen que muestro de una antena de telefonía con nidos de cigüeña, y a lo lejos tapada por palmeras una mezquita, que debería ser el motivo central del cuadro, pero que a César no se lo pareció. El contraste entre los nidos y el andamiaje de la torre de comunicaciones es una preciosidad.

En blanco y negro y con su habitual estilo muestra también una vista del Museo de Escultura desde el propio lugar de la exposición, que con un par de trazos resuelve todas las esculturas, huecos y detalles de la fachada de San Gregorio. Si a eso le unimos una capacidad de distribuir luces y sombras para hacer auténtico diseño, queda una imagen impresionante de verdad.

Aprovechamos para ponernos al día Conchy, César y yo, pues hace un año que no nos veíamos, y sobre todo para comentar materiales de escultura, en los que César anda muy versado y yo aún estoy iniciándome.

¡Para la próxima exposición una de escultura, César!


sábado, 7 de septiembre de 2013

Cuadernos de apuntes - sketchbooks

 Cuando Arturo Hernández (profesor de pintura, gran artista, y probablemente de los pintores que más sepan en España del uso de cualquier medio y material - un auténtico alquimista moderno, y como él dice "groupie" de mi blog) me invitó a pasar con él una mañana viendo el Museo del Faro Mayor de Santander, comenté que siempre me ha gustado más ver los cuadernos de apuntes de los grandes pintores que sus obras acabadas. Y me di cuenta de que hace mucho que no enseño mis cuadernos de apuntes actuales, en los cuales intentó hacer algo cada día, generalmente en gouache. Son de papel oscuro (marrón o gris) que me he creado en A4 y A5 para tener siempre sobre qué pintar.
Así que aquí van las últimas páginas que he pintado. Como véis, tan pronto mezclo paisajes con soldados, como estudios de planos de cabezas con astronautas...para éso son los cuadernos de apuntes.


When Arturo Hernández (fine art teacher, great painter, and probably one of the painters that knows more about the different uses of any medium and material - a real modern alchemist, and as he says a "groupie" of my blog), invited me to spend a morning with him watching the Museo del Faro Mayor de Santander, I commented that I have always liked much more the sketchbooks from famous painters than their finished pieces. And I noticed I have been a long time without showing mi current sketchbooks in which I try to make something every day, usually in gouache. They are made of dark paper (brown or gray) and I made them in A4 and A5 to have something to paint on always.So here are their last pages I painted. As you can see, I can freely mix landscapes with soldiers, with head planes studies and astronauts...that's what sketchbooks arfor.

sábado, 20 de julio de 2013

Alla prima - Retrato de Asís - Asís' portrait


Como Asís entraba en la cuarentena (de años) y había que celebrarlo, decidí regalarle además de participar en el regalo colectivo, un retrato al óleo.
Como no tenía mucho tiempo ni fotos ni nada de nada, decidí lanzarme "alla prima" que apenas lo he practicado, y ver qué salía de ahí. Ya sabéis, según la Wikipedia, "alla prima" significa "húmedo sobre húmedo", y en español solemos traducirlo por "de una sentada", es decir en una o dos sesiones como mucho. Es una técnica que permite pocos errores pero que da un resultado muy vivo, al estar muy poco "relamido".

Lo primero era utilizar un soporte con el que estuviera cómodo. Los lienzos sin bastidor me facilitan mucho la vida, así que pegué uno en la pared de mi estudio y le di una capa muy diluida en trementina de "Terra Rossa" para quitar de enmedio el blanco original.

Sobre este fondo empiezo a dibujar con el pincel. Alla prima implica generalmente lanzarse a pintar con muy poca preparación, y el dibujo para mí ya no es un reto. ¡Lo que es un reto es pintar! Así que hago un esbozo muy rápido de lo que quiero obtener y ya iré corrigiendo por el camino.
Añado aquellos puntos más oscuros del cuadro (zona de sombra de los ojos, la sombra proyectada de la nariz, pelo, oído...) para mantener la referencia según vaya pintando.

Y arranco a pintar. Generalmente escojo un área que no me preocupe demasiado que quede mal porque, por alguna extraña razón, las primeras pinceladas y colores siempre me salen con muy poca confianza. Así que empiezo por la frente, y podemos ver el primer error (que me importa bien poco, luego lo corregiré) en los colores de la frente: al hacer la transición entre la parte más oscura de la frente (el perfil) e ir aclarando para dar la sensación de volumen, he desaturado demasiado la franja intermedia y ha quedado un color muy sucio.

La idea es tener sombras cálidas y luces frías, y evitar el gran fallo de tratar con fotos: zonas muy oscuras y zonas casi blancas. La realidad es más sutil que las fotos y no hay nunca zonas casi negras, ni desde luego en la cara tenemos esas zonas tan claras como aparecen en las fotos. No hay tanto contraste, y en el momento en que empiezas a usar la foto sólo como guía y no como referencia absoluta, tienes la mitad de tu progresión a artista hecha.

Por ejemplo, en la foto tras el dibujo inicial podéis ver que las luces que he aplicado en la frente y la aleta de la nariz son demasiado claras. Contrastan demasiado, no son reales. El color probablemente no está mal (frío), pero es irreal. Posteriormente al corregirlo lo bajo un poco de tono acercándolo más al color general de la piel y gana mucho en realismo. Posteriormente podéis ver que me ocurre algo similar con el brillo del labio. Tengo que bajarlo un tono y oscurecerlo para hacerlo real.

Los demás pasos consisten sólo en ir añadiendo y quitando, siempre manteniendo el esquema de luces frías y sombras calientes en mente.

En las últimas fotos véis que me dió la impresión de haber añadido demasiada barbilla, así que utilicé el viejo truco de Sargent: subir el echarpe para que tapara un poco más. También me di cuenta de que la cabeza es un poco más ancha por la zona de la nuca, con lo cual añadí un poco de nuca y modifiqué toda la forma de la cabeza. En realidad la forma de la cabeza la he estado tocando continuamente mientras pintaba (se ve en las distintas fotos como añado, tapo, vuelvo a añadir, la hago más alta, más baja...). Alla prima hace que no te preocupe demasiado cualquier error, mientras avances todo va bien. Lo fundamental es mantener las proporciones y el esquema de temperaturas del color.

En la primera foto podéis ver el resultado final que espero que guste al retratado porque así es como yo le veo y así lo he pintado.

"Asís" óleo sobre lienzo

As Asís enters his 40's we had to celebrate that, so I decided to gift him (appart from a colective present), an oil portrait.
I had not too much time nor pictures as reference nor anything, so I decided to paint "alla prima" as I haven't practiced it too much, and see if I could succeed. You know, Wikipedia defines "alla prima" as painting "wet on wet". In fact we all take that as painting in one stand, or two max. It is an unforgivable technique but that achieves a very liveful sensation as the picture isn't painted over and over again.

First of all was using a canvas I was comfortable with. Canvases without frame help me a lot, so I sticked one of those to my studio's wall and painted a very diluted layer of Terra Rossa with turpentine, just to get rid of the white background.

Over this background I start to paint just with my brush. All Prima means jumping straight on painting with very little previous work, and drawing is no more a to me. What still is a is painting! So I make a quick sketch and I'll correct it along the way with paint.

I paint those darkest points (eyes shadows, casted shadow of the nose, hair, ears...) to keep that reference as I go on.

And I start to paint. I usually choose an area I know I won't be worried too much if I fail, because for some strange reason my first brush strokes and colours are always quite unconfident. So I start by the forehead and you can watch my first mistake (which I do not care too much about as I will correct it later) in the forehead colours: the transition between the darkest part and those I am making brighter to give the volume sense, I have desaturated too much the colour muddying it.

The idea is to have warm shadows and cold lights, and to try to avoid the big mistake of dealing with photos: very dark zones and nearly completely white ones. Nature and reality is subtler than that and there are no nearly black areas, and of course we don't have those nearly white areas that appear in pictures. There's not so much contrast, and the sooner you start to use photographs as just an aid and not your guide, the sooner you'll progress as an artist.

For example, in the picture after the initial sketch you can see that the lights I applied to the forehead and the nose are too bright. They contrast too much, they are not real. Their colour might be fine (it is cold), but it is not real. I correct it toning it down making it closer to the general skin tone, and it looks much more realistic. After that you can observe something similar happens with the lip shining. I have to make it a darker value to make it look real.

The next steps are just adding and removing, back and forth, always with my cold lights and warm shadows in mind.
In the last pictures you can see I noticed the chin was too long, so I did Sargent's old trick: make the handkerchief a bit bigger to cover it. I also noticed the head is a bit wider by the back, so I added some surface there and changed all the shape of the head. In fact I have been struggling with the head's shape all the time as I was painting (you can check it in the different photos: I add, I cover it, I add some more in another art, make it higher, shorter, longer, wider...). All prima makes you not worry too much about any mistake as long as you keep on working. The basics is just keeping the proportions ok and the temperature and value scheme.

In the first picture you can see the final resulta that I hope the portraited will like, as it is how I see him and how I have painted it.



"Asís", oils on canvas.










sábado, 6 de julio de 2013

Tablas de color - colour sheets

Un ejercicio que todo aspirante a artista (y según un muy conocido pintor, los ya consagrados deberían hacerlo varias veces en su vida), son las famosas tablas de colores. El sistema es muy simple, y gracias a él se adquiere una visión de cómo los colores interactúan entre sí, que no se obtiene mediante el sistema de prueba y error pintando cada día.

Básicamente consiste en:
1.- Seleccionar el medio en que lo harás. He estado dudando si hacerlo en óleo o acrílico y al final me he decantado por éste último, simplemente por facilidad de manejo con el secado.
2.- Seleccionar cuál es tu paleta de colores con la que trabajarás. Generalmente todos tenemos unos colores con los que nos sentimos más cómodos. Para mi ejercicio yo he usado:

  • Blanco (nunca compro acrílico blanco, siempre utilizo gesso. ¿El motivo? - opacidad, limpieza, calidad de la mezcla... Spooge siempre dice a los que compran cajas completas de colores acrílicos: "lo primero de todo tras abrir la caja, es coger muy delicadamente el tubo de blanco y depositarlo en la papelera")
  • Amarillo cadmio claro
  • Amarillo ocre (varía muchísimo el tono entre marcas)
  • Rojo cadmio
  • Carmín
  • Magenta
  • Azul celeste
  • Azul ultramar
  • Azul prusia
  • Tierra sombra natural
3.- Crear las tablas. Yo uso papel de óleo Van Gogh 24x32 de 100gm, pero cualquiera sirve. Con cinta de enmascarar hay que crear los cuadritos que serán pintados posteriormente. Horizontalmente será 1 por cada color de tu paleta (en mi caso 9), y verticalmente el número de tonos que quieras dar (ahora lo explico). En mi caso estoy usando 5 pero es muy usual verlo con 7 tonos e incluso con 9.

4.- Primera tabla: la primera celda horizontal de cada columna se pinta con el color puro tal cual sale del tubo. Después las filas inferiores se van aclarando con blanco de tal modo que la fila central (en mi caso la 3) sea un tono medio de ese color. La más inferior de todas (la 5) debe ser apenas distinguible del blanco.
Por ejemplo, con mi paleta, mi columna 1 es el amarillo cadmio. La "celda" 1,2 (columna 1, fila 2) es amarillo cadmio aclarado un poquito con blanco...la "celda" 1,5 es blanco con un poquitín de amarillo. La celda 2,1 es amarillo ocre. La 2,2 ocre con un poquito de blanco, ... la 9,1 es tierra sombra natural y la 9,5 es blanco con un poquito de tierra. No sé si se entiende.

5.- Siguientes tablas: en la primera columna se pone el color base que se mezclará con todos los demás colores. Por ejemplo, en la tabla de amarillo cadmio relleno la primera columna con las mismas gradaciones de amarillo cadmio hasta blanco que hice en la primera tabla. En la segunda columna el primer cuadro es la mezcla de amarillo cadmio puro con ocre puro. Esa mezcla la diluyo hasta blanco en el último cuadro de esa segunda columna. Así sucesivamente hasta que en la última columna mezclo amarillo cadmio puro con tierra sombra natural pura en la primera casilla. Diluyo en la siguiente con blanco, más en la siguiente, y en la quinta será casi totalmente blanco con un poco de amarillo cadmio y tierra sombra natural.
La siguiente tabla sería la mezcla de ocre con el resto de colores, la siguiente el rojo cadmio con el resto de colores (incluyendo los anteriores, etc...). En la foto se ve la tabla del carmín.

La verdad es que el resultado sorprende un montón. Por ejemplo el azul celeste da unas mezclas que nunca hubiera imaginado, con unos colores puros buenísimos. Y por lo que veo se consiguen varios objetivos.

1.- Aprender cómo son realmente las mezclas. No basta saber que rojo+amarillo=naranja. Hay que saber que el rojo cadmio + ocre da un naranja distinto del magenta con amarillo cadmio.
2.- Distinguir tonos: enseguida empiezas a coger el truco de qué color es más claro que otro y cómo aclarar colores sin recurrir al blanco (por ejemplo, el carmin puedes aclararlo con rojo cadmio o magenta, dependiendo de si quieres un color frío o cálido...
4.- Aprendes a no hacer barro: rápidamente ves que mezclar dos colores da un tercer color muy saturado precioso. En cuanto metes un tercero, se fastidió el brillo de los colores. Aunque muchas veces será lo que busquemos en las mezclas.
5.- Mejora el uso de las herramientas. En mi caso, en vez de pinceles estoy usando espátulas porque apenas las uso y me interesa empezar a manejarlas. Al principio es como si te hubieran atado la mano a la espalda, pero enseguida le pillas el aire.

Estoy haciendo una tabla al día, tardando aproximadamente una hora y media (sin contar el hacer el papel) y mi consejo, de verdad, dedicad un poco de tiempo a este ejercicio, es muy útil. Recordad que sin fundamentos técnicos no se puede llegar a nada...

viernes, 24 de mayo de 2013

Gouache - El árbol de debajo de mi despacho / The tree under my office

Un bosquejo muy pequeño sobre una foto que tomé del árbol bajo la ventana de mi despacho.

A really small gouache doodle from a picture I took this week of a small tree under my office's window.