Gouache - Aranda de Duero

Un pequeño boceto desde la ventana...

A little sketch from my window...

Acrílico - ciruelo /Acrylic - plum tree

Arranca la temporada de campo con un par de apuntes rápidos y pequeños en acrílico. Imposible trabajar con ellos con este calor, el próximo día usaré gouache...

The plein air season starts with a couple of small quick sketches in acrylics. It was impossible to paint with them with so much heat, so next time I'll use gouache.

Art won't save the world...

"Si se encomienda una tarea al arte o la literatura es poco probable que la lleven a cabo. Son instrumentos bastantes ineficaces"

(Tzvetan Todorov)

"If you commit a task to art or literature, it is not probable it will be achieved. They are quite inefficient tools."

(Tzvetan Todorov)

La "Ronda de Noche" de Rembrandt, en flashmob /Rembrandt's "Night Watch" recreated by a flashmob

Por cierto, que lo han hecho en un centro comercial de Breda ¡Podían haber hecho las Lanzas de Velázquez!

Para los interesados, el "making of":

BTW, it has been filmed at a mall in Breda, they could have shot "Breda's Rendition" by Velázquez!!!
Also for those interested, the making of is provided.
Vía BoingBoing

Gangster after L.C.

Lápiz y gouache
Pencil and gouache watercolour.

Boceto de Autorretrato - Self Portrait Sketch

Taller de Antonio López y Cristóbal Toral en Valladolid

120 inscritos de todo el mundo, sólo 25 pasan la criba, 12 de ellos de Valladolid. No, no es Gran Hermano, es el próximo taller de Antonio López y Cristóbal Toral en Valladolid desde el 25 de Febrero al 1 de Marzo. Dos de los mayores genios del siglo XX y XXI reunidos con un grupo de elegidos.
Y entre ese grupo de elegidos se encuentran Santiago Bellido (probablemente el mejor dibujante que conozco, el gouache de la izquierda es un retratillo que le hice) y Luis Pérez (probablemente el mejor pintor de realismo fotográfico que conozco). Sin que me dijeran el nombre de los maestros que imparten el taller, viendo sólamente los nombres de los alumnos, ya hubiera sabido que algo grande se va a cocer en esas fechas en mi ciudad. Santiago y Luis, ¡os quiero cuatro días con los oídos y las orejas bien abiertas para poder contarnos luego todo lo que se trate allí dentro!

Bocetillos en lápiz - Some pencil sketches

Un par de bocetos hechos en el cuaderno que tengo junto al ordenador en casa y que utilizo cuando Manuela se sienta junto a mí a ver sus videos de Mickey Mouse. Es una tecnóloga en ciernes y Youtube es su web favorita. Una geek más en la familia, qué vamos a hecerle.
Los bocetos no tienen mucha historia: un pez León extraído de la web de Zarpitas, pues venden ejemplares de esta maravilla; y un árbol de pantano para una ilustración que espero poder hacer a base de levantarme a las cinco de la mañana, pues es el único momento en que consigo ponerme a pintar algo...

A couple of sketches made in my notebook by my PC at home, that I use when Manuela comes to me to watch her Mickey Mouse favourite videos. She is becoming a technologist and Youtube is her favourite site. Another geek in the family, what can we do...
The doodles don't have much to say: a Lionfish from Zarpitas web, as they sell this awesome fishes; and a swamp tree for an illustration I hope to paint by waking up at 5 A.M., as it's the only moment of the day when I can paint something...

Con Manel Plana

El día de Nochebuena tuve la oportunidad de compartir la cena con uno de las leyendas vivas de la acuarela en España: Manel Plana. Fue un soplo de aire fresco tras un montón de tiempo sin acercarme al mundillo artístico (tanto por dedicación al trabajo, como por la pequeña Manuela, como por estar inmerso en un proyecto del que ya hablaré), y poder conocer de primera mano sus teorías y técnicas pictóricas.


 Mientras me enseñaba sus últimos cuadernos sobre los que había estado pintando los días y meses anteriores, dedicamos un buen rato de la noche a hablar sobre las dificultades que entraña la acuarela, su visión de cómo el coche y las prisas diarias han hecho decaer el interés en la pintura del público, los mejores papeles para pintar (utiliza papel Ingres del de carboncillo, en vez de los de mayor gramaje de acuarela), y su dedicación de toda una vida a la pintura.

Un placer pasar una fecha tan especial con el gran Manel, a pesar de la vergüenza que supone que en la casa donde estábamos había una acuarela mía colgada junto a dos suyas y, la verdad, las comparaciones son odiosas...

¿De qué vive un artista?

Con la que está cayendo, creo que ya ni siquiera este texto será real. Encontrado en el blog de Ospina...

"Un artista vive de la renta, de alguna renta, por ejemplo de un inmueble heredado que produce una suma fija mensual. Un estudiante se pagó la costosa matrícula de una universidad privada con el producto de un local que le tenía alquilado a un cine-bar, lo que los asistentes gastaban en boletas, cócteles y crispetas él lo reinvertía en arte. En otros casos las rentas vienen de lo que producen las acciones en un negocio familiar. Una generación trabajó, otra hizo fortuna y la última, la generación artista, se gastó la plata. Dos hermanos, uno actor y otro cineasta, vivieron durante mucho tiempo del producto de la renta que producía la fábrica de piscinas fundada por el padre y administrada por el primogénito, un ingeniero igual de excéntrico a sus hermanos menores pero que debió conducir su artisticidad por el cauce señalado por el padre.

Otro artista a la muerte de su padre recibió una gran fortuna como herencia, ante lo que su mejor amigo, otro artista, dijo que era él quien había pasado a mejor vida.

Otro artista vive de un negocio. Cada quince días hace el viaje de la capital a su pequeña ciudad natal donde tiene una miscelánea que mantiene surtida de prendas y adminículos para jóvenes, cosas pasadas de moda en la gran ciudad pero que son novedad en la provincia. El artista dice con orgullo que es él quien define las tendencias de la moda en la pequeña ciudad. Otro artista puso un restaurante y se le incendió, otro montó el restaurante que lo hizo tan reconocido como chef que cuando dice que también es artista la gente se sorprende.
Otros artistas optan por el diseño y montan empresa, les va bien, son prueba de que en diseño más que estudio se necesita de práctica, prueba y error, experiencia; a estos artistas que diseñan les va tan bien que pasan de artistas a diseñadores. Todos tienen una fase en que ven el diseño como arte pero cuando el trabajo los abruma, y los clientes “siempre tienen la razón”, caen en cuenta de que el diseño es un servicio más y de que ellos se han convertido en proveedores de soluciones, no de enigmas; lo que comenzó siendo una estrategia temporal de automescenazgo —el diseño para pagar el arte—, terminó siendo un trabajo perpetuo donde todas las licencias creativas del arte van a parar al diseño. De vez en cuando estos artistas diseñadores les toca hacer un catálogo de arte o un trabajo para un museo de arte y cuando entran de nuevo en contacto con la gente del arte, agradecen vivir del diseño, incluso extrañan a sus clientes habituales. Es raro pero no inusual que por algún rezago estético estos diseñadores recuerden esa cosa inútil y anodina llamada arte, pero pronto lo urgente los trae de nuevo al presente.

Otro artista emigró y montó una carpintería en un país de donde tenía nacionalidad, antes hacía instalaciones sonoras efímeras, hoy instala pisos de madera y une cada pieza con el mismo cuidado con que componía sus obras de arte.

Otro artista tuvo un hijo y abandonó el arte: “los hijos son la muerte del artista y el nacimiento del publicista”.

Otros artistas viven de la dictadura de clase. Cada año los programas de arte de la universidades del país gradúan un promedio de 500 artistas, un público cautivo que necesita de un cuerpo de recreacionistas intelectuales que cumplan con la ilusión de enseñar arte. Enseñar arte puede ser el mejor trabajo para un artista, hay bastante tiempo libre para crear o “investigar” (como se refieren los artistas a lo que hacen cuando le quieren dar altura académica). A pesar de que cada vez hay más trabajo burocrático y hay que inventarse más justificaciones y comités para justificar la necesidad de los comités que justifican el arte en la universidad, ser profesor es una buena actividad. Hay que decir que un profesor de arte goza de un margen insólito de libertad, si los profesores de medicina dictaran sus clases como los profesores de arte dictan las suyas, graduarían asesinos en vez de médicos. Tarde o temprano muchos artistas, así no lo quieran, reencarnarán en profesores de arte; temprano si consiguen trabajo en un colegio, usualmente el mismo colegio donde han estudiado, o tarde cuando regresan endeudados con una maestría y descubren que para lo único práctico que sirve ese cartón de maestría de arte es para ser admitido en el proceso para calificar como profesor universitario de arte. Pero además de tener la maestría habrá que tener un doctorado y cuando todos tengan un doctorado algo más habrá que tener, el único consuelo es que mientras más grados haya que tener más necesidad de profesores de arte habrá y así tal vez haya más puestos de profesores universitarios de arte para darle clase a todos los que necesitan estudiar para tener más grados para obtener el puesto de profesor universitario de arte. También existen los profesores de talleres independientes, pero dependen del tiempo libre y la inconstancia de las señoras y pintores de fin de semana.

Otro artista vive del arte, sí, se puede vivir de eso: hay que asistir a muchos cócteles de inauguración, hay que circular y sonreír y hacer comidas y ser pródigo con las gentes del arte, con los galeristas, coleccionistas y curadores, y con sus cónyuges e hijos. Jamás hablar mal de la gente del arte en público y menos aún publicar algo malo sobre ellos. También hay que ser dúctil y decirle que sí a cuanto oferta de publicidad haya, y participar en subastas benéficas, y enviar a un testaferro que puje en la puja para que las obras se subasten bien y así elevar la cotización del precio del arte en el mercado. También hay que tener un taller y regar la voz de que hay piezas asequibles, económicas, y una vez los coleccionistas visitan el taller, atenderlos muy bien, siempre sonreír, y disponer las piezas con estrategia, de lo caro a lo barato, mostrar piezas que “ya están vendidas”, y hacer el tour de los precios con indiferencia y seguridad. Hay que soltar datos prestigiosos sobre clientes previos y sobre la cotización de las piezas en la galería. Hay que acordar con el galerista y con el dealer que obras hay que repetir y venderlas con discreción, y en la Feria de Arte montar guardia cerca alstand donde está la mercancía y para efectos de prosperidad parecer que se está ahí por pura casualidad. Hay que tener una galería por fuera del país, no importa si se trata del cuarto trasero de un bar alternativo en Berlín o de una galería meramente comercial, lo que cuenta es la internacionalización y poder dar el precio en dólares o en euros.

Otro artista optó por la doble vida —o eso es lo que se deduce de su esquizofrenia estilística—. Tiene dos tipos de obra, una que es la propia, la que no se vende, la conceptual, la efímera, la caprichosa, la que lo posiciona en el reino de las inteligencias y otra en la que da muestra de su destreza manual para hacer paisajes y caballos o fotos bonitas, o floreros bonitos, y que vende de forma anónima, o bajo un heterónimo para que no se pueda relacionar con el nombre propio y no afecte el capital reputacional. Es importante que los artistas no revelen de qué viven, sobre todo si no viven del arte, esto mantiene el mito de su independencia, de que no sirven a nadie, de que son inocentes, de que nunca serán lo suficientemente maduros para liberarse de la idea de libertad.

Otros artistas viven de la mediación artística, trabajan como asistentes en talleres, museos, galerías y espacios independientes, como cargaladrillos de artistas, curadores o galeristas, y luego, con la experiencia adquirida y una lista de contactos, se lanzan como artistas y curadores y galeristas, o simplemente dejan de ser artistas para ser curadores, galeristas o gestores culturales.

Otros aprovechan su arrojo para juntar palabras, hacer párrafos con esas palabras y firmar esos arrumes de párrafos para ofrecer textos de arte multipropósito que se cobran por el número de caracteres y que apenas sirven para cubrir el pago de los servicios; a los que escriben les basta con publicar uno o dos de estos textos para ser llamados “crítico de arte” y pasan a escribir en la prensa y en catálogos, basta con hacer un texto elogioso para una exposición y entregarlo a tiempo para que otros clientes quieran más textos de ese tipo, ante la presión de la demanda y el afán de complacer a la clientela es fácil pasar de agudo provocador a soso prologuista, este género de textos se parece al de escribir obituarios.

Otros artistas organizan bienales y encuentros internacionales de arte para pretender recibir suficiente apoyo como para poder vivir de la bienal y de los encuentros internacionales de arte que organizan. Otros ponen una ONG de arte y viven de ofrecer servicios de asistencialismo estético a las comunidades e instituciones interesadas.

Otros artistas viven de los premios, se inscriben en cuanto concurso hay, poco importa si el dinero viene del Estado, de una caja de compensación familiar o de una multinacional, no importa si la obra hay que mostrarla en una casa crujiente contra una pared descascarada en medio de la barahúnda de otras obras o en el corredor de un edificio inteligente, lo importante es concursar con la meta de ganar. Estos premios son loterías para artistas y dado el número de artistas que concursan es posible inferir —por simple matemática— que un artista tiene más chance de ganar en una de estas loterías que en cualquier otra. Entre premio y premio, entre una convocatoria y otra, en Internet se puede descampar y solicitar ingreso a las residencias para artistas que se ofrecen a nivel global, una vez se hace una solicitud a una se tiene una matriz para hacer más solicitudes, es posible vivir de trotamundos por años saltando de una residencia a otra.

Otro artista vive de su conyuge. En ningún momento pensó en casarse con otro artista, siempre supo que de casarse tendría que hacerlo con alguien que tuviera grandes ingresos.

Otro artista vive de oficios varios, es mesero, ayudante de chofer de bus intermunicipal, mensajero en una agencia de publicidad, es un artista sin obra, nadie lo conoce pero lleva una vida de poeta.
La mayoría de los artistas viven así."

Lucas Ospina

La mitad de los grabados atribuidos a Rembrandt no son suyos - Half of the engraves attributed to Rembrandt aren't his.

(vía Voz Pópuli)
Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers del Rijksmuseum de Amsterdam, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección.

La mitad de los grabados que se atribuyen al artista holandés del Siglo de Oro, Rembrandt van Rijn (1606-1669), no son suyos, sino que fueron impresos tras su muerte por terceros, según concluyó un estudio realizado por los conservadores del Rijksmuseum de Amsterdam.

Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección. El maestro del claroscuro realizó entre 1625 y 1665 un total de 315 planchas de cobre que llegaron a manos de terceros.

Los nuevos propietarios las imprimieron en papeles de una calidad muy distinta del que usaba Rembrandt, que en su última época utilizaba papel japonés, según reveló el Rijksmuseum, que ha abierto una muestra sobre los grabados del artista holandés. Las copias realizadas por la mano de Rembrandt son además las únicas que emplean técnicas específicas para crear efectos especiales en los grabados, según señaló la pinacoteca en un comunicado.

"Las impresiones más lujosas e interesantes son las que hizo el propio Rembrandt", explicaron los conservadores en su estudio.También se pueden diferenciar las copias tardías por la menor calidad, ya que las planchas originales se fueron gastando y perdiendo nitidez, según los expertos. Hinterding opinó que su descubrimiento se traducirá en el aumento de los precios de las copias atribuidas a Rembrandt.

Rodin era un mindundi... /Rodin was a wannabe

...comparado con lo que hacían un Juan de Juni o un Berruguete. Hasta que no he visto este video del museo Paul Getty no he comprendido la tarea hercúlea que es hacer una de las tallas que llenan las iglesias y ermitas castellanas, y a las que apenas damos importancia.

No sólo se aúna la calidad escultórica, sino la pintura, la paciencia, la calidad de materiales, y la habilidad manual. Impresionante de verdad.

...compared to what Juan de Juni or Berruguete made. It wasn't until I watched this video from the Paul Getty Mueum, that I could undestand what a huge labour was to make one of the "tallas" (wooden polichromed sculptures) that fill the churches all along Castilla y León (Spain), which we give no importance.

Not only it shows sculpting quality, but painting, patience, materials quality, and manual skill. Really impressive.

¡Reguera en la Galería Fernández-Braso! / Reguera exhibits at the Fernández-Braso gallery!

Un artista que desde hace tiempo me interesa por su uso del color y las texturas es Reguera. Hoy aparecía un artículo en el Mundo sobre su última exposición en Madrid, que espero no perderme. Me gusta lo que hace Reguera. Me gusta MUCHO.

Podéis ver el video de la galería sobre la exposición aquí, y aunque las fotos no son de muy buena calidad os podéis hacer una idea de lo que anda creando últimamente en esta galería de fotos.

I have been following for a long time an artist that interests me for his colour and textures: Reguera. Today, an article at "El Mundo" about his last exhibition in Madrid appeared, and I hope I won't miss it. I love what Reguera does. I love it A LOT.

You can watch the video from the gallery about the exhibition here, and though the photos aren't too good, you can get an idea of what he is creating lately in this photogallery.

Dinero, poder, mediadores: la guerra por el control del arte

Sin desperdicio el artículo de Miguel Ayuso en "El Confidencial". Baste esta cita de Fernando Castro (de la Universidad Autónoma de Madrid):

“Hace tiempo que los artistas no tienen ninguna importancia en el mundo del arte. Los únicos que tienen algún peso son los que se han dedicado a fabricar merchandising, como Damien Hirst o Jeff Koons, que han aprendido las enseñanzas de Andy Warhol. Siguen las normas del marketing y por eso aparecen en la lista.

Money, power, mediators: the war for the control of the art world.

You cannot miss this article from Miguel Ayuso at "El Confidencial". Just a small pick from Fernando Castro (from the Universidad Autónoma de Madrid):

"Since some time ago artists have no importance in the art world. The only ones who have some weight are the ones devoted to manufacturing merchandising, as Damien Hirst or Jeff Koons, who have learnt the lessons from Andy Warhol. They follow marketing rules, and that's the reason they appear in the list."

Digital - chica / Digital - girl

Lamento no saber ni quién es la susodicha, ni quién es el fotógrafo. Una lástima en ambos casos...

I regret not knowing who she is, nor the photographer. A pity in both cases...

Óleo - retrato de Cristina / Oils - Cristina's portrait

Como lo tenía aparcado desde hace casi un año, me he decidido a darle algunas pinceladas más y, probablemente dejar que el retrato me abandone. Es curioso cómo evoluciona esto de la pintura: ahora no hubiera planteado así el retrato, pero fue lo que salió en su día, así que así finaliza. ¡A barnizar!

As I had parked it nearly a year ago, I decided to paint a bit more and probably, let it go for good. It's funny how paint evolves: nowadays I wouldn't have painted it this way, but it was how it worked out in that moment, so...here comes its end. Let's barnish it!

¡En la exposición de Santiago Bellido!

El martes por la noche me acerqué a ver la inauguración de la nueva exposición de Santiago Bellido en la Galería Rafael (C/Miguel Iscar en Valladolid). El tema de la exposición es la baraja que recibió de encargo y las acuarelas y pruebas que la componen. Yo tuve oportunidad de echar un vistazo previo a la baraja cuando aún no había ido a imprenta, y es simplemente fantástica. Pero si la baraja es fantástica, las pruebas previas son impresionantes. Una lástima que, como me explicó Santiago, no pudiera avanzar por esa línea porque al reproducir cada acuarela a tamaño "carta de baraja" no quedaba bien (y aquí podríamos empezar a debatir sobre si estamos hablando de ilustraciones o acuarelas, debate que yo tengo muy claro desde hace tiempo en que tan arte es una ilustración como un óleo de Rothko).

En la exposición estaban todas las fuerzas vivas de Valladolid (encabezadas por el Alcalde), y todo el artisteo conocido y por conocer. Si querías conocer algún pintor de los que te suelen interesar, por allí estaban. Santiago y Charo (la dueña de la galería) se han movido bien... De hecho ya había bastantes obras adquiridas, lo que siempre da gusto ver.

Pues si la exposición era una alegría visual, el reencontrarme con antiguos amigos añadía más placer al evento: Conchy, César y Antonio también estuvieron por allí y aprovechamos para ponernos al día.

En definitiva: una exposición de no perderse. ¡Ah! Y si váis a verla, fijaos en el Minotauro... el cuerpo es el de un servidor, que posó para Santiago en su momento y ha quedado plasmado para la eternidad.

Agincourt - digital

Aquí podemos ver ya la acuarela pasada al ordenador y repintada prácticamente entera. ¿Cuál es la ventaja de repetir el proceso dos veces? La parte "tradicional" (la acuarela) añade un aire "orgánico" a la imagen tratada, que no puede conseguirse con Photoshop ni Painter. No sé cómo describirlo, pero se sabe de alguna forma que detrás hay métodos tradicionales. Es más trabajo, pero el resultado vale la pena y para los que, como yo, no nos gusta hacer el boceto directamente en la Wacom, es una forma interesante de trabajar la revelada por Justin Gerard.

Por cierto, que acabo de recibir sus libretas de apuntes y son fantásticos. Un maestro el bueno de Justin Gerard.

Here we can observe the watercolour once scanned to the computer and repainted almost completely. Which is the advantage of repeating the process twice? The traditional part (the watercolor) adds an organic feeling to the treated image, that cannot be obtained with Photoshop nor Painter. I don't know how to describe it, but somehow you know there is traditional fine art behind. It's more work, but the results are worth it, specially for those like me, who don't like to sketch directly with the Wacom, so it is an interesting way of painting the way revealed by Justin Gerard.

BTW, I just received his sketchbooks and they are terrific. A modern master, this old chap Justin Gerard.

Acuarela - Azincourt / Watercolor - Azincourt

Un encargo para el que he aprovechado a utilizar nuevas técnicas. Es una ilustración sobre la batalla de Azincourt, uno de esos momentos que cambian la historia de la Humanidad; en este caso, supone la transición de la armadura de batalla de la Edad Media a armas de larga distancia, como el arco largo inglés.

Para esta ilustración quería probar la técnica de uno de los mejores jóvenes ilustradores actuales: Justin Gerard. No sólo es un gran maestro del dibujo, sino que está en continua búsqueda de procesos de trabajo que mejoren sus imágenes, lo que se ve en cada nueva obra que muestra.

Su proceso actual es muy minucioso: gran cantidad de bocetos de cada elemento de la ilustración, estudios de tonos y de color, dibujo a lápiz, base ocre del dibujo, acuarelado de la base, y fase final en digital.

Aquí muestro todas estas fases de mi ilustración, excepto el repintado con la tableta (es casi volver a pintar todo de nuevo) que espero acabarlo a lo largo del próximo fin de semana.

A commission in which I have tried to use new techniques. It is an illustration about the Battle of Azincourt, one of those moments that change the  history of Humanity; in this case, it means the transition between the battle armour of Middle Ages to long distance weapons, as the English longbow.

For this image I wanted to try the technique of one of our best young illustrators: Justin Gerard. Not only he is a great master at drawing, but he is always searching for new workflows that can improve his pictures, something you can feel in each new masterpiece he shows.

His process is quite detailed: a huge number of sketches of all the elements of the illustration, colour and values studies, graphite drawing, an ocre base over the drawing, watercolour, and final phase in digital.
Here I show all those phases applied to my illustration, except for the repainting with the Wacom (it's like repainting it all again) as I expect to finish it this weekend.

Nueva exposición de Martin Whittfooth

Martin Whittfooth, uno de los pintores jóvenes (bueno, tiene 31 años) con más relevancia últimamente, tiene nueva exposición en California. En concreto en la galería Corey Holver de Culver City.
Martin realiza cuadros con un fuerte componente surrealista, basados en alegorías de la situación política y económica del momento. Cada animal que pinta tiene un significado que describe el autor, y sobre el que giran un montón de elementos metafóricos. Por ejemplo, el toro sobre la viga es el mercado de Wall Street alrededor del cual distintos pájaros reflejan el movimiento "Occupy Wall Street", significando que este movimiento hace mucho ruido sin conseguir nada, mientras el sistema de inversión se mantiene al borde del precipicio (la viga).

Francamente, me importan muy poco las explicaciones (probablemente me estoy volviendo cada vez más indiferente ante el tema como el bueno de Armand, uno de mis paisajistas favoritos), pero cada cuadro me dice algo pictóricamente y eso es lo que me interesa.

Martin Whittfooth, one of the young painters (well, in fact he is 31) more relevant lately, has a new exhibition at California. At the Corey Holver gallery in Culver City.
Martin paints surrealistic-like paintings, based in the actual political and economical situation. Each animal he paints has a clear meaning that the author depicts, about which a lot of metaphoric elements spin. For example, the bull on the beam means Wall Street market, around which different birds reflect the "Occupy Wall Street" movement, meaning that this movement makes a lot of noise achieving nothing, while the investment system keeps at the edge of a ridge (the girdle).
Frankly, I don't care too much about the meaning of pictures (probably I am becoming each day more indifferent to the subject in a painting; as it is happening to Armand, one of my favourite landscapists), but every painting tells me something pictorically speaking, and that's what I search.