Lápiz - chica melanesia

Otra pequeña obsesión: la música de la Melanesia (sobre todo sus coros), lo que alguna vez debió ser un pequeño Paraíso Terrenal (o un pequeño montón de Edenes).

Lápiz sobre papel 30x21cm.

Another little obsession of mine: the music from Melanesia (specially their chorus), what once should have been a small Heaven (or a small lot of Paradises).


Pencil on paper 30x21 cm.

Lápiz Conté - Sir Edmund Hillary

¡Por fin he reparado mi ordenador! Después de un par de semanas sin él, he conseguido cambiar los componentes estropeados y volver a escanear y postear en el blog.

Arranco con un dibujo a Conté de Sir Edmund Hillary, uno de los machotes de la historia (fue el primer hombre en alcanzar la cima del Everest), con su sherpa Tenzing. Era neozelandés, y aunque siempre se puso en duda quién pisó primero la cima, el propio sherpa ya dejó bien claro que fue Hillary.

He hecho este dibujo por esta manía de ver fotos antiguas que tengo, y la sensación que me entra de que la gente antes era...distinta. Uno ve las fotos de los hombres del siglo XIX y principios del XX y eran, no sé cómo explicarlo,...más hombres. Igual pasa con las mujeres. Uno ve las fotos de Hillary y se da cuenta de que está ante un hombre de verdad, de los que ya no quedan (mi mujer discrepa, dice que tiene cara de rarito e inaguantable, y no anda desencaminada porque Sir Edmund era un solitario y un poco asocial, como todos los montañeros - al menos los que yo conozco).

De momento, nada más. Sigo preparando la próxima exposición (surprise, surprise que diría Springsteen) y algún mural que tengo encargado para el verano...ya os comentaré.

Conté sobre papel 30x21cm.

At last my PC is fixed! After a couple of weeks without it, I managed to change de broken devices and now I am able to scan and post in my blog.


I start with a Conté drawing of Sir Edmund Hillary, one of the badasses of History (he was the first man to reach the top of the Everest, with his sherpa Tenzing). He was a newzelander, and though it has always been debated who stepped first on top, the sherpa himself stated clearly it was Hillary.


I've done this drawing because of this filia of mine of watching old photos, and the sensation I have that people were different before. As you watch pictures from men from the XIX century and the first years of XX you see they were, I don't know how to explain it, ...more men. It is the same with women. You can watch pictures of Hillary and notice that you are in front of a real man, a man that is nowhere to be found nowadays (my wife disagrees, she says he looks a bit socially awkard, and she is not far away from the truth, as Sir Edmund was a loner and a bit asocial, as all the mountaineers - at least the ones I know).


Nothing else by now. I keep on preparing the next exhibition (surprise, surprise would say Springsteen) and some mural I have been asked for summer...I will post more about that.


Conté on paper 30x21cm.

Muere Thomas Kinkade

Thomas Kinkade ha muerto a los 54 años, el 7 de Abril. Aunque en España apenas es conocido, Thomas Kinkade es el nombre más mentado cuando preguntas por un artista en los EEUU. Se calcula que hay un cuadro suyo en 1 de cada 20 hogares estadounidenses. Echad cuentas y veréis que es impresionante (unos 10 millones de cuadros). Y no son baratos tampoco los cuadros.

Hago esta reseña no porque me gusten sus cuadros (yo los englobaría dentro de lo "kitsch"), sino por lo que este pintor consiguió: a principios de siglo había creado una red de 4.500 galerías que vendían sus obras, y "merchandising" derivado de ellas. ¿Cómo es ésto posible?

Cansado de ser rechazado por las galerías de arte y los críticos, decidió ponerse manos a la obra y venderla él directamente. Enfocado a un nicho de mercado claro (generalmente motivado religiosamente) el "pintor de la luz", como es conocido popularmente, estableció un sistema de franquiciado mediante el cual cualquiera podía abrir una galería de obras de su taller, con cuantiosos beneficios. Sus cuadros tenían un sistema de valoración según su implicación en el mismo: si llevaba su firma autógrafa valía mucho más que si sólo había dado una pincelada. Y si el cuadro era totalmente suyo valía un pastizal.

Con una gran tarea de marketing detrás, basada en poner un poco de belleza en cada hogar, en dar un poco de alegría frente a la tristeza, pronto su nombre se hizo famosísimo y sus cuadros muy cotizados, tanto como inversión como por lo puramente artístico.

Pero llegaron las épocas de vacas flacas: el mercado se contrajo, las franquicias comenzaron a cerrar incapaces de mantener los costes y la autocompetencia (como el presidente de la empresa - no era Kinkade - llevaba comisión sobre cada galería abierta, a veces se promovía el abrir dos galerías casi en la misma calle), y los cuadros perdieron su valor. Hoy se pueden encontrar en eBay bastante baratos.

Todo ello no quita para que nos quedemos con el mensaje: un artista, contra todo el sistema artístico imperante (críticos, galeristas, estilos y modas imperantes, y todos los demás artistas), consigue vender su obra y crear un imperio basado en ella.

Thomas Kinkade has died at the age of 54, on April 7th. Even though he is almost unknown at Spain, Thomas Kinkade is the most mentioned name when you ask for an artist at the USA. It is said that his pictures hang in 1 every 20 homes at the States. Make some operations and you'll notice it is impressive (about 10 million pictures). And they are not cheap either.

I talk about him, not because I like his art (I consider them "kitsch"), but for his achievements: at the start of the century he had created a network of 4.500 galleries that sold his art and merchandising of it. How's this possible?

Tired of being rejected by art galleries and critics, he decided to start working to sell his art by himself. Focused in a clear market niche (often religiously motivated) the "painter of light", as he is commonly known,  stablished a system of art galleries franchises that allowed anyone to open a facility to sell the pictures from his atelier, with huge profits. The pictures had a pricing system based on his participation in its making: if it had his very own signature, it was much more valuable than another one with just a brush stroke of him. And if the picture was entirely on his own, it had a really high price.

With a big marketing work behind, based in his idea of adding some light to every home, and providing some happiness against sadness, soon his name was widely recognized and his art very valuable, both as an inversion and as an aestethic choice.

But bad times arrived: the market collapsed and the franquises started to close, uncapable of facing the costs  and self competency (as the CEO of the company - he was not Kinkade - gained some profit of every new gallery, some times very close franchises were allowed to open), and the pictures lost their value. Nowadays you may find some at eBay at bargain price.

All this doesn't hide the final message: an artist, against all odds from the art market (critics, art galleries, fashions and tendencies, other artists) manages to sell his work, and even create an empire with it.

Performance

Por alguna razón, este video me fascina y perturba a la vez. Me apetece parar cada fotograma para dibujar lo que va surgiendo de Olivier de Sagazan, pero tampoco quiero observarlo mucho tiempo. Es curiosa la semejanza de su performance con la creación de un cuadro...

For some reason, this video fascinates and disturbs me at the same time. I feel like stopping every frame to draw what emerges from Olivier de Sagazan, but I don't want to watch it for too much time neither. It is funny the similarity of his performance with the picture creation process...

Acuarela - derviches

¡Se me está olvidando pintar a la acuarela! Así que para desengrasar maquinaria, una acuarela de tres derviches danzarines, esos místicos islámicos que entran en trance girando sobre sí mismos al son de ritmos extraños. Una mano hacia arriba simbolizando el cielo, y otra hacia abajo (la tierra) impiden que se mareen (eso he leído, no sé si será verdad), mientras el maestro derviche observa a sus discípulos rotar a gran velocidad. ¡Un espectáculo!

Acuarela sobre papel 14x12,5 cm.

I am forgetting how to paint in watercolours! So, to keep on track, a watercolour about three dancing derviches, those islamic mystics that trance spinning on themselves at the sound of odd rythms. A hand towards up as a symbol of the sky, and the other down (the earth) avoid sickness (that's what I read, I don't know if it is true), while the derviche maestro observes his pupils rotate at great speed. A real show!


Watercolor on paper 14x12,5 cm.

Lápiz - Y después...dibújalo

 Tras unos cuantos días de vacaciones arrastradas desde 2011, vuelvo a la carga. Y para anunciar mi vuelta, un dibujito.

Por cierto, ¡HE VISTO POMPEYA! Una de las ilusiones de mi vida, cumplida. Algún día hablaré de sus frescos y mosaicos, porque son insuperables.

Traduzco a partir de ahora al inglis pitinglis porque me lo piden y porque yo lo valgo.

After spending some holidays which I had left since 1911, back to business. And, in order to announce I'm back, a doodle.

BTW, I'VE BEEN AT POMPEYA! One of my objectives in life, accomplished. I will talk some day about its frescos and mosaics, as they are superb.

From now on I will be translating to English too, as requested...

Visto últimamente - Nicolai Ivanovich Fechin

O lo que es lo mismo Nicolás Juánez Fechin. Uno de los grandes pintores rusos de esa época que tanto me gusta de finales del XIX.
La escuela rusa de pintura siempre ha tenido varias características curiosas, como por ejemplo la de nunca dejar de impartir un academicismo que, sin embargo, siempre ha sabido conservar un estilo eslavo propio que permite detectar rápidamente a los artistas de esa escuela.

Fechin nació el 26 de Noviembre de 1881 en Kazán, cerca del Volga central en Rusia. Su padre, que tenía una pequeña tienda que esperaba que heredara su hijo, fue lo suficientemente inteligente como para captar el don que tenía su hijo para el arte, y con trece años lo envió a una recién abierta escuela de pintura en el propio Kazán. Fueron tiempos difíciles para Nicolai, pues el negocio de su padre quebró y éste abandonó a la madre de Fechin. Sin recursos para vivir, la academia de arte se convirtió - literalmente - en su hogar. Afortunadamente, una tía pudo seguir subvencionando su formación.

De Kazán partió a San Petersburgo a estudiar en la escuela de arte más famosa de toda Rusia para aprender, entre otros, del grandísimo Ilya Repin (uno de mis pintores favoritos). Tenía diecinueve años cuando llegó, y pronto acaparó la atención de sus maestros y, pese a que la escuela cerró en 1905 por la primera revuelta revolucionaria, consiguió varios premios en el interín.

En 1909 finalizó sus estudios con las más altas notas, y uno de sus proyectos finales ganó la medalla de oro en el Salón de Roma de ese año, casi nada, lo que le dio cierto nombre en Europa.

En 1910 volvió a Kazan para comenzar como profesor en la escuela en la que un día inició sus estudios. Se casó con la hija del director de la escuela (pillín...) y mantenía una buena reputación como artista en Rusia. Tuvo una hija, y la vida le sonreía.

Pero en 1917 tuvo lugar la Revolución Rusa que trajo grandes cambios, y también mucha inestabilidad. Afortunadamente para Fechin, algunos de sus alumnos se situaron muy bien en el nuevo gobierno y pudieron darle su protección. Sin embargo, ya no había mercado para su arte (ya se sabe que tiene que haber un mercado para que alguien demande tu obra, y la revolución había acabado con todo ello), por lo que decidió que no le interesaba seguir el estilo fijado por el Kremlin para sus artistas (propaganda, loas al trabajador y Lenin...) y emigró a los EEUU.

Dean Cornwell (otro genio, uno de los grandes ilustradores de la Edad de Oro de la Ilustración Americana) lo acogió a su llegada a Nueva York, y como su fama lo precedía pronto llegaron los encargos. También comenzó a dar clases en la Academia de Arte de NY.

En 1927 tuvo que emigrar al Oeste debido a una tuberculosis, y la recomendación del médico de acudir a climas más secos, y se asentó en Taos (Nuevo México) en una escuela de arte recién abierta. El paisaje de  Taos le recordó inmediatamente el de Siberia, y enseguida se había asentado y comenzado a pintar con auténtico fervor. Los indios le apasionaron como tema de pintura, y sus cuadros se vendían por toda América.

En 1933 su mujer se divorció de él que volvió a NY con su hija. Cuando ésta se casó, volvió al Oeste (California, México), a Japón y a distintas islas del Pacífico, hasta asentarse en Hollywood. En 1948 volvió a mudarse al Gran Cañón, donde murió en 1955.

Hoy en día se le sigue recordando, sobre todo, por sus cuadros de indígenas, pero fue un gran maestro en todos los temas que pintó.

¡Menudo año musical!

Buf, casi nada. El FIB de este año promete ser de lo mejorcito: New Order, Stone Roses y Bob Dylan. Simplemente impresionante.
Y por si fuera poco, en Octubre en Madrid Leo Cohen...esta vez no me lo pierdo.

Gouache - retrato

El gouache tiene unas cuantas cosas fantásticas:

1.- Su fantástico olor
2.- El acabado tan mate que deja
3.- No se puede andar manoseando mucho, pues levantas las capas inferiores. Así, lo aconsejable es dar una pincelada y dejarla ahí.
4.- Seca instantáneamente

A cambio tiene cosas no tan buenas:

1.- Se degrada fácilmente con el tiempo.
2.- Cambia mucho el color entre la pincelada que das y el efecto final una vez seco (generalmente  los oscuros son más claros, y los claros más oscuros).

A mí es un medio que me gusta mucho, y para aprender me parece de lo más recomendable. A ello he dedicado unas cuantas horas de hoy.

Edit: Una mejor foto, y paleta de color: cyan, magenta, amarillo, blanco y negro.

Gouache sobre cartón 24x31cm.

Análisis diario 3

Más análisis diarios en la cama ¡Caravaggio!

Lápiz sobre cuaderno A5

Análisis diario 2

Seguimos con nuestro ejercicio diario (en la cama) de análisis de pintores.

Lápiz sobre cuaderno A5

Tinta - Valle Inclán (after Moebius)

Un pequeño homenaje a los dos grandes maestros.
Tinta sobre papel A5

¡Llega el libro de Mathieu Weemaels!

Conocí la obra de Mathieu Weemaels a través del blog de J. Luis Corella, amigo de Mathieu y uno de los artistas escogidos de Santiago Echebarría, uno de nuestros mejores galeristas actuales y con más éxito y ventas en todos sus eventos (lo que, dada la situación actual, significa que está haciendo las cosas francamente bien en este complicado mundo), y que también representa a mi querido Luis Pérez.

Mathieu tiene una virtud (a lo mejor es defecto) que me fascina: cada serie de cuadros es totalmente distinta de la anterior. En cuanto a temas, técnicas y estilo. Creo que le pasa un poco como a mí (o a Pablo Ransa o a tantos otros): una vez resuelto el problema, deja de tener interés el continuar haciendo lo mismo y hay que pasar a otra cosa. Y tiene otra virtud que hizo que me fijara en él: el desnudo como elemento pictórico destacado. Aunque tanto sus paisajes como bodegones me encantan también (de hecho sus paisajes se parecen *mucho* a lo que algún día me gustaría llegar a hacer con mis propias manos). Si véis su web veréis su evolución desde un realismo más clásico a la experimentación que lleva a cabo últimamente.

Si hay algo que me parece interesante destacar de Weemaels, es la composición. Creía que dedicaba un montón de tiempo a preparar cómo va a ser la estructura del cuadro, pero me comentó lo siguiente:

"About my compositions, it's competely and only a question of instinct. For objects, landscapes, or nudes. With nudes, the model moves and turns until something happens that I want to paint. I usually go very close to the model, which gives some strange points of views that i appreciate. An I work very quickly, at least with pastels, without any sketch or idea to begin with. It's really a question of instinct and emotion all along.With objects, it's a bit the same."

("Sobre mi composición, es sólo y únicamente una cuestión de instinto. Para objetos, paisajes o desnudos. Con los desnudos, la modelo se mueve y gira hasta que algo sucede que me apetece pintar. Generalmente me acerco mucho a la modelo, lo que da algunos puntos de vista raros que me gustan. Y trabajo muy rápido, al menos con los pasteles, sin ningún boceto o idea para arrancar. Realmente es una cuestión de instinto y emociones todo el tiempo. Con objetos es un poco lo mismo...") 

. Viendo los paisajes suyos, siempre me da la impresión de que la línea de horizonte que ha puesto ahí, es porque sólo puede estar ahí, y que subirla o bajarla unos milímetros cambiaría toda la estructura de la pintura. De hecho, hay algún paisaje suyo que, siendo realismo en su esencia, recuerda a un Rothko por ejemplo.
Así que finalmente me animé a pedirle el libro sobre su pintura y, no sólo me ha enviado el libro solicitado, sino otras fotos de obras suyas, y un folleto dedicado íntegramente a sus desnudos ¡qué bueno! Todavía no he podido dedicar tiempo a leerlos con avidez, pues quería comunicar rápidamente mi alegría.

Si a la gran pintura que realiza Mathieu Weemaels unimos que es un encanto de persona (con él todo son facilidades, e incluso hemos debatido ampliamente el origen del nombre de su mujer) ya sólo nos queda poder algún día ver sus cuadros en directo.

Experimentando con óleo rojo

Este fin de semana, aprovechando que hacía bueno, inicié la temporada de campo 4.0, que no fue demasiado exitosa. Los días siguen siendo cortos, aunque parezca que es primavera, y enseguida hay cambios de luz que se notan muy bruscamente en los modelos que había buscado: tres piedras que arrojaban sombra sobre un camino. No había acabado de dar la primera pincelada y ya había cambiado totalmente la luz de mis modelos.

Pero sí que pude experimentar con unos cuantos rojos que había comprado para sustituir (o complementar) el rojo cadmio, que me tiene muy cansado. En general los cadmios me agotan porque tintan demasiado cualquier mezcla. El amarillo cadmio lo tengo casi desterrado de mi palete, sustituyéndolo por amarillo ocre. Y otro tanto me pasa con el rojo cadmio. Desde luego, cuando hay que conseguir un naranja brillante son imprescindibles, pero desde que introduje el naranja cadmio (otra vez cadmio) en mi gama, pues no tengo mucho problema.

El rojo cadmio me resultaba "demasiado rojo". Quitando las flores y elementos manufacturados por el hombre, no lo veo a mi alrededor; si añadimos que había que andar añadiendo cantidades minúsculas a la mezcla para evitar que todo cogiera un colorado intenso, pues decidí que no me compensaba.

Desde entonces he estado probando varios rojos, hasta quedarme con tres que eran los que quería probar el domingo: rojo cadmio como piedra de toque y comparativa, indian red, y terra rosa. Estos dos últimos no los conocía, así que iba a ciegas con ellos al ponerlos en la paleta y empezar a mezclar.

Indian red: frío, tiende a rosa mezclado con blanco. Muy opaco, tinta casi más que el rojo cadmio. Con una pequeña cantidad en la mezcla, todo se vuelve rojo. No me acaba de convencer, aunque se podría utilizar como sustituto del Carmín Alizarina, pero es que este último no me da problemas. Su única ventaja es que está más desaturado.

Terra rosa: cálido, como un naranja oscuro. Opaco, tinta muy poquito, lo cual me encanta. Crea bonitos naranjas con ocre, quedando bastante desaturadas.

Así que creo que tengo un ganador: Terra rosa pasa a incorporarse a mi paleta. El rojo cadmio (y probablemente indian red) entrarán y saldrán de ella según la necesidad (por ejemplo, para retratos y desnudos), pero probablemente no vuelvan a ver un paisaje...

Os dejo una foto de una prueba sobre papel: cada uno de los colores, y cómo mezclan con amarillo cadmio y con amarillo ocre.

Lápiz - análisis diario

 Hace dos años, y durante algo más de un año, estuve realizando una acuarela diaria sin importar obstáculos: cansancio, falta de medios, de tiempo... Fue un buen ejercicio de disciplina, y curiosamente sigo poniéndome igual de nervioso con la acuarela que el primer día, pero me ha servido para mejorar un montón de cosas en el dibujo, el acrílico y el óleo (como el fundido de sombras, intercalar fríos y calientes, etc...).

 Desde la llegada de Manuela tuve que cambiar la acuarela diaria por el baño y el biberón diario, que es incluso mucho más satisfactorio que pintar, pero que para evitar que se me olvide lo aprendido no contribuye mucho.

También tengo por costumbre intentar leer todas las noches algo de algún pintor nuevo, y de donde desarrollo luego los "Visto últimamente..." de aquellos que más me impresionan consultando más fuentes, su vida, etc... y luego dándole mi propio punto de vista y resaltando aquello que me parece más interesante.
Así que, dado que la acuarela diaria era algo imposible, algo había que hacer. Y me he lanzado a hacer lo que llamo "análisis diario". He seleccionado un montón de pintores que me gustan (generalmente de finales del XIX y de la nueva generación de pintura americana), y cada día dedico un rato en la cama a analizar sus cuadros, y a poner en un cuaderno algunas notas sobre los mismos.

Generalmente intento seguir la secuencia que aconseja mi queridísimo R.S.:

1. Dibujo (drawing)
1. Composición (composition)
2. Tonos (values)
3. Colores (colours)
4. Bordes (edges)

A veces me dejo llevar y no sigo el orden, pero intento siempre al menos hacer algunos apuntes sobre su composición (esos pequeños recuadros con extrañas figuras), y un dibujo sobre algo que me haya gustado de algún cuadro del autor analizado. En ocasiones tengo que saltarme algún paso porque el pintor no lo practica mucho (por ejemplo, la composición con la gran artista Angela Cunningham no tiene mucho sentido cuando casi todo es retrato puro y duro), pero siempre hay algo que destacar.

Así que os dejo los últimos cuatro días para que veáis a qué dedico mi *escasísimo* tiempo diario dedicado al arte.

Lápiz sobre papel A5.

Muere Jean Giraud (Moebius).

La hemos fastidiado. Sin Pratt ni Moebius, ¿se hace la noche en el mundo del cómic?

Nada dorado puede permanecer

"El primer verde de la Naturaleza es oro,
su tonalidad más difícil de mantener.
Su hoja temprana es una flor;
pero sólo por una hora.
Entonces, la hoja es sustituida por la hoja.
Así se hundió el Edén a la pena,
así el amanecer sucumbe al día.
Nada dorado puede permanecer"

(Robert Frost)

Leyendo a uno de mis poetas favoritos, el americano Robert Frost (al que a veces se relaciona con Emily Dickinson, no sé por qué, pues ni coincidieron en el tiempo, ni en el espacio, ni en estilo, ni en carácter), surge este fantástico poema sobre los colores. Y es que Robert debía ser un amante del arte pictórico, como demuestra su frase:

"Si estás buscando algo con lo que demostrar tu valentía, prueba a ser pintor"

Y es que, si Frost dio nombre a la película "Lost in Translation" es por algo...

Las paletas de los artistas

Paleta de Delacroix.

Una cosa que siempre me ha interesado (y que pocas veces he conseguido ver) es la paleta que usan los artistas. Ver sus colores, cómo mezclaban, cómo los disponían en la paleta... Así que el otro día estuve recopilando por todo internet fotos de artistas conocidos, a ver qué encontraba.

Es interesante descubrir que se guardan paletas de grandes artistas del XIX en sus museos o en coleccionistas privados, e incluso el Club Salmagundi (en el Greenwich Village, en Nueva York, EEUU) tiene una impresionante colección a la vista del público (o al menos a la vista de sus miembros - y miembras que diría la ignorante de la exministra).

Os dejo unas cuantas fotos que he podido recopilar (obviamente no son mías) de distintos blogs y webs. Es muy interesante ver cuán desaturados son los colores usados. Pregunté a un amiguete químico si podía ser debido al paso del tiempo, y parece ser que quizás algún color puede haberse degradado (especialmente los transparentes como Carmín Alizarin Crimson), pero la mayoría deberían mantenerse.
Paleta de Whistler

 Paleta de G. MoreauPaleta de DegásPaleta de Van GoghPaleta de P. BonnardPaleta de V. HammerstoiPaleta de SeuratPaleta de RenoirPaleta de GauguinPaleta de S. Senlis (véase cómo eran los tubos de óleo en el S.XIX)

Cuatro paletas de Balthus