¡Menudo año musical!

Buf, casi nada. El FIB de este año promete ser de lo mejorcito: New Order, Stone Roses y Bob Dylan. Simplemente impresionante.
Y por si fuera poco, en Octubre en Madrid Leo Cohen...esta vez no me lo pierdo.

Gouache - retrato

El gouache tiene unas cuantas cosas fantásticas:

1.- Su fantástico olor
2.- El acabado tan mate que deja
3.- No se puede andar manoseando mucho, pues levantas las capas inferiores. Así, lo aconsejable es dar una pincelada y dejarla ahí.
4.- Seca instantáneamente

A cambio tiene cosas no tan buenas:

1.- Se degrada fácilmente con el tiempo.
2.- Cambia mucho el color entre la pincelada que das y el efecto final una vez seco (generalmente  los oscuros son más claros, y los claros más oscuros).

A mí es un medio que me gusta mucho, y para aprender me parece de lo más recomendable. A ello he dedicado unas cuantas horas de hoy.

Edit: Una mejor foto, y paleta de color: cyan, magenta, amarillo, blanco y negro.

Gouache sobre cartón 24x31cm.

Análisis diario 3

Más análisis diarios en la cama ¡Caravaggio!

Lápiz sobre cuaderno A5

Análisis diario 2

Seguimos con nuestro ejercicio diario (en la cama) de análisis de pintores.

Lápiz sobre cuaderno A5

Tinta - Valle Inclán (after Moebius)

Un pequeño homenaje a los dos grandes maestros.
Tinta sobre papel A5

¡Llega el libro de Mathieu Weemaels!

Conocí la obra de Mathieu Weemaels a través del blog de J. Luis Corella, amigo de Mathieu y uno de los artistas escogidos de Santiago Echebarría, uno de nuestros mejores galeristas actuales y con más éxito y ventas en todos sus eventos (lo que, dada la situación actual, significa que está haciendo las cosas francamente bien en este complicado mundo), y que también representa a mi querido Luis Pérez.

Mathieu tiene una virtud (a lo mejor es defecto) que me fascina: cada serie de cuadros es totalmente distinta de la anterior. En cuanto a temas, técnicas y estilo. Creo que le pasa un poco como a mí (o a Pablo Ransa o a tantos otros): una vez resuelto el problema, deja de tener interés el continuar haciendo lo mismo y hay que pasar a otra cosa. Y tiene otra virtud que hizo que me fijara en él: el desnudo como elemento pictórico destacado. Aunque tanto sus paisajes como bodegones me encantan también (de hecho sus paisajes se parecen *mucho* a lo que algún día me gustaría llegar a hacer con mis propias manos). Si véis su web veréis su evolución desde un realismo más clásico a la experimentación que lleva a cabo últimamente.

Si hay algo que me parece interesante destacar de Weemaels, es la composición. Creía que dedicaba un montón de tiempo a preparar cómo va a ser la estructura del cuadro, pero me comentó lo siguiente:

"About my compositions, it's competely and only a question of instinct. For objects, landscapes, or nudes. With nudes, the model moves and turns until something happens that I want to paint. I usually go very close to the model, which gives some strange points of views that i appreciate. An I work very quickly, at least with pastels, without any sketch or idea to begin with. It's really a question of instinct and emotion all along.With objects, it's a bit the same."

("Sobre mi composición, es sólo y únicamente una cuestión de instinto. Para objetos, paisajes o desnudos. Con los desnudos, la modelo se mueve y gira hasta que algo sucede que me apetece pintar. Generalmente me acerco mucho a la modelo, lo que da algunos puntos de vista raros que me gustan. Y trabajo muy rápido, al menos con los pasteles, sin ningún boceto o idea para arrancar. Realmente es una cuestión de instinto y emociones todo el tiempo. Con objetos es un poco lo mismo...") 

. Viendo los paisajes suyos, siempre me da la impresión de que la línea de horizonte que ha puesto ahí, es porque sólo puede estar ahí, y que subirla o bajarla unos milímetros cambiaría toda la estructura de la pintura. De hecho, hay algún paisaje suyo que, siendo realismo en su esencia, recuerda a un Rothko por ejemplo.
Así que finalmente me animé a pedirle el libro sobre su pintura y, no sólo me ha enviado el libro solicitado, sino otras fotos de obras suyas, y un folleto dedicado íntegramente a sus desnudos ¡qué bueno! Todavía no he podido dedicar tiempo a leerlos con avidez, pues quería comunicar rápidamente mi alegría.

Si a la gran pintura que realiza Mathieu Weemaels unimos que es un encanto de persona (con él todo son facilidades, e incluso hemos debatido ampliamente el origen del nombre de su mujer) ya sólo nos queda poder algún día ver sus cuadros en directo.

Experimentando con óleo rojo

Este fin de semana, aprovechando que hacía bueno, inicié la temporada de campo 4.0, que no fue demasiado exitosa. Los días siguen siendo cortos, aunque parezca que es primavera, y enseguida hay cambios de luz que se notan muy bruscamente en los modelos que había buscado: tres piedras que arrojaban sombra sobre un camino. No había acabado de dar la primera pincelada y ya había cambiado totalmente la luz de mis modelos.

Pero sí que pude experimentar con unos cuantos rojos que había comprado para sustituir (o complementar) el rojo cadmio, que me tiene muy cansado. En general los cadmios me agotan porque tintan demasiado cualquier mezcla. El amarillo cadmio lo tengo casi desterrado de mi palete, sustituyéndolo por amarillo ocre. Y otro tanto me pasa con el rojo cadmio. Desde luego, cuando hay que conseguir un naranja brillante son imprescindibles, pero desde que introduje el naranja cadmio (otra vez cadmio) en mi gama, pues no tengo mucho problema.

El rojo cadmio me resultaba "demasiado rojo". Quitando las flores y elementos manufacturados por el hombre, no lo veo a mi alrededor; si añadimos que había que andar añadiendo cantidades minúsculas a la mezcla para evitar que todo cogiera un colorado intenso, pues decidí que no me compensaba.

Desde entonces he estado probando varios rojos, hasta quedarme con tres que eran los que quería probar el domingo: rojo cadmio como piedra de toque y comparativa, indian red, y terra rosa. Estos dos últimos no los conocía, así que iba a ciegas con ellos al ponerlos en la paleta y empezar a mezclar.

Indian red: frío, tiende a rosa mezclado con blanco. Muy opaco, tinta casi más que el rojo cadmio. Con una pequeña cantidad en la mezcla, todo se vuelve rojo. No me acaba de convencer, aunque se podría utilizar como sustituto del Carmín Alizarina, pero es que este último no me da problemas. Su única ventaja es que está más desaturado.

Terra rosa: cálido, como un naranja oscuro. Opaco, tinta muy poquito, lo cual me encanta. Crea bonitos naranjas con ocre, quedando bastante desaturadas.

Así que creo que tengo un ganador: Terra rosa pasa a incorporarse a mi paleta. El rojo cadmio (y probablemente indian red) entrarán y saldrán de ella según la necesidad (por ejemplo, para retratos y desnudos), pero probablemente no vuelvan a ver un paisaje...

Os dejo una foto de una prueba sobre papel: cada uno de los colores, y cómo mezclan con amarillo cadmio y con amarillo ocre.

Lápiz - análisis diario

 Hace dos años, y durante algo más de un año, estuve realizando una acuarela diaria sin importar obstáculos: cansancio, falta de medios, de tiempo... Fue un buen ejercicio de disciplina, y curiosamente sigo poniéndome igual de nervioso con la acuarela que el primer día, pero me ha servido para mejorar un montón de cosas en el dibujo, el acrílico y el óleo (como el fundido de sombras, intercalar fríos y calientes, etc...).

 Desde la llegada de Manuela tuve que cambiar la acuarela diaria por el baño y el biberón diario, que es incluso mucho más satisfactorio que pintar, pero que para evitar que se me olvide lo aprendido no contribuye mucho.

También tengo por costumbre intentar leer todas las noches algo de algún pintor nuevo, y de donde desarrollo luego los "Visto últimamente..." de aquellos que más me impresionan consultando más fuentes, su vida, etc... y luego dándole mi propio punto de vista y resaltando aquello que me parece más interesante.
Así que, dado que la acuarela diaria era algo imposible, algo había que hacer. Y me he lanzado a hacer lo que llamo "análisis diario". He seleccionado un montón de pintores que me gustan (generalmente de finales del XIX y de la nueva generación de pintura americana), y cada día dedico un rato en la cama a analizar sus cuadros, y a poner en un cuaderno algunas notas sobre los mismos.

Generalmente intento seguir la secuencia que aconseja mi queridísimo R.S.:

1. Dibujo (drawing)
1. Composición (composition)
2. Tonos (values)
3. Colores (colours)
4. Bordes (edges)

A veces me dejo llevar y no sigo el orden, pero intento siempre al menos hacer algunos apuntes sobre su composición (esos pequeños recuadros con extrañas figuras), y un dibujo sobre algo que me haya gustado de algún cuadro del autor analizado. En ocasiones tengo que saltarme algún paso porque el pintor no lo practica mucho (por ejemplo, la composición con la gran artista Angela Cunningham no tiene mucho sentido cuando casi todo es retrato puro y duro), pero siempre hay algo que destacar.

Así que os dejo los últimos cuatro días para que veáis a qué dedico mi *escasísimo* tiempo diario dedicado al arte.

Lápiz sobre papel A5.

Muere Jean Giraud (Moebius).

La hemos fastidiado. Sin Pratt ni Moebius, ¿se hace la noche en el mundo del cómic?

Nada dorado puede permanecer

"El primer verde de la Naturaleza es oro,
su tonalidad más difícil de mantener.
Su hoja temprana es una flor;
pero sólo por una hora.
Entonces, la hoja es sustituida por la hoja.
Así se hundió el Edén a la pena,
así el amanecer sucumbe al día.
Nada dorado puede permanecer"

(Robert Frost)

Leyendo a uno de mis poetas favoritos, el americano Robert Frost (al que a veces se relaciona con Emily Dickinson, no sé por qué, pues ni coincidieron en el tiempo, ni en el espacio, ni en estilo, ni en carácter), surge este fantástico poema sobre los colores. Y es que Robert debía ser un amante del arte pictórico, como demuestra su frase:

"Si estás buscando algo con lo que demostrar tu valentía, prueba a ser pintor"

Y es que, si Frost dio nombre a la película "Lost in Translation" es por algo...

Las paletas de los artistas

Paleta de Delacroix.

Una cosa que siempre me ha interesado (y que pocas veces he conseguido ver) es la paleta que usan los artistas. Ver sus colores, cómo mezclaban, cómo los disponían en la paleta... Así que el otro día estuve recopilando por todo internet fotos de artistas conocidos, a ver qué encontraba.

Es interesante descubrir que se guardan paletas de grandes artistas del XIX en sus museos o en coleccionistas privados, e incluso el Club Salmagundi (en el Greenwich Village, en Nueva York, EEUU) tiene una impresionante colección a la vista del público (o al menos a la vista de sus miembros - y miembras que diría la ignorante de la exministra).

Os dejo unas cuantas fotos que he podido recopilar (obviamente no son mías) de distintos blogs y webs. Es muy interesante ver cuán desaturados son los colores usados. Pregunté a un amiguete químico si podía ser debido al paso del tiempo, y parece ser que quizás algún color puede haberse degradado (especialmente los transparentes como Carmín Alizarin Crimson), pero la mayoría deberían mantenerse.
Paleta de Whistler

 Paleta de G. MoreauPaleta de DegásPaleta de Van GoghPaleta de P. BonnardPaleta de V. HammerstoiPaleta de SeuratPaleta de RenoirPaleta de GauguinPaleta de S. Senlis (véase cómo eran los tubos de óleo en el S.XIX)

Cuatro paletas de Balthus

Óleo - desnudo

Probando fondos. Demasiado saturados... Una veladura gris y a ver qué pasa.

Óleo sobre lienzo en tabla