Lápiz - cráneo / Pencil - skull

De mi cuaderno de apuntes, y volviendo a las calaveras que tanto juego dan, aunque desde las series de Antonio Mateos poco queda ya para añadir...

From my sketchbook, and returning to skulls that look so nice, though after Antonio Mateos made his series there's very little to add to this subject.

Acrílico - Afueras de Parquesol / Acrylics -Parquesol's outskirts

Un apunte rápido que, por alguna razón sale horroroso en foto. Supongo que será por el látex.

Acrílico y látex

A quick sketch whose photo, for some reason, is terrible. I guess it is because latex is too reflective or something like that...

Acrylics and latex.

En la exposición de César

 El viernes se inauguró la exposición en el Café Coco (plaza de Federico Wattenberg) de los dibujos que César ha ido haciendo a lo largo de sus últimos viajes. Como buen comiquero y amante del estilo de la "línea clara", todas las pinturas son muy limpias y

Me gustó especialmente la imagen que muestro de una antena de telefonía con nidos de cigüeña, y a lo lejos tapada por palmeras una mezquita, que debería ser el motivo central del cuadro, pero que a César no se lo pareció. El contraste entre los nidos y el andamiaje de la torre de comunicaciones es una preciosidad.

En blanco y negro y con su habitual estilo muestra también una vista del Museo de Escultura desde el propio lugar de la exposición, que con un par de trazos resuelve todas las esculturas, huecos y detalles de la fachada de San Gregorio. Si a eso le unimos una capacidad de distribuir luces y sombras para hacer auténtico diseño, queda una imagen impresionante de verdad.

Aprovechamos para ponernos al día Conchy, César y yo, pues hace un año que no nos veíamos, y sobre todo para comentar materiales de escultura, en los que César anda muy versado y yo aún estoy iniciándome.

¡Para la próxima exposición una de escultura, César!

Cuadernos de apuntes - sketchbooks

 Cuando Arturo Hernández (profesor de pintura, gran artista, y probablemente de los pintores que más sepan en España del uso de cualquier medio y material - un auténtico alquimista moderno, y como él dice "groupie" de mi blog) me invitó a pasar con él una mañana viendo el Museo del Faro Mayor de Santander, comenté que siempre me ha gustado más ver los cuadernos de apuntes de los grandes pintores que sus obras acabadas. Y me di cuenta de que hace mucho que no enseño mis cuadernos de apuntes actuales, en los cuales intentó hacer algo cada día, generalmente en gouache. Son de papel oscuro (marrón o gris) que me he creado en A4 y A5 para tener siempre sobre qué pintar.
Así que aquí van las últimas páginas que he pintado. Como véis, tan pronto mezclo paisajes con soldados, como estudios de planos de cabezas con astronautas...para éso son los cuadernos de apuntes.


When Arturo Hernández (fine art teacher, great painter, and probably one of the painters that knows more about the different uses of any medium and material - a real modern alchemist, and as he says a "groupie" of my blog), invited me to spend a morning with him watching the Museo del Faro Mayor de Santander, I commented that I have always liked much more the sketchbooks from famous painters than their finished pieces. And I noticed I have been a long time without showing mi current sketchbooks in which I try to make something every day, usually in gouache. They are made of dark paper (brown or gray) and I made them in A4 and A5 to have something to paint on always.So here are their last pages I painted. As you can see, I can freely mix landscapes with soldiers, with head planes studies and astronauts...that's what sketchbooks are for.

Acrílico - Palomar / Acrylics - Dovecot

Acrílico y látex

Alla prima - Retrato de Asís - Asís' portrait

Como Asís entraba en la cuarentena (de años) y había que celebrarlo, decidí regalarle además de participar en el regalo colectivo, un retrato al óleo.
Como no tenía mucho tiempo ni fotos ni nada de nada, decidí lanzarme "alla prima" que apenas lo he practicado, y ver qué salía de ahí. Ya sabéis, según la Wikipedia, "alla prima" significa "húmedo sobre húmedo", y en español solemos traducirlo por "de una sentada", es decir en una o dos sesiones como mucho. Es una técnica que permite pocos errores pero que da un resultado muy vivo, al estar muy poco "relamido".

Lo primero era utilizar un soporte con el que estuviera cómodo. Los lienzos sin bastidor me facilitan mucho la vida, así que pegué uno en la pared de mi estudio y le di una capa muy diluida en trementina de "Terra Rossa" para quitar de enmedio el blanco original.

Sobre este fondo empiezo a dibujar con el pincel. Alla prima implica generalmente lanzarse a pintar con muy poca preparación, y el dibujo para mí ya no es un reto. ¡Lo que es un reto es pintar! Así que hago un esbozo muy rápido de lo que quiero obtener y ya iré corrigiendo por el camino.
Añado aquellos puntos más oscuros del cuadro (zona de sombra de los ojos, la sombra proyectada de la nariz, pelo, oído...) para mantener la referencia según vaya pintando.

Y arranco a pintar. Generalmente escojo un área que no me preocupe demasiado que quede mal porque, por alguna extraña razón, las primeras pinceladas y colores siempre me salen con muy poca confianza. Así que empiezo por la frente, y podemos ver el primer error (que me importa bien poco, luego lo corregiré) en los colores de la frente: al hacer la transición entre la parte más oscura de la frente (el perfil) e ir aclarando para dar la sensación de volumen, he desaturado demasiado la franja intermedia y ha quedado un color muy sucio.

La idea es tener sombras cálidas y luces frías, y evitar el gran fallo de tratar con fotos: zonas muy oscuras y zonas casi blancas. La realidad es más sutil que las fotos y no hay nunca zonas casi negras, ni desde luego en la cara tenemos esas zonas tan claras como aparecen en las fotos. No hay tanto contraste, y en el momento en que empiezas a usar la foto sólo como guía y no como referencia absoluta, tienes la mitad de tu progresión a artista hecha.

Por ejemplo, en la foto tras el dibujo inicial podéis ver que las luces que he aplicado en la frente y la aleta de la nariz son demasiado claras. Contrastan demasiado, no son reales. El color probablemente no está mal (frío), pero es irreal. Posteriormente al corregirlo lo bajo un poco de tono acercándolo más al color general de la piel y gana mucho en realismo. Posteriormente podéis ver que me ocurre algo similar con el brillo del labio. Tengo que bajarlo un tono y oscurecerlo para hacerlo real.

Los demás pasos consisten sólo en ir añadiendo y quitando, siempre manteniendo el esquema de luces frías y sombras calientes en mente.

En las últimas fotos véis que me dió la impresión de haber añadido demasiada barbilla, así que utilicé el viejo truco de Sargent: subir el echarpe para que tapara un poco más. También me di cuenta de que la cabeza es un poco más ancha por la zona de la nuca, con lo cual añadí un poco de nuca y modifiqué toda la forma de la cabeza. En realidad la forma de la cabeza la he estado tocando continuamente mientras pintaba (se ve en las distintas fotos como añado, tapo, vuelvo a añadir, la hago más alta, más baja...). Alla prima hace que no te preocupe demasiado cualquier error, mientras avances todo va bien. Lo fundamental es mantener las proporciones y el esquema de temperaturas del color.

En la primera foto podéis ver el resultado final que espero que guste al retratado porque así es como yo le veo y así lo he pintado.

"Asís" óleo sobre lienzo

As Asís enters his 40's we had to celebrate that, so I decided to gift him (appart from a colective present), an oil portrait.
I had not too much time nor pictures as reference nor anything, so I decided to paint "alla prima" as I haven't practiced it too much, and see if I could succeed. You know, Wikipedia defines "alla prima" as painting "wet on wet". In fact we all take that as painting in one stand, or two max. It is an unforgivable technique but that achieves a very liveful sensation as the picture isn't painted over and over again.

First of all was using a canvas I was comfortable with. Canvases without frame help me a lot, so I sticked one of those to my studio's wall and painted a very diluted layer of Terra Rossa with turpentine, just to get rid of the white background.

Over this background I start to paint just with my brush. All Prima means jumping straight on painting with very little previous work, and drawing is no more a to me. What still is a is painting! So I make a quick sketch and I'll correct it along the way with paint.

I paint those darkest points (eyes shadows, casted shadow of the nose, hair, ears...) to keep that reference as I go on.

And I start to paint. I usually choose an area I know I won't be worried too much if I fail, because for some strange reason my first brush strokes and colours are always quite unconfident. So I start by the forehead and you can watch my first mistake (which I do not care too much about as I will correct it later) in the forehead colours: the transition between the darkest part and those I am making brighter to give the volume sense, I have desaturated too much the colour muddying it.

The idea is to have warm shadows and cold lights, and to try to avoid the big mistake of dealing with photos: very dark zones and nearly completely white ones. Nature and reality is subtler than that and there are no nearly black areas, and of course we don't have those nearly white areas that appear in pictures. There's not so much contrast, and the sooner you start to use photographs as just an aid and not your guide, the sooner you'll progress as an artist.

For example, in the picture after the initial sketch you can see that the lights I applied to the forehead and the nose are too bright. They contrast too much, they are not real. Their colour might be fine (it is cold), but it is not real. I correct it toning it down making it closer to the general skin tone, and it looks much more realistic. After that you can observe something similar happens with the lip shining. I have to make it a darker value to make it look real.

The next steps are just adding and removing, back and forth, always with my cold lights and warm shadows in mind.
In the last pictures you can see I noticed the chin was too long, so I did Sargent's old trick: make the handkerchief a bit bigger to cover it. I also noticed the head is a bit wider by the back, so I added some surface there and changed all the shape of the head. In fact I have been struggling with the head's shape all the time as I was painting (you can check it in the different photos: I add, I cover it, I add some more in another art, make it higher, shorter, longer, wider...). All prima makes you not worry too much about any mistake as long as you keep on working. The basics is just keeping the proportions ok and the temperature and value scheme.

In the first picture you can see the final resulta that I hope the portraited will like, as it is how I see him and how I have painted it.



"Asís", oils on canvas.

Tablas de color - colour sheets

Un ejercicio que todo aspirante a artista (y según un muy conocido pintor, los ya consagrados deberían hacerlo varias veces en su vida), son las famosas tablas de colores. El sistema es muy simple, y gracias a él se adquiere una visión de cómo los colores interactúan entre sí, que no se obtiene mediante el sistema de prueba y error pintando cada día.

Básicamente consiste en:
1.- Seleccionar el medio en que lo harás. He estado dudando si hacerlo en óleo o acrílico y al final me he decantado por éste último, simplemente por facilidad de manejo con el secado.
2.- Seleccionar cuál es tu paleta de colores con la que trabajarás. Generalmente todos tenemos unos colores con los que nos sentimos más cómodos. Para mi ejercicio yo he usado:

• Blanco (nunca compro acrílico blanco, siempre utilizo gesso. ¿El motivo? - opacidad, limpieza, calidad de la mezcla... Spooge siempre dice a los que compran cajas completas de colores acrílicos: "lo primero de todo tras abrir la caja, es coger muy delicadamente el tubo de blanco y depositarlo en la papelera")
• Amarillo cadmio claro
• Amarillo ocre (varía muchísimo el tono entre marcas)
• Rojo cadmio
• Carmín
• Magenta
• Azul celeste
• Azul ultramar
• Azul prusia
• Tierra sombra natural

3.- Crear las tablas. Yo uso papel de óleo Van Gogh 24x32 de 100gm, pero cualquiera sirve. Con cinta de enmascarar hay que crear los cuadritos que serán pintados posteriormente. Horizontalmente será 1 por cada color de tu paleta (en mi caso 9), y verticalmente el número de tonos que quieras dar (ahora lo explico). En mi caso estoy usando 5 pero es muy usual verlo con 7 tonos e incluso con 9.

4.- Primera tabla: la primera celda horizontal de cada columna se pinta con el color puro tal cual sale del tubo. Después las filas inferiores se van aclarando con blanco de tal modo que la fila central (en mi caso la 3) sea un tono medio de ese color. La más inferior de todas (la 5) debe ser apenas distinguible del blanco.

Por ejemplo, con mi paleta, mi columna 1 es el amarillo cadmio. La "celda" 1,2 (columna 1, fila 2) es amarillo cadmio aclarado un poquito con blanco...la "celda" 1,5 es blanco con un poquitín de amarillo. La celda 2,1 es amarillo ocre. La 2,2 ocre con un poquito de blanco, ... la 9,1 es tierra sombra natural y la 9,5 es blanco con un poquito de tierra. No sé si se entiende.

5.- Siguientes tablas: en la primera columna se pone el color base que se mezclará con todos los demás colores. Por ejemplo, en la tabla de amarillo cadmio relleno la primera columna con las mismas gradaciones de amarillo cadmio hasta blanco que hice en la primera tabla. En la segunda columna el primer cuadro es la mezcla de amarillo cadmio puro con ocre puro. Esa mezcla la diluyo hasta blanco en el último cuadro de esa segunda columna. Así sucesivamente hasta que en la última columna mezclo amarillo cadmio puro con tierra sombra natural pura en la primera casilla. Diluyo en la siguiente con blanco, más en la siguiente, y en la quinta será casi totalmente blanco con un poco de amarillo cadmio y tierra sombra natural.

La siguiente tabla sería la mezcla de ocre con el resto de colores, la siguiente el rojo cadmio con el resto de colores (incluyendo los anteriores, etc...). En la foto se ve la tabla del carmín.

La verdad es que el resultado sorprende un montón. Por ejemplo el azul celeste da unas mezclas que nunca hubiera imaginado, con unos colores puros buenísimos. Y por lo que veo se consiguen varios objetivos.

1.- Aprender cómo son realmente las mezclas. No basta saber que rojo+amarillo=naranja. Hay que saber que el rojo cadmio + ocre da un naranja distinto del magenta con amarillo cadmio.

2.- Distinguir tonos: enseguida empiezas a coger el truco de qué color es más claro que otro y cómo aclarar colores sin recurrir al blanco (por ejemplo, el carmin puedes aclararlo con rojo cadmio o magenta, dependiendo de si quieres un color frío o cálido...

4.- Aprendes a no hacer barro: rápidamente ves que mezclar dos colores da un tercer color muy saturado precioso. En cuanto metes un tercero, se fastidió el brillo de los colores. Aunque muchas veces será lo que busquemos en las mezclas.

5.- Mejora el uso de las herramientas. En mi caso, en vez de pinceles estoy usando espátulas porque apenas las uso y me interesa empezar a manejarlas. Al principio es como si te hubieran atado la mano a la espalda, pero enseguida le pillas el aire.

Estoy haciendo una tabla al día, tardando aproximadamente una hora y media (sin contar el hacer el papel) y mi consejo, de verdad, dedicad un poco de tiempo a este ejercicio, es muy útil. Recordad que sin fundamentos técnicos no se puede llegar a nada...

Gouache - El árbol de debajo de mi despacho / The tree under my office

Un bosquejo muy pequeño sobre una foto que tomé del árbol bajo la ventana de mi despacho.

A really small gouache doodle from a picture I took this week of a small tree under my office's window.

Gouache - Aranda de Duero

Un pequeño boceto desde la ventana...

A little sketch from my window...

Acrílico - ciruelo /Acrylic - plum tree

Arranca la temporada de campo con un par de apuntes rápidos y pequeños en acrílico. Imposible trabajar con ellos con este calor, el próximo día usaré gouache...

The plein air season starts with a couple of small quick sketches in acrylics. It was impossible to paint with them with so much heat, so next time I'll use gouache.

Art won't save the world...

"Si se encomienda una tarea al arte o la literatura es poco probable que la lleven a cabo. Son instrumentos bastantes ineficaces"

(Tzvetan Todorov)

"If you commit a task to art or literature, it is not probable it will be achieved. They are quite inefficient tools."

(Tzvetan Todorov)

La "Ronda de Noche" de Rembrandt, en flashmob /Rembrandt's "Night Watch" recreated by a flashmob

Por cierto, que lo han hecho en un centro comercial de Breda ¡Podían haber hecho las Lanzas de Velázquez!

Para los interesados, el "making of":

BTW, it has been filmed at a mall in Breda, they could have shot "Breda's Rendition" by Velázquez!!!
Also for those interested, the making of is provided.
Vía BoingBoing

Gangster after L.C.

Lápiz y gouache
Pencil and gouache watercolour.

Boceto de Autorretrato - Self Portrait Sketch

Taller de Antonio López y Cristóbal Toral en Valladolid

120 inscritos de todo el mundo, sólo 25 pasan la criba, 12 de ellos de Valladolid. No, no es Gran Hermano, es el próximo taller de Antonio López y Cristóbal Toral en Valladolid desde el 25 de Febrero al 1 de Marzo. Dos de los mayores genios del siglo XX y XXI reunidos con un grupo de elegidos.
Y entre ese grupo de elegidos se encuentran Santiago Bellido (probablemente el mejor dibujante que conozco, el gouache de la izquierda es un retratillo que le hice) y Luis Pérez (probablemente el mejor pintor de realismo fotográfico que conozco). Sin que me dijeran el nombre de los maestros que imparten el taller, viendo sólamente los nombres de los alumnos, ya hubiera sabido que algo grande se va a cocer en esas fechas en mi ciudad. Santiago y Luis, ¡os quiero cuatro días con los oídos y las orejas bien abiertas para poder contarnos luego todo lo que se trate allí dentro!

Bocetillos en lápiz - Some pencil sketches

Un par de bocetos hechos en el cuaderno que tengo junto al ordenador en casa y que utilizo cuando Manuela se sienta junto a mí a ver sus videos de Mickey Mouse. Es una tecnóloga en ciernes y Youtube es su web favorita. Una geek más en la familia, qué vamos a hecerle.
Los bocetos no tienen mucha historia: un pez León extraído de la web de Zarpitas, pues venden ejemplares de esta maravilla; y un árbol de pantano para una ilustración que espero poder hacer a base de levantarme a las cinco de la mañana, pues es el único momento en que consigo ponerme a pintar algo...

A couple of sketches made in my notebook by my PC at home, that I use when Manuela comes to me to watch her Mickey Mouse favourite videos. She is becoming a technologist and Youtube is her favourite site. Another geek in the family, what can we do...
The doodles don't have much to say: a Lionfish from Zarpitas web, as they sell this awesome fishes; and a swamp tree for an illustration I hope to paint by waking up at 5 A.M., as it's the only moment of the day when I can paint something...

Con Manel Plana

El día de Nochebuena tuve la oportunidad de compartir la cena con uno de las leyendas vivas de la acuarela en España: Manel Plana. Fue un soplo de aire fresco tras un montón de tiempo sin acercarme al mundillo artístico (tanto por dedicación al trabajo, como por la pequeña Manuela, como por estar inmerso en un proyecto del que ya hablaré), y poder conocer de primera mano sus teorías y técnicas pictóricas.


 Mientras me enseñaba sus últimos cuadernos sobre los que había estado pintando los días y meses anteriores, dedicamos un buen rato de la noche a hablar sobre las dificultades que entraña la acuarela, su visión de cómo el coche y las prisas diarias han hecho decaer el interés en la pintura del público, los mejores papeles para pintar (utiliza papel Ingres del de carboncillo, en vez de los de mayor gramaje de acuarela), y su dedicación de toda una vida a la pintura.

Un placer pasar una fecha tan especial con el gran Manel, a pesar de la vergüenza que supone que en la casa donde estábamos había una acuarela mía colgada junto a dos suyas y, la verdad, las comparaciones son odiosas...

¿De qué vive un artista?

Con la que está cayendo, creo que ya ni siquiera este texto será real. Encontrado en el blog de Ospina...

"Un artista vive de la renta, de alguna renta, por ejemplo de un inmueble heredado que produce una suma fija mensual. Un estudiante se pagó la costosa matrícula de una universidad privada con el producto de un local que le tenía alquilado a un cine-bar, lo que los asistentes gastaban en boletas, cócteles y crispetas él lo reinvertía en arte. En otros casos las rentas vienen de lo que producen las acciones en un negocio familiar. Una generación trabajó, otra hizo fortuna y la última, la generación artista, se gastó la plata. Dos hermanos, uno actor y otro cineasta, vivieron durante mucho tiempo del producto de la renta que producía la fábrica de piscinas fundada por el padre y administrada por el primogénito, un ingeniero igual de excéntrico a sus hermanos menores pero que debió conducir su artisticidad por el cauce señalado por el padre.

Otro artista a la muerte de su padre recibió una gran fortuna como herencia, ante lo que su mejor amigo, otro artista, dijo que era él quien había pasado a mejor vida.

Otro artista vive de un negocio. Cada quince días hace el viaje de la capital a su pequeña ciudad natal donde tiene una miscelánea que mantiene surtida de prendas y adminículos para jóvenes, cosas pasadas de moda en la gran ciudad pero que son novedad en la provincia. El artista dice con orgullo que es él quien define las tendencias de la moda en la pequeña ciudad. Otro artista puso un restaurante y se le incendió, otro montó el restaurante que lo hizo tan reconocido como chef que cuando dice que también es artista la gente se sorprende.
Otros artistas optan por el diseño y montan empresa, les va bien, son prueba de que en diseño más que estudio se necesita de práctica, prueba y error, experiencia; a estos artistas que diseñan les va tan bien que pasan de artistas a diseñadores. Todos tienen una fase en que ven el diseño como arte pero cuando el trabajo los abruma, y los clientes “siempre tienen la razón”, caen en cuenta de que el diseño es un servicio más y de que ellos se han convertido en proveedores de soluciones, no de enigmas; lo que comenzó siendo una estrategia temporal de automescenazgo —el diseño para pagar el arte—, terminó siendo un trabajo perpetuo donde todas las licencias creativas del arte van a parar al diseño. De vez en cuando estos artistas diseñadores les toca hacer un catálogo de arte o un trabajo para un museo de arte y cuando entran de nuevo en contacto con la gente del arte, agradecen vivir del diseño, incluso extrañan a sus clientes habituales. Es raro pero no inusual que por algún rezago estético estos diseñadores recuerden esa cosa inútil y anodina llamada arte, pero pronto lo urgente los trae de nuevo al presente.

Otro artista emigró y montó una carpintería en un país de donde tenía nacionalidad, antes hacía instalaciones sonoras efímeras, hoy instala pisos de madera y une cada pieza con el mismo cuidado con que componía sus obras de arte.

Otro artista tuvo un hijo y abandonó el arte: “los hijos son la muerte del artista y el nacimiento del publicista”.

Otros artistas viven de la dictadura de clase. Cada año los programas de arte de la universidades del país gradúan un promedio de 500 artistas, un público cautivo que necesita de un cuerpo de recreacionistas intelectuales que cumplan con la ilusión de enseñar arte. Enseñar arte puede ser el mejor trabajo para un artista, hay bastante tiempo libre para crear o “investigar” (como se refieren los artistas a lo que hacen cuando le quieren dar altura académica). A pesar de que cada vez hay más trabajo burocrático y hay que inventarse más justificaciones y comités para justificar la necesidad de los comités que justifican el arte en la universidad, ser profesor es una buena actividad. Hay que decir que un profesor de arte goza de un margen insólito de libertad, si los profesores de medicina dictaran sus clases como los profesores de arte dictan las suyas, graduarían asesinos en vez de médicos. Tarde o temprano muchos artistas, así no lo quieran, reencarnarán en profesores de arte; temprano si consiguen trabajo en un colegio, usualmente el mismo colegio donde han estudiado, o tarde cuando regresan endeudados con una maestría y descubren que para lo único práctico que sirve ese cartón de maestría de arte es para ser admitido en el proceso para calificar como profesor universitario de arte. Pero además de tener la maestría habrá que tener un doctorado y cuando todos tengan un doctorado algo más habrá que tener, el único consuelo es que mientras más grados haya que tener más necesidad de profesores de arte habrá y así tal vez haya más puestos de profesores universitarios de arte para darle clase a todos los que necesitan estudiar para tener más grados para obtener el puesto de profesor universitario de arte. También existen los profesores de talleres independientes, pero dependen del tiempo libre y la inconstancia de las señoras y pintores de fin de semana.

Otro artista vive del arte, sí, se puede vivir de eso: hay que asistir a muchos cócteles de inauguración, hay que circular y sonreír y hacer comidas y ser pródigo con las gentes del arte, con los galeristas, coleccionistas y curadores, y con sus cónyuges e hijos. Jamás hablar mal de la gente del arte en público y menos aún publicar algo malo sobre ellos. También hay que ser dúctil y decirle que sí a cuanto oferta de publicidad haya, y participar en subastas benéficas, y enviar a un testaferro que puje en la puja para que las obras se subasten bien y así elevar la cotización del precio del arte en el mercado. También hay que tener un taller y regar la voz de que hay piezas asequibles, económicas, y una vez los coleccionistas visitan el taller, atenderlos muy bien, siempre sonreír, y disponer las piezas con estrategia, de lo caro a lo barato, mostrar piezas que “ya están vendidas”, y hacer el tour de los precios con indiferencia y seguridad. Hay que soltar datos prestigiosos sobre clientes previos y sobre la cotización de las piezas en la galería. Hay que acordar con el galerista y con el dealer que obras hay que repetir y venderlas con discreción, y en la Feria de Arte montar guardia cerca alstand donde está la mercancía y para efectos de prosperidad parecer que se está ahí por pura casualidad. Hay que tener una galería por fuera del país, no importa si se trata del cuarto trasero de un bar alternativo en Berlín o de una galería meramente comercial, lo que cuenta es la internacionalización y poder dar el precio en dólares o en euros.

Otro artista optó por la doble vida —o eso es lo que se deduce de su esquizofrenia estilística—. Tiene dos tipos de obra, una que es la propia, la que no se vende, la conceptual, la efímera, la caprichosa, la que lo posiciona en el reino de las inteligencias y otra en la que da muestra de su destreza manual para hacer paisajes y caballos o fotos bonitas, o floreros bonitos, y que vende de forma anónima, o bajo un heterónimo para que no se pueda relacionar con el nombre propio y no afecte el capital reputacional. Es importante que los artistas no revelen de qué viven, sobre todo si no viven del arte, esto mantiene el mito de su independencia, de que no sirven a nadie, de que son inocentes, de que nunca serán lo suficientemente maduros para liberarse de la idea de libertad.

Otros artistas viven de la mediación artística, trabajan como asistentes en talleres, museos, galerías y espacios independientes, como cargaladrillos de artistas, curadores o galeristas, y luego, con la experiencia adquirida y una lista de contactos, se lanzan como artistas y curadores y galeristas, o simplemente dejan de ser artistas para ser curadores, galeristas o gestores culturales.

Otros aprovechan su arrojo para juntar palabras, hacer párrafos con esas palabras y firmar esos arrumes de párrafos para ofrecer textos de arte multipropósito que se cobran por el número de caracteres y que apenas sirven para cubrir el pago de los servicios; a los que escriben les basta con publicar uno o dos de estos textos para ser llamados “crítico de arte” y pasan a escribir en la prensa y en catálogos, basta con hacer un texto elogioso para una exposición y entregarlo a tiempo para que otros clientes quieran más textos de ese tipo, ante la presión de la demanda y el afán de complacer a la clientela es fácil pasar de agudo provocador a soso prologuista, este género de textos se parece al de escribir obituarios.

Otros artistas organizan bienales y encuentros internacionales de arte para pretender recibir suficiente apoyo como para poder vivir de la bienal y de los encuentros internacionales de arte que organizan. Otros ponen una ONG de arte y viven de ofrecer servicios de asistencialismo estético a las comunidades e instituciones interesadas.

Otros artistas viven de los premios, se inscriben en cuanto concurso hay, poco importa si el dinero viene del Estado, de una caja de compensación familiar o de una multinacional, no importa si la obra hay que mostrarla en una casa crujiente contra una pared descascarada en medio de la barahúnda de otras obras o en el corredor de un edificio inteligente, lo importante es concursar con la meta de ganar. Estos premios son loterías para artistas y dado el número de artistas que concursan es posible inferir —por simple matemática— que un artista tiene más chance de ganar en una de estas loterías que en cualquier otra. Entre premio y premio, entre una convocatoria y otra, en Internet se puede descampar y solicitar ingreso a las residencias para artistas que se ofrecen a nivel global, una vez se hace una solicitud a una se tiene una matriz para hacer más solicitudes, es posible vivir de trotamundos por años saltando de una residencia a otra.

Otro artista vive de su conyuge. En ningún momento pensó en casarse con otro artista, siempre supo que de casarse tendría que hacerlo con alguien que tuviera grandes ingresos.

Otro artista vive de oficios varios, es mesero, ayudante de chofer de bus intermunicipal, mensajero en una agencia de publicidad, es un artista sin obra, nadie lo conoce pero lleva una vida de poeta.
La mayoría de los artistas viven así."

Lucas Ospina

La mitad de los grabados atribuidos a Rembrandt no son suyos - Half of the engraves attributed to Rembrandt aren't his.

(vía Voz Pópuli)
Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers del Rijksmuseum de Amsterdam, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección.

La mitad de los grabados que se atribuyen al artista holandés del Siglo de Oro, Rembrandt van Rijn (1606-1669), no son suyos, sino que fueron impresos tras su muerte por terceros, según concluyó un estudio realizado por los conservadores del Rijksmuseum de Amsterdam.

Tras estudiar unos 18.000 grabados que se pensaba que habían salido de los talleres de Rembrandt, los conservadores Erik Hinterding y Jaco Rutgers, aseguran que la mitad no fueron impresos en vida del artista, ni bajo su dirección. El maestro del claroscuro realizó entre 1625 y 1665 un total de 315 planchas de cobre que llegaron a manos de terceros.

Los nuevos propietarios las imprimieron en papeles de una calidad muy distinta del que usaba Rembrandt, que en su última época utilizaba papel japonés, según reveló el Rijksmuseum, que ha abierto una muestra sobre los grabados del artista holandés. Las copias realizadas por la mano de Rembrandt son además las únicas que emplean técnicas específicas para crear efectos especiales en los grabados, según señaló la pinacoteca en un comunicado.

"Las impresiones más lujosas e interesantes son las que hizo el propio Rembrandt", explicaron los conservadores en su estudio.También se pueden diferenciar las copias tardías por la menor calidad, ya que las planchas originales se fueron gastando y perdiendo nitidez, según los expertos. Hinterding opinó que su descubrimiento se traducirá en el aumento de los precios de las copias atribuidas a Rembrandt.

Rodin era un mindundi... /Rodin was a wannabe

...comparado con lo que hacían un Juan de Juni o un Berruguete. Hasta que no he visto este video del museo Paul Getty no he comprendido la tarea hercúlea que es hacer una de las tallas que llenan las iglesias y ermitas castellanas, y a las que apenas damos importancia.

No sólo se aúna la calidad escultórica, sino la pintura, la paciencia, la calidad de materiales, y la habilidad manual. Impresionante de verdad.

...compared to what Juan de Juni or Berruguete made. It wasn't until I watched this video from the Paul Getty Mueum, that I could undestand what a huge labour was to make one of the "tallas" (wooden polichromed sculptures) that fill the churches all along Castilla y León (Spain), which we give no importance.

Not only it shows sculpting quality, but painting, patience, materials quality, and manual skill. Really impressive.