Tayete - dando pequeños pasos en el mundo del Arte

Un estudiante explica las escuelas de arte...

2012-01-27T18:07:00.003+01:00

Fantástico cómic del siempre grande Daniel Clowes, que en esta caso cuenta su visión de las escuelas de arte actuales. Para los que no le conozcáis, Clowes tiene varios cómics que llegaron a convertirse en películas, a pesar de narrar historias "en las que no pasa nada". De todas ellas sobresale "Ghost World", aunque a mi entender el final es demasiado abrupto, después de la suavidad con que circula el guión de toda la historia.

Me he reído un montón con estas páginas, pues he conocido casi todos los estereotipos que Clowes nos muestra: desde el profesor que engatusa a la estudiante "con buena estructura ósea" hasta el ama de casa sin talento (probablemente yo entraría en esta categoría, aunque nunca he pasado por una facultad de arte: el directivo aficionado), y especialmente me alineo con su expresión de: "El talento tiene poco que ver...mucho más vital es el don de la locuacidad". Cada vez que me cruzo con uno de estos artistas apenas conocidos que me hablan de cómo el arte les hace uno con el Universo, de su diálogo con el lienzo y esas historias, me acuerdo de los consultores de empresa vendehumo: yo sólo quiero que me digas si te lo pasaste bien pintando el cuadro, por qué pusiste el color ultramar en vez del ocre, y si estás satisfecho con el resultado final. Todo lo demás suena a que está ocultando su mediocridad. Vamos, que no me imagino a Velázquez hablando con Rubens de lo que le aproximaba a la Naturaleza "La Rendición de Breda", sino de lo que iba a cobrar, de la dificultad de componer un lado con mucha verticalidad, y de que su ayudante no sabía machacar bien los materiales para hacer buena pintura de óleo...

Lápiz - Bocetos en el SketchCrawl

2012-01-22T01:07:00.000+01:00

Hoy se había convocado a todo aquel al que le apeteciera pasar un rato dibujando, al Mueso de Escultura de Valladolid, de 11 a 14 horas. Muy bien organizado, nos cedieron paso sin cobrar incluso, y nos dejaron libertad para vagar por las salas dibujando. Nos encontramos viejos conocidos, y conocimos gente nueva (algunos incluso venidos de Burgos).

Como yo ya me había equivocado el fin de semana pasado, ya tenía pensado continuar con la escultura de Carlos V en piedra que vi el sábado anterior. Es de un artista flamenco desconocido, y la textura de la piedra blanca con la iluminación que le han dado, hace un modelo fantástico.

Dediqué una hora y tres cuartos al busto del joven Emperador, para luego ver qué hacían los demás. Es lo divertido: ver cómo cada uno se acerca al tema que mejor domina. Algunos pintaron el claustro y las gárgolas, otros el jardín del Museo, otros las galerías del propio Museo, o a los compañeros dibujando, y el resto las fantásticas esculturas que hay en las salas.

Me fui a la de Gregorio Fernández a dibujar en el rato que quedaba un San Sebastián (sin las flechas, se debieron perder en algún momento) del que hice un apunte de la cara el otro día. Aproveché para hacer rápidamente y sin mucho detalle la figura completa, y asombrarme del conocimiento anatómico de D. Gregorio. Impresionante de verdad.

Al final, puesta en común de la experiencia, ver todas las obras juntas y asombrarnos de lo rápido que se van las horas. Había todo tipo de técnicas: rotuladores, lápiz, acuarela, boli Bic... en todos los tamaños y formas, y con los estilos más variados: pop-diseño moderno (un dibujo fantástico del Diablo en colores magenta), realista, semi-cubista...

Una gran experiencia, ¡hay que repetir!

Lápiz sobre cuaderno A5

Un diseño mío pasa "a ser real"

2012-01-20T19:43:00.000+01:00

El año pasado me encargaron el logo para una tienda de ropa de niño fantástica: "El Burrito Pepe" en Valladolid. A partir del logo final se hicieron bolsas, tarjetas, !hasta los toldos!
Pero lo que no me podía imaginar es que también lo convirtieran en broche de felpa. Son una maravilla, pero es curioso cómo uno se aleja emocionalmente de sus obras una vez finalizadas: no tengo esa sensación que de pequeño creía que les pasaría a los maestros al ver sus cuadros en pinacotecas o museos, de pensar: "ésto es obra mía". De hecho me sorprendió leer en alguna biografía de Picasso que le presentaban cuadros que había olvidado que alguna vez había pintado, hasta que me ha pasado bastantes veces a mí mismo encontrarme pinturas o dibujos míos que había olvidado completamente , y eso que hacía pocos meses que los había pintado.

¡Llega mi cuaderno de Ladrón de Cuadernos Invisible!

2012-01-18T22:41:00.000+01:00

¡Ya ha llegado mi cuaderno de la edición 2012 de Ladrones Invisibles de Cuadernos! ¡Y nada menos que Susana Lanau, una de mis acuarelistas favoritas! Me ha alegrado un montón por varios motivos:
1.- Últimamente no actualizaba mucho su blog, y no sabía si era porque no encontraba tiempo o que andaba desganadilla con el tema (todos pasamos rachas de ésas), pero viendo todo lo que me ha enviado, ya veo que es por lo primero.
2.- Porque de verdad me encanta cómo trata la acuarela, sobre todo en esos paisajes que pinta tan increíbles.

Así que cuando Marta me avisó que tenía un paquete y pude abrirlo por la noche (bastante de noche ya), me llevé un sorpresón al ver todo lo que la buena de Susana me enviaba: una acuarela de un paisaje, en ese formato alargado que tanto me gusta y con unos reflejos de agua y un cielo que hacen que me muera de envidia por cómo maneja la acuarela; un regalo para Marta en forma de paisaje urbano sobre fondo negro (la ha encantado), y el cuaderno (que en teoría era lo único que tenía que mandarme, pero cunado Susana se pone a la faena...). El paisaje urbano parece hecho con un rotulador de esos que pintan plateado o algo así, pero el efecto que ha conseguido con ello es buenísimo, además de añadir algunos toques de color para acabar de dar el efecto total.

En el cuaderno, rojo y de un papel para acuarela estupendo, Susana ha incluido, no un dibujo, sino cuatro sobre ¡Corto Maltés! Como sabe que me gusta ha hecho tres acuarelas: Corto, un puente de Venecia con la figura del marino maltés, Corto en el Pacífico, y la cúpula de San Marcos, que me ha dejado literalmente sin habla. Ver las pequeñas manchas de color que Susana aplica en acuarela para lograr un efecto de contrastes de fríos y calientes buenísimo. Lo malo es que me da pena separarlas del cuaderno para enmarcarlas :-(, así que gracias Susana por enviarnos también otras acuarelas sueltas, y así pasar a formar parte de mi pinacoteca de artistas.

¡Muchísimas gracias Susana, nos ha encantado todo, y te agradezco un montón todo el esfuerzo para pintar tanto! ¡Espero seguir viendo pronto más acuarelas en tu blog! Ya te mandaré fotos cuando enmarque tus obras de arte, para que veas como encajan con el resto del "artisteo".

Acuarela - busto de Carlos V

2012-01-14T21:27:00.001+01:00

Hoy me he presentado dispuesto a darlo todo en el SketchCrawl 2012 del Museo de Escultura de Valladolid. Me ha extrañado no encontrar a nadie, pero probablemente es porque me he equivocado de semana...es el sábado que viene.
Pero no ha sido tiempo perdido porque he pintado algunos apuntes a la acuarela (de pie, eso sí), he charlado con una guía muy amable de la sala de la sillería de San Benito (también pintaba ella), y por lo menos he aprovechado para ver el museo, que hacía tiempo que no veía.
Confirmado: la sillería de San Benito es la cosa más impresionante que he visto de cerca.

Os dejo un busto en piedra hecho por un artista anónimo en 1520.

Acuarela sobre papel A5

Acuarela - tuaregs

2012-01-13T18:13:00.001+01:00

No sé por qué hoy me he despertado pensando que tenía que pintar un tuareg a la acuarela. Nunca me han interesado lo más mínimo los tuaregs, pero a lo que el subconsciente pide, hay que hacerle caso.

El del camello, basado en foto...

Acuarela sobre Fabriano 12,5x18cm

Óleo - cómo conservar los colores frescos en la paleta

2012-01-11T20:00:00.000+01:00

Estos días que he estado trabajando con óleo, se me planteaba un problema: ¿cómo mantener los colores frescos tras el segundo día trabajando con ellos, sin que se sequen?

Así que he estado investigando un poco, y descubierto que la gente utiliza técnicas de lo más variopintas:

Sumergir la paleta en agua: ésto, que puede parecer una barbaridad (y que lo es) es muy utilizado al otro lado del charco. Simplemente se mete la paleta en un recipiente de plástico y se cubre de agua. Al ser el óleo un compuesto basado en aceite, la teoría dice que el agua no debería afectarle. En realidad, como cuenta un químico en este artículo, no es recomendable hacerlo pues tiende a amarillear la pintura, y deshace las uniones de los polímeros, haciendo que la pintura pierda agarre.
Meter la paleta en el congelador: Otra práctica muy utilizada, ya que la teoría dice que el aceite congela a un nivel más bajo que el agua, con lo cual el congelador no afectaría al óleo y sí lo mantendría fresco. Bien, esta medida parece tener más sentido, ya que según los químicos (mismo artículo de antes), el óleo funciona mejor a bajas temperaturas, aunque no tanto como en las de un frigorífico. Resumiendo: se podría utilizar este método si no va a transcurrir mucho tiempo hasta el próximo uso, pues si no la pintura se volvería quebradiza.
Cubrir la paleta con plástico de cocina: parece funcionar, sobre todo si se combina con meterla en el congelador. Tampoco parece aportar mucho más a meter la paleta en el frigo sin cubrir, excepto que quizás no pringues la comida de óleo.
Meter en un envase al vacío la paleta: en los EEUU que son muy populares los recipientes con una apertura en la cual se puede aplicar una especie de aspirador que retira el aire, creando el vacío en ellos, se usa mucho también esta medida. En teoría, ya que el oxígeno es lo que oxida (seca) el óleo, debería dar resultado. Pero no he encontrado a nadie por aquí cerca que haya usado esta medida y, la verdad, me da mucha pereza probarla.
Meter cada uno de los colores en un tubo o frasquito: Menudo lío.
Echar unas gotas de aceite de clavo o de amapola sobre cada color que se quiera mantener fresco: por experiencia personal, no funciona demasiado bien. Amarillea el color, y no lo mantiene mucho más tiempo fresco. Además, ambos son tóxicos, así que cuidado.

Resumiendo: lo mejor parece ser utilizar en cada sesión el color que se cree se va a gastar, poniendo pequeñas cantidades en la paleta de cada color. Si aún así queda color, o mezclas que queremos seguir utilizando al día siguiente y al otro y al otro, puede ser una buena solución meter la paleta en el congelador.

Si alguien conoce algún otro método, me encantaría conocerlo.

Óleo - retrato de C.

2012-01-10T17:14:00.004+01:00

Arrancando con el torso

Pues al final no pude rematarlo durante las vacaciones. Y todo, por una bobada: no consigo que el pecho no quede "enharinado", o que sus colores no sean demasiado fríos, o demasiado cálidos. Así que hasta este fin de semana no lo toco. Sí que corregí el pelo (apenas se aprecia) para eliminar algunos brillos demasiado sobresalientes, y para dar un poco de forma a la musculatura del cuello, pero que probablemente también cambiará en la próxima intervención.

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41 cm.

Óleo - retrato de C.

2012-01-09T06:00:00.000+01:00

Nuevo empujoncito.
Retocada toda la oreja (aunque apenas se note), está menos saturada de lo que aparece en la foto...

El pelo también ha sido retocado en toda la parte en contacto con el cuello y hombros. Quedaba una masa informe que ahora tiene otra definición. También he añadido los famosos brillos azules en el pelo de la parte superior de la cabeza.

Todo el cuello ha sido repintado. Tenía trazos del antiguo fondo que ya no cuadraban con el tono general del cuadro, y además eran demasiado oscuros si se comparaban con la zona en que el pelo se "funde" con la piel, que es mucho más oscura que el resto del cuello.

En el torso nuevo repaso, pero aún queda un rato, a ver si mañana podemos dar el empuje final...

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41 cm.

Óleo - retrato de C.

2012-01-08T06:00:00.000+01:00

Aclarada la zona en sombra

Aunque de momento he podido dedicar poco tiempo a pintar estos días de Reyes (entre cabalgatas, comidas y cenas con amigos pendientes, no hay forma de sentarse ante el caballete), un pequeño avance con el retrato.

Aclarado y calentado toda la parte dle rostro en sombra, desde la zona de la sien hasta la mandíbula. No hay método, simplemente, mezclar nuevos colores, y a pintar. También el pelo está retocado (aunque con el brillo del aceite no se nota): había una parte que desentonaba del resto.

También he aclarado y homogenizado el fondo de la parte posterior de la cabeza, pues no me gustaba como quedaba respecto al frente.

En el pecho ya he dado una capa más fría sobre todo lo pintado. Así podré meterme más tarde con ella...

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

¡Rafael en el Prado!

2012-01-07T10:28:00.002+01:00

Del 12 de Junio al 16 de Septiembre tendremos exposición en el Prado dedicada a la obra de los últimos años de Rafael (recordemos que Rafael murió joven, y que sus últimos años son los de su mejor producción).

¡Imprescindible!

El nuevo negocio del arte

2012-01-06T06:00:00.000+01:00

Es curioso cómo internet ha revolucionado tantas cosas: el mundo de las compañías discográficas, el cine, la forma en que vemos televisión, la literatura, la prensa, las relaciones...y el arte. Nunca antes habíamos tenido a nuestro alcance tanto conocimiento instantáneo de artistas actuales, pasados y futuros. Nunca había sido tan fácil aprender sin un profesor. Nunca había sido tan sencillo ser inspirado a cada segundo por artistas con obras afines a ti. Y nunca había sido tan fácil encontrar nuevos modos de ganar dinero con tus obras...

Comento ésto porque hace tiempo que recibo compras de reproducciones de obras mías. Algunas páginas se dedican a exponer, imprimir al tamaño deseado y enviar en tubos especiales, obras que artistas suben a su portal. Por ejemplo, funciona muy bien Fine Art America.

Lo interesante es la sensación tan extraña que te produce que un dibujo que aún posees y creaste, haya generado interés para que varias personas lo tengan colgado en su casa en reproducción (y pagando lo suficiente para cubrir los costes, dar margen a la galería, al artista, y pagar el envío). Y demuestra que el arte es universal: tan pronto adquiere mi Rimbaud un portugués, como un australiano.

Nunca hubiera pensado que con dar a un botón, alguien tendría una obra mía colgada en su casa, y que encima sería pagado por ello.

Óleo - retrato de C.

2012-01-05T06:00:00.000+01:00

Boca y mentón corregidos

Bueno, esto se va acercando a lo que buscaba. Sargent puede dormir tranquilo en su tumba, que la boca ha sido corregida. También la barbilla ha sufrido un gran cambio, y se aproxima más a la realidad.

He pintado también el pelo y cambiado totalmente el fondo. Este me gusta bastante más. Quizá sea un poco cálido para lo que buscaba, pero me gusta como queda.

Los hombros y pecho los he enfriado y aclarado, pero son sólo una base. Ya me meteré con ellos, tampoco tienen que tener mucho detalle para no distraer del rostro.

No sé si en la foto se aprecian unas rayitas blancas (en la sombra oscura del mentón, en la sombra de la unión de los arcos de la ceja con el pómulo, en la oreja...). Están hechos con tiza blanca, y me sirven de recordatorio para zonas que quiero rehacer posteriormente.

De momento poco tiempo para pintar (muchísimo trabajo en la oficina y en casa), espero poder dedicarle mucho tiempo el día de Reyes...

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - retrato de C.

2012-01-04T06:00:00.000+01:00

Modificando boca y barbilla

Poco avance hoy pues he vuelto al curro, y como es normal tenía un montón de cosas esperándome encima de la mesa del despacho.

Lo poco que he tocado ha sido para borrar y cambiar, de forma que mañana pueda rehacerlo entero: la boca y la barbilla. No estaba nada contento con cómo iban, así que las he borrado con un trapo (por eso están tan sucias).

Yo siempre cito a Sargent (uno de mis pintores favoritos) cuando pinto retratos:

"A portrait is a painting with something wrong with the mouth" ("un retrato es una pintura que tiene un noséqué mal en la boca")

Y es que los retratos suelen ir de maravilla hasta que te topas con la boca. Pero no pasa nada, acabará saliendo. Siempre lo hace.

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - Retrato de C.

2012-01-03T06:12:00.000+01:00

Aclarado de la zona en sombra

Dos avances hoy: parte del pelo y labio superior, y aclarado de la zona en sombra y nariz. Nada de todo eso está acabado aún, pero había que hacerlo.
He desaturado un poco la zona bajo el mentón, pero sigue demasiado roja. Habrá que hacer nueva pasada.

Siento los brillos de la foto, pero trabajo con luz artificial y al estar todavía fresca la pintura, las fotos salen así...

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - Retrato de C.

2012-01-02T06:00:00.000+01:00

Retrato óleo

Un poco más de avance con la parte sombreada de la cara. Cada vez está más claro que me he ido de tonos: si sigo por este camino acabará pareciendo más el retrato de una negrita que de C. Así que tendré que repintar toda la parte de sombras para bajarlas un par de niveles de oscuridad.

Esto ha ocurrido por fiarme de la foto más que de los apuntes en vivo. Pero es lo bueno del óleo (cosa que no ocurre con la acuarela): todo tiene remedio...

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41 cm.

Óleo - retrato de C.

2012-01-01T00:01:00.000+01:00

¡Feliz Año Nuevo a todos!

Nuevo pequeño avance. En este punto me he centrado más en intentar describir correctamente la forma de nariz, labios y mentón, que en los colores utilizados (aunque también me he preocupad de los tonos). En próximos días corregiré esos colores de la nariz, al igual que la saturación de debajo de la mandíbula.

La paleta que estoy usando es bastante simple y basada en colores terrosos y rojizos:

Blanco Zinc
Amarillo cadmio (aunque para este retrato no lo he tocado)
Ocre
Naranja cadmio
Rojo cadmio
Magenta
Carmín
Azul ultramar
Tierra sombra tostada

No uso negro, pero no por esas bobadas de "no se debe usar negro en la pintura", sino porque a veces necesito un negro que tienda más a cálido, y otras que tienda más a frío. Así que, si al final lo voy a mezclar con otro color, acabo antes mezclando el negro directamente con la tonalidad que desee (generalmente con azul ultramar+carmín, añadiendo a veces sombra tostada).

El tierra sombra tostada es un color que permite "acelerar" ciertos puntos. Actúa como "desaturante" de mezclas, y para tonos tierra usados en los retratos va muy bien.

El naranja es mi última adquisición. Lo descubrí este verano pintando a la acuarela, y nos hemos vuelto inseparables. Permite saturar levemente los colores rojizos y ocres, y da colores muy bonitos mezclado con blanco y azul ultramar (grises lógicamente, pues son complementarios). El naranja, que es un color secundario, creo que me abre la puerta a incorporar a la paleta un montón más de colores. Lo que siempre explican los maestros de gamas reducidas de colores, etc... está bien hasta que llega un punto en el que ya te ves capaz de conseguir cualquier color por mezcla. A partir de ahí, estoy planteándome incorporar más colores secundarios para mantener la viveza de los colores (que se pierde al mezclar pigmentos) y para acelerar el proceso. Creo que estoy perdiéndome algo interesante por no incorporar más colores a mi paleta.

Óleo - retrato de C.

2011-12-31T06:00:00.000+01:00

"Día 2: Querido diario, de momento me lo estoy pasando como un enano..."

¡Arranco con el óleo! Quiero hacer en una sola capa todo el retrato, con lo que no se admiten demasiados fallos.

Empiezo por el ojo, por dos razones básicas:
1) Me encanta pintar ojos
2) Si acabo una parte que permite reconocer ya algo el retrato, me animará para siguientes fases en las que probablemente me desanimaré de lo que estoy pintando. Así, ese ojo me recordará que hay que seguir adelante.

Estoy trabajando con las 9 premezclas que comenté ayer, a las que voy añadiendo nuevos colores según sea necesario (por ejemplo, azul ultramar para desaturar algún tono de la piel; algún magenta, carmín o rojo cadmio para enrojecer otras zonas, etc...

He corregido la zona del cuello y afinado un poco más la frente. En el cuello hay un color muy saturado bajo el mentón, producto del reflejo de la propia piel del pecho en la barbilla. Me he pasado con la saturación, ya la rebajaré mañana.

La parte del mentón que sube hasta el pómulo tiene tanto colores fríos como cálidos, lo que da cierta variedad de tonos muy interesante.

En el pelo hay unos brillos azules que en la foto que hice apenas salen, pero que sí tenía anotado en el boceto en vivo. Voy incluyéndolos.

El fondo me plantea dudas. Sé que quiero un ocre verdoso desaturado, pero de momento es sólo ocre verdoso. Veremos si cuando esté todo acabado hago una veladura para desaturarlo, o lo repinto entero.

Óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - Retrato de C.

2011-12-30T15:51:00.000+01:00

Creo la mancha en acrílico, pero esta vez en grisalla (simplemente negro+blanco en distintos tonos). Hay gente que añade ocre a esa grisalla para dar un gris más cálido (casi se convierte en verdaccio).

Con la grisalla empiezan a aflorar los fallos del dibujo: la nariz no está bien, el cuello tampoco, y la boca menos todavía. Pero todo tiene arreglo en esta vida, así que lo iré solucionando "dibujando" con el óleo.

Con el óleo estoy haciendo "premezclas" de colores según las notas que apunté sobre el boceto en vivo: varios colores oscuros (la mayoría cálidos pues la luz que se reflejaba era bastante fría), tonos medios (bastante cálidos también), y tonos claros, en general bastante desaturados y fríos (como comentaba, por la luz que se recibía).

Cuando hice el apunte y las fotos, la luz que entraba era de primera hora de la mañana y dirección oeste. No era luz directa del sol, sino reflejada del cielo, de ahí el color frío de las luces en el rostro de C.

Óleo (de momento acrílico) sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - Retrato de C.

2011-12-29T17:34:00.004+01:00

Mientras seca la mancha del desnudo que estoy haciendo, arranco un retrato que llevaba mucho tiempo queriendo hacer, porque C. tiene un perfil fantástico para pintarlo.
Así que armado de cámara y lápiz me planto en su casa para tener las referencias con que arrancar el cuadro.
Va a ser un formato un poco más grande que el desnudo que mostraba estos días (éste será 41x33cm.), y quiero utilizar grisalla como base para pasar directamente a la fase final, a ver qué tal queda. Probablemente lo haga a base de veladuras, suponiendo que
a) Tenga suficiente tiempo (muy difícil)
b) Tenga suficiente paciencia (casi imposible).

Estoy utilizando tres referencias: una foto a color, una foto a blanco y negro (para ver los tonos - los "values" que llaman los guiris), y un apunte que hice en vivo para ver algunos detalles de la cara, y sobre el que anoté algunas observaciones sobre colores (tono de la piel, etc...), pues no se puede uno fiar de la foto en color. En realidad las fotos no pueden ser copiadas tal cual pues no tienen toda la información necesaria, y en cambio tiene exceso de información en aquellos pasajes en que menos te interesa tenerla.

Trazo de nuevo cuadrícula para pasar el boceto al lienzo, y hago los primeros trazos a lápiz. Marco aquellas sombras más pronunciadas para tener un mapa de tonos para la siguiente capa. Una vez medio contento con el lápiz (no estoy demasiado convencido, lo que es un error pues no debería pasar a la siguiente fase sin estar TOTALMENTE convencido - pero en este caso me animan a que continúe) repaso con un pincel de tinta indeleble los principales rasgos del lápiz. Lo de tinta indeleble es en teoría, pues en cuanto aplico acrílico, éste se ensucia con la tinta del pincel.

Seguiremos avanzando con la mancha en acrílicos ocres y blancos.

(Será) óleo sobre lienzo en tabla 33x41cm.

Óleo - desnudo

2011-12-29T06:00:00.000+01:00

Hoy he podido darle un buen empujón al cuadro, rematando lo que quedaba de la figura, ymanchando un poco el entorno. He cambiado a un color más frío la pared para que destaque la figura (la pared original es color ocre).

A continuación toca esperar a que seque antes de dar la capa definitiva, siguiendo la vieja máxima de "graso sobre magro" aunque en mi caso la capa inferior va muy diluida en aceite de lino (con lo cual sería la capa más grasa), con lo que no sé si al aplicar más materia encima acabará cuarteando. Me vendrá bien la espera, pues ahora estoy en esa fase en la que lo que te apetece es tirar el cuadro a la basura pues te arece que no tiene arreglo, y eso que soy consciente de que dentro de unos días cuando pase a la fase final estaré más contento con él. Pero , en fin, en todos los cuadros paso por este momento de crisis en que prendería fuego a lo que tengo entre manos y arrancaría otro nuevo.

Sigo con el método de pintar "por zonas" que me gustó bastante en un retrato que hice de Marta, aunque en ese caso fui directamente al acabado final. En vez de trabajar todo el cuadro simultáneamente, se van rematando trocitos pequeños equivalentes al tiempo disponible, y a la homogeneidad del tono (es decir, pintar la misma zona oscura o clara, antes de pasar a la siguiente zona distinta en tono).

Mientras seca este desnudo, iré avanzando con otro óleo que será un retrato de C. ¡Hay que aprovechar estos escasos días de vacaciones!

Óleo sobre lienzo en tabla - 33x24cm.

Óleo - desnudo

2011-12-28T08:42:00.003+01:00

Probablemente debería mostrar fotos de la habitación que estoy pintando, que avanza más rápido que el cuadro... Pocos avances, pero muy entretenidos de pintar. La zona de la cadera tiene una mezcla de colores cálidos y fríos muy interesante (y difícil) de mostrar. En la foto aparecen todos los colores demasiado saturados, aparte de brillantes por la luz para la fotografía y la cantidad de aceite de lino que tienen.

Hoy espero terminar el cuerpo y meterme con el fondo, del cual he pintado ya la sombra del cortinaje, que obviamente cambiará en la segunda capa a un color menos saturado.

En general en la segunda capa, que exige repintar todo entero, tenderé a desaturar todos los colores, esperando que esta primera capa que estoy pintando ahora se "vea" a través de la superior, aunque ésta será bastante más opaca y empastada.

Óleo sobre lienzo en tabla 33x24cm.

Óleo - desnudo

2011-12-27T15:52:00.002+01:00

Tercer día de pintura (de pared y de la otra). Una vez acabada la base de acrílico empiezo con capas muy grasas de óleo (la parte del hombro). Una vez acabada esta primera capa empezaré a añadir nuevas capas con más materia.

Óleo sobre lienzo en tabla - 33x24 cm.

Óleo - Desnudo

2011-12-26T17:08:00.000+01:00

Hoy he tenido una intensa jornada de pintura: de 7 a 9 de la mañana pintando este desnudo que os muestro aquí. Y a partir de ahí, dando dos capas de pintura plástica a una de las habitaciones de los niños. En fin, cuando pensaba que en Navidades podría dedicar tiempo a la pintura, no creí que lo que me iba a tocar era ésto.

En cualquier caso, estoy haciendo una serie de desnudos utilizando técnicas clásicas. En este desnudo, he pasado el boceto al lienzo mediante cuadrícula (ya en tiempos de los faraones se usaba este método), he repasado la figura central con tinta china, y he aplicado una "grisalla" o "verdaccio" de ocres. Grisalla, obviamente, responde a la base que se utiliza a base de tonos grises, sobre la cual se iban aplicando veladuras transparentes de color, dando un resultado final muy interesante. "Verdaccio" es muy similar, pero con tonos verdosos, técnica muy utilizada para retratos por el contraste que produce con el color de la piel.

En mi caso he aplicado una base en acrílico, que cuando comience a pintar con veladuras por encima tengo que ver qué tal resultado da. Espero que no se levante la pintura, o cosas raras...

Pongo las fotos en orden inverso para que podáis ir viendo su evolución según vaya añadiendo cosas los próximos días.

Óleo (de momento acrílico) sobre lienzo en tabla 33x24cm.

Lápiz - Cameron Hammond

2011-12-18T13:45:00.001+01:00

Como se me está olvidando dibujar de tanta inactividad artística, un apunte rápido de Cameron Hammond...

Lápiz sobre papel A5

Técnica mixta - Canción

2011-12-17T11:03:00.002+01:00

Técnica mixta sobre papel Canson

Visto últimamente: Odd Nerdrum

2011-12-14T17:15:00.001+01:00

Odd Nerdrum es un artista noruego muy conocido internacionalmente, tanto por su pintura como por los follones que arma cada vez que abre la boca o coge un bolígrafo para escribir.

Nacido en 1944 en Suecia, sus cuadros se cotizan desde 40.000 a 300.000$, y eso que él no se considera un artista. Su manifiesto "On kitsch" causó conmoción en las esferas artísticas al renegar abiertamente del arte y apostar por lo kitsch, aunque debe diferenciarse entre lo que comunmente consideramos como tal (podría definirse como "lo hortera") frente a lo que él entiende como tal.

Y es que Nerdrum considera que el arte no nació en Grecia y Roma, sino en Alemania con la primera relación entre arte e intelecto descrita por el filósofo Kant (Odd es un gran conocedor de la filosofía). Así, hoy su "kitsch" se ve más como una crítica al arte moderno que como el "kitsch" tradicional. De hecho su declaración "El modernismo me parece viejo y triste. He visto tanto de él que me tiene harto ya". Según él hay que acercarse a la pintura con pasión y espíritu, dejando de lado teorías pseudoartísticas a las que tan acostumbrados nos tienen los artistas modernos.

Odd comenzó sus estudios en la escuela de arte de Oslo, pero desencantado con el enfoque enseñado (muy centrado en la pintura moderna), dedicó todos sus esfuerzos a pintar como Rembrandt, adquiriendo pronto influencias de Caravaggio y otros clásicos.

Cuando recientemente se le preguntó qué echaba en falta en el arte moderno contestó:

1.- La cara abierta que inspira confianza
2.- La piel sensual
3.- Dorados atardeceres y
4.- El anhelo de eternidad.

Su vida ha sido digna de ser pintada también: no conoció a su auténtico padre hasta entrar en la cuarentena (se crió con el marido de su madre creyendo que era su padre natural), ha vivido en varios países, ha sufrido el ataque de los críticos por su visión del arte moderna como algo ya caduco, y últimamente vuelve a estar de actualidad al estar inmerso en un proceso judicial por evasión del fisco en Noruega. Y es que, como le dijo al delegado de Hacienda que le comunicaba su enjuiciamiento: "No soy muy bueno con los números. ¿Vd. sabe mucho de la trementina veneciana?¿no? Seguro que no, pero tampoco esperaba que lo supiera".

Parece que finalmente ha sido condenado a dos años de cárcel que nos privarán de verle pintar más cuadros (pinta de cinco a ocho anualmente), pues según la ley noruega no puede hacer ninguna actividad pecuniaria mientras está encarcelado. Eso que nos perdemos.

Acuarela - Ziegfeld girl

2011-12-08T12:35:00.001+01:00

Las Zeigfeld Girls eran un grupo de baile de grandísimo éxito en los EEUU durante tres décadas: 1920, 30 y 40. Era un grupo escogido personalmente por Florenz Ziegfeld, su empresario, que tenía un gran ojo para la belleza femenina y el negocio al mismo tiempo.
Actuaron por todo el país en los mejores escenarios durante muchos años, y la rotación de las chicas era altísima, pues la que no se casaba con un millonario entraba en Hollywood con todos los honores. Sería un equivalente a las actuales "conejitas" Playboy, salvando las distancias, pues las Zeigfeld eran consumadas bailarinas.

De ellas queda un recuerdo imborrable pues han sido protagonistas de varias películas y documentales, y tienen a su favor que durante los 20 y 30 fueron fotografiados por uno de mis fotógrafos favoritos: Alfred Cheney Thompson. Si se me ofrece una foto de A.C. Thompson o 500 de Helmut Newton, escojo sin dudar la de Cheney (¡y eso que Newton me gusta mucho!).
Retrató a casi todas las componentes de la compañia, generalmente en escenarios decadentes, con una luz y un sentido de los tonos (todas son en blanco y negro) que creo que nadie ha superado aún.

En mayo de este año se cumplió el aniversario de la muerte de Doris Eaton Travis , la última superviviente de las Zeigfeld Girls que de por sí daría para una novela con su vida: entró con 13 años en el grupo (fue la más joven en toda su historia), estuvo varios años de tourneé con el equipo, pasó luego a Hollywood a protagonizar varias películas mudas durante los años 20. Con la entrada del cine sonoro se retiró a la enseñanza de la actuación, acabando por dirigir 20 academias. Se casó y se trasladó a un rancho, que pronto amplió, y del que acabaron saliendo grandes caballos de carreras. En 1992 (con 88 años) recibió su título cum laude de la universidad de Oklahoma, pues había retomado sus estudios (sólo tenía la educación básica, pero bien que la fue). En 1997 se reunió con las cuatro últimas supervivientes de las Ziegfeld para inaugurar un teatro en Amsterdam. Ella, con 93 años fue la única capaz aún de bailar.
Murió el 12 de mayo de 2010, con 106 años. Las luces de Broadway se apagaron en su honor esa noche.

Acuarela sobre papel Canson 24x15cm.

WIP - pastel - autorretrato

2011-12-06T12:50:00.001+01:00

Y cómo pasa el tiempo, que de pronto son años...que decía Silvio. Pues eso, desde Septiembre el tiempo se me escapa sin remedio, y el escaso tiempo que dedico a la pintura se ha ido en crear texturas con acuarela y seguir intentando cogerle el truco a pintar con el dedo con tan acuoso medio.

Entre medias, este autorretrato "gigante" que lleva una temporada pegado en la pared esperando que continúe con él. Mide 1mt x 70 cm. y está al pastel...

Fotografía - Casa Mantilla al atardecer

2011-11-22T14:15:00.000+01:00

Nueva exposición de Luis Pérez

2011-11-21T15:56:00.001+01:00

Cuenta Luis Pérez (Valladolid, 1978) que la llegada a la gran urbe cambió su mirada de artista autodidacta. Los colores y la luz londinenses arrasaron los diques que contenían su caudal creativo, liberándolo, lanzándolo a las calles, cegándolo con sus anuncios de neón, sumergiéndolo en los sonidos de una sociedad multicultural, comprometiéndolo definitivamente con el oficio del creador.

Siete años después de iniciar aquella aventura a orillas del Tamesis, que se prolongó durante cuatro años, este licenciado en Historia del Arte por la UVA afronta su enésima exposición en el extranjero en el Kunst 11 Zürich International Contemporary Art Fair, que en su decimoséptima edición acoge a 80 galerías internacionales.

De la mano de la suiza Persterer Contemporary Fine Art, Luis Pérezmostrará Lower East Side/NYC, un acrílico sobre lienzo rematado sólo hace unos días después de más de un mes de trabajo.

Y en enero regresará a Londres para participar en la muestra Winter Show, de la galería Plus One, una de las que han puesto sus ojos sobre el vallisoletano, como la alemana Die Hamburger Galerie, la madrileñaSantiago Echeverría o la suiza antes citada.

"Con internet es más fácil llegar a los sitios, por lejos que estén, pero las galerías siguen siendo fundamentales a pesar de la crisis, porque la gente quiere palpar la obra", afirma el artista, volcado en unos mercados que no son los de su tierra. "En todos los lugares cierran salas, pero fuera hay más oportunidades", advierte.

(El Mundo)

http://www.elmundo.es/elmundo/2011/11/17/valladolid/1321526292.html

Tinta - chismorreos

2011-11-20T08:15:00.001+01:00

Tras un montón de días sin coger un lápiz ni un pincel, ayer pude dedicar casi dos horas a este dibujo en tinta. No hay mucho que explicar, parafraseando a Eddie B.: "It is what it is, just what it is"...

Tinta sobre Canson A4

Sobre el arte

2011-11-10T08:37:00.001+01:00

Cuanto más se esfuerza el mundo exterior por fijar una imagen de quién eres, más difícil resulta seguir siendo un artista. Y por esa razón muchas veces los artistas tienen que decir: "Adiós, tengo que irme. Me estoy volviendo loco y tengo que salir de aquí." Y entonces se van a hibernar a algún otro sitio. A lo mejor después surgen levemente cambiados.

Steve Jobs (de "Biografía de Steve Jobs" por Walter Isaacson)

-- Desde Mi iPhone

Lápiz - Marta jugando con mi iPhone

2011-11-05T22:20:00.002+01:00

Apunte rápido (y de pie) mientras esperábamos...
Lápiz sobre cuaderno A5

Acuarela - pintando con los dedos

2011-11-03T07:15:00.000+01:00

La semana pasada estuvimos bastante ocupados porque Manuela nos pegó un pequeño susto hospitalario que, afortunadamente, se quedó en nada. Pero apenas ha habido tiempo para nada, y mucho menos para pintar. Eso sí, aproveché las largas esperas para leer un par de libros: uno buenísimo sobre fotografía digital, y otro no tan bueno sobre pintura china, del que aún así saqué datos interesantes.

Los chinos han sido grandes pintores desde tiempos inmemoriales, basándose sobre todo en técnicas al agua como la acuarela, la tinta, etc... Su perspectiva es muy diferente de la occidental (se basa en superponer planos de lo que se quiere mostrar, por eso sus montañas siempre aparecen arriba del todo en la hoja, pues lo de abajo se supone que es lo que está más cerca del espectador), y apenas tratan las sombras. Es muy conocida la anécdota de un viajero occidental que regaló un retrato a un emperador chino, el cual al ver aquellas sombras a lo Rembrandt, le preguntó si el retratado estaba enfermo o le ocurría algo, pues no concebía una pintura de ese tipo, acostumbrado a las limpias acuarelas chinas.

En el libro se habla casi exclusivamente de la pintura sumi, con pinceles chinos cogidos en vertical, y otras técnicas bien conocidas. Sin embargo, un punto que me llamó la atención era que se usaba la pintura de acuarelas CON LOS DEDOS. "Ésto no lo he probado" me dije. Así que ayer cogí papel y pintura, y hala, a manchurrear.

El papel no debe ser muy absorbente, para que nos permita desplazar la acuarela por el mismo (mejor un Canson, aunque lo odio, que Fabriano o demás), y tampoco hay que echar demasiado pues se encharca todo y se vuelve ingobernable. Lo bonito es que deja unas texturas muy interesantes, unos colores muy limpios, y que, como es habitual en la acuarela, al final es ella la que hace lo que le da la gana.

Acuarela sobre Canson A3

Fotografía - puente romano de Simancas

2011-10-23T07:38:00.000+02:00

Ayer celebrábamos el cumpleaños de mi madre Pitita, y nos juntamos todos los hermanos con mujeres, niños, y todo lo que les acompaña para comer en Boecillo. Cuando volvíamos a tomar algo en un merendero de Simancas, vimos esta vista desde el puente que cruza el río en dirección a Simancas: el río plano como una balsa reflejándolo todo, y al fondo sobre una ladera, el pueblo con su puente romano bajo él.
Un día bien aprovechado: tertulia con madre y hermanos, y una vista maravillosa.

Rotuladores - practicando un poco

2011-10-19T13:33:00.001+02:00

El otro día leí un librito sobre técnicas de rotulador aplicadas al diseño. Así que raudo corrí a "robarles" a mis niños sus Stabilo para, junto a los Chroma que compré hace años a EEUU (carísimos) de color gris, ponerme a garabatear un poco. Usé los colores gris 50%, marrón oscuro, y ocre.

Os lo dejo, no por su valor artístico, sino por si os animáis a lanzaros con los rotus.

Rotulador sobre papel A3

Acuarela - paisaje

2011-10-14T12:48:00.001+02:00

Un apunte rápido en la sesión del viernes pasado, antes de pintar a Mª. Ángeles.
La acuarela está llena de "coliflores", atentando contra todas las normas básicas de la acuarela, pero ¡siempre me han encantado!
Los colores están mucho más diluidos de lo que suelo hacer, así que voy a empezar a probar a pintar con tubos "frescos", en vez de llenar cartuchitos, que luego nunca hay forma de que el pincel coja mucha materia.

Acuarela sobre Canson A4

Ilustrando a Emilio Salgari

2011-10-11T21:55:00.001+02:00

No sé si conocéis al grandísimo Emilio Salgari, uno de los escritores de novelas más conocidos en el mundo. Fue capaz de crear personajes que perduran hasta nuestros días, y de describir paisajes y aventuras en lugares exóticos ¡sin abandonar nunca su ciudad italiana!

Cuando yo tenía 8 años, los Reyes Magos me dejaron bajo el árbol dos pequeños libros suyos: "El desquite de Yáñez" y "El castillo de Clairmont". El segundo no lo abrí hasta mucho tiempo después, pues por alguna razón no quería leerlo no fuera que no cumpliera con el nivel tan altísimo que me dejó el primero. Y es que ¿cómo no quedarse toda la noche sin dormir leyendo un libro en el que hay pasajes secretos, árboles gigantes ahuecados, persecuciones por la jungla, tiroteos desde altas torres? Con ellos nació mi amor por la lectura. Ambos libros acabaron tan sobados que se desencuadernaron y fueron perdiendo las páginas hasta que hubo que tirarlos, así que he comprado online las mismas versiones que tuve en su día. Un verdadero placer releer una vez más (¿la vez ciento veinte?) estos libros. Y comprobar que las ilustraciones de Luis Vigil siguen siendo tan fantásticas como las recordaba.

"El desquite de Yáñez" pertenece a la saga de "Los tigres de Mompracem", donde Sandokán y sus piratas de la Malasia viven innumerables aventuras junto a otros grandes personajes: Yáñez el portugués, Kammamuri, la Rhani (mujer de Yáñez), la Perla de Labuán (el amor de Sandokán), Timul el Rastreador, el Rajaputra. Siempre todos ellos contra Shandia, el Rajá loco y alcoholizado...

Supongo que ahora ni se habla de estos libros en los colegios, no sea que los niños se traumaticen o sea políticamente incorrecto, pues en ellos muere un montón de gente (a veces de formas espantosas), se matan un montón de animales: cocodrilos, elefantes, caballos a cientos, pájaros, y todo lo que se mueve. Entonces no importaba que en la descripción de una batalla se contara que la gente muere, o que si te atrapan prisionero, tienes altas probabilidades de que te den matarile sin preguntarte si te traumatiza. O que se usaran los caballos para provocar una estampida y así proteger una trinchera, metiéndoles ceniza ardiendo en los oídos. Hoy en día los anti-caballunos se pondrían hechos unas fieras.

Bueno, pues tras releer "El desquite de Yáñez" me han entrado ganas de ilustrar uno de los pasajes más interesantes de la novela: la lucha en una vieja torre mongola erigida en mitad de la jungla, donde se han refugiado Kammamuri (el personaje principal), su guardaespaldas Rajaputra, Timul el Rastreador, y un gurú de una pagoda que han encontrado en el transcurso de la aventura que están viviendo. En esa torre se entabla un tiroteo en el cual los héroes acaban con unos cuantos bandidos que los están asediando. Me hace gracia que los "buenos" hacen uso de malicias que la Convención de Ginebra no admitiría: Kammamuri mata al capitán de los bandidos cuando se acerca a parlamentar bajo la promesa de un saco de arroz.

Así que llevo unos días dibujando a los personajes según yo los "veo" en mi imaginación según leía el libro, y es curioso: no creo imágenes definidas de los personajes de los libros que leo. Son imágenes difusas, casi iconos, pero muy claros en mi mente. Así que trasladarlos al papel es casi imposible, por lo que acudo a una mezcla de la descripción de Salgari y mi propia mente.

Están hechos con lápiz, y algunos coloreados con ceras plásticas de las de los niños (Plastidecor o Jovi), que dan unos tonos muy chulos de vez en cuando... Siento la distorsión en perspectiva de las fotos, pero aún están clavados los dibujos al tablero. Según avance con la ilustración definitiva iré poniendo más imágenes.

Lápiz y crayons (ceras plásticas) sobre papel A3.

Técnica mixta - Gonzalo H.

2011-10-10T14:09:00.001+02:00

Uno de los encargos que recibí después de la exposición (a commision que dicen los angloparlantes): un retrato basado en la técnica que usé para los retratos de mi familia, y que realicé con una fecha de entrega bastante apretada. Parece que ha gustado mucho, lo cual me afianza en que ya he cogido cierto tino al retrato...

Siento no tener mejor foto (está distorsionada por arriba, y los blancos muy saturados), pero fue la que saqué con el móvil justo antes de ver al cuadro irse para siempre de mi lado...

Técnica mixta sobre papel Cardesín (70x60cm)

Cómo dibujar un búho

2011-10-09T14:15:00.000+02:00

Siento no saber de quién es ésto que circula por internet, pero me encanta y por eso lo muestro. Hace un gran humor de los clásicos libros de dibujo:

1.- Draw some circles (dibuja algunos círculos)
2.- Draw the rest of the ****ing owl (dibuja el resto del p*to búho).

Dibujo automático

2011-10-08T13:03:00.000+02:00

Hace tiempo compré un libro de Steven Aimone ("Expresive Drawing") que leí en su momento y aparqué después, pues no me pareció nada del otro mundo. He vuelto a darle otra oportunidad, y lo estoy leyendo con otra visión. Ya se sabe que los libros, como las películas y el arte, depende mucho también del momento en que se leen/ven/observan.

He aprovechado para hacer con el alba de cada día (los baños de Manuela y el cansancio general no me dejan otro momento) los ejercicios que va proponiendo el libro, y lo cierto es que me estoy divirtiendo mucho.

Los primeros ejercicios son muy básicos: dejarse llevar y pintar lo que la mano quiera (de ahí lo de "automatic drawing") sin prestar mucha antención. Se pueden cerrar los ojos incluso, o pintar con la mano opuesta a la habitual. Bien, estos ejercicios son bastante simples y no dan mucho juego.

Pero a partir del segundo capítulo la cosa se anima, y entra la diversión: incluir escritura, figuras comunes a tu universo, etc... (similar a lo que Basquiat hacía). Y ahí si que empiezas a divertirte de verdad. De hecho, en el primero de los dibujos que os muestro (70x50cm), he empleado mucho tiempo pintando, cubriendo, volviendo a pintar, recubriendo de nuevo...y parece que lo primero que escribiste o pintaste al fondo no sirve de nada, pero tú SABES QUE ESTÁ AHÍ. Y da una sensación reconfortante, no sé por qué...

Técnica mixta sobre papel Cardesín y políester.

Acuarela diaria - Paul Gauguin

2011-10-04T18:48:00.000+02:00

Antes de comentar la historia de Paul Gauguin, un pequeño apunte sobre la acuarela: en las sombras he experimentado con dos colores: siena natural y azul prusia. Casi siempre los había usado muy aguados, dando lugar a una especie de verde muy interesante. Al ponerlos hoy casi empastados, han dado lugar a un negro muy, muy bonito (véase el bigote, etc... del amigo Gauguin). Habrá que seguir experimentando...

En la última entrada hablaba de un cuadro de Paul Gauguin, quizás el habitante más famoso de las islas que tanto frecuentaron los expedicionarios de los que hablaba recientemente James Cook y La Perouse.

Paul Gauguin es famoso por dos cosas: por sus cuadros de hatitianas, y por haber sido compañero de Van Gogh durante una corta temporada, que acabó como el Rosario de la Aurora.

Gauguin nació en París en 1848 aunque muy pequeñito se trasladó a Perú donde vivió seis años, pues su madre tenía familia en Lima. Siempre recordaba con nostalgia esos años, y hablaba de visitar España, cuna de sus antepasados.

Inicialmente no tuvo gran interés en la pintura: se dedicó a trabajar como marino mercante y de guerra, recorriendo gran parte del globo, y posteriormente como buen burgués trabajó de agente de bolsa en París, casándose y teniendo cinco hijos. Es entonces, ya entrado en la treintena cuando se aficiona a la pintura, primero como coleccionista y luego como pintor. De hecho, pasa a estar tan obsesionado por la pintura que abandona todas las comodidades, familia y trabajo, para dedicarse en exclusiva a ella.

En 1886, pobre como una rata, se marcha al pueblo Pont Aven, donde se encuentra con una comunidad bastante grande de artistas, entre los que se encuentran Van Gogh, y Emile Bemard que será su gran amistad en la pintura. Intenta pintar "como los niños" como hacía entonces Rousseau con su naïf, pero de una forma más realista. En 1887 se marcha a Panamá con Laval a trabajar en la construcción del Canal de Panamá, donde enferma gravemente. Recala en la Martinica, donde empieza a pintar en el que será su estilo más reconocido llamado sintetismo (el pintor busca plasmar lo que guarda su memoria de un hecho real, pasado por el filtro de su personalidad y eliminando los detalles superfluos), neoimpresionista y de gran impacto en los fauvistas y los Nabis.

Vuelve a París ese mismo año, donde conoce a Theo Van Gogh y a su hermano Vincent. Theo hace de marchante de Gauguin, dándole cierto respiro económico, y Vincent propone que pasen juntos las Navidades en su casa de Arles para crear juntos. La convivencia es difícil (Van Gogh tenía problemas psíquicos, pero Gauguin debía ser un puñetero de mucho cuidado, criticando continuamente la obra de Vicent y su personalidad). Tras dos meses de continuas discusiones, personales y artísticas, tienen una pelea en el curso de la cual Van Gogh echa mano de una navaja de afeitar y acaba rebanándose el lóbulo de la oreja (no TODA la oreja, como mucha gente cree). La pelea tenía un origen más mundano: los dos estaban enamorados de la misma prostituta, por lo que la pintura no tuvo nada que ver. En 2009 surgió una nueva tesis: fue el propio Gauguin el que le cortó un trozo de oreja con su sable a Van Gogh, variando luego ambos la versión de lo ocurrido para no meterse en líos.

Gauguin escapa a París después de este episodio, pero se encuentra sin un euro en el bolsillo. Participa en una exposición "Impresionista y Sintetista" que es un gran fracaso. No vende ni un cuadro de todo lo que pinta, así que monta una subasta con los cuadros que le quedan para poder pagar un pasaje a Tahití. No se vende mal, e incluso Degás compra una de sus obras.

Se embarca así en 1891 hacia Tahití, paraíso terrenal ya colonizado por los franceses, que han extendido sus enfermedades y prostituido la bonhomía de sus habitantes. Gauguin hace que salga a recibirlo el embajador francés en Papetee como si en vez de un hombre arruinado y enfermo fuera un enviado del Gobierno Francés (ya digo que era un poco puñetero), y tras una primera época en la que actúa como un colono más (llega a decir: "estos tahitianos son mansos hasta la necedad") poco a poco el espíritu nativo cala en él.

Se deja querer por las cariñosas polinesias ("cada noche encuentro una muchacha diferente en mi cama, como poseídas por el demonio") y se echa una novia de 14 años (Annah) que lo acompañará a París en su siguiente vuelta a la metrópoli. Dedica todo su tiempo a pintar y a tratar de rescatar parte del legado cultural polinesio: hace una serie de esculturas en madera de los dioses tahitianos, de las que pocas sobrevivirán al pintor. Pero su vida no es ningún paraíso: además de la sífilis que le pegaron las amables indígenas, sufre una enfermedad en los ojos, además de diarreas y vómitos de sangre. Escribe al Gobierno Francés pidiendo su repatriación, que le es concedida.

Vuelve así a París en 1892, y la fortuna parece sonreírle: una exposición en Copenhague es un éxito, recibe una herencia de su tío Isidoro que le permite una vida desahogada, y su salud empieza a mejorar gracias a los hospitales parisinos. Sin embargo, tras dos años de recuperación, vuelve a dirigirse a la Polinesia, con un tobillo roto tras una pelea con marineros bretones (a sus años...) y habiendo pintado algunos cuadros con motivos tahitianos en su estudio parisiense.

En vez de quedarse en Papetee, se dirige a un pequeño pueblo del interior, donde sigue pintando. La buena racha se pasa: a su sífilis se une un alcoholismo galopante, y la bancarrota total. Incluso se permite rechazar una subvención francesa por considerarlo "una limosna" (lo que hablaba el otro día del artista y lo invendible). Además, las chicas polinesias ya no le dedican sus favores, pues es un hombre irascible y enfermo. Ésta última parece la razón de su migración a las Islas Marquesas en 1901: recuperar el favor de las chicas bonitas yendo a territorios nuevos. Los seguidores de Gauguin hablan de su "búsqueda de nueva inspiración" en los paisajes de las Marquesas.

Sea cual fuere la razón, Paul empieza a tener ganas de volver a su Europa natal: su salud se ha deteriorado tremendamente, casi no tiene fuerzas para pintar, una de sus hijas "europeas" ha muerto (ha tenido otra con Pau'ura, una joven de la isla), y se siente solo en esa tierra. Por si fuera poco, contrae la lepra (parece que el hombre atraía las enfermedades) e intenta suicidarse. Nunca volverá, pues el 8 de mayo de 1903 muere en Atuona con 55 años.

Gauguin dijo algo que reformularía después Picasso: "El arte es un plagio o una revolución".

Acuarela sobre Fabriano 12x18,5cm.

Acuarela diaria - Mujeres tahitianas en la playa (Gauguin)

2011-09-29T14:10:00.000+02:00

Estos días he estado hablando de los dos principales descubridores de atolones e islas del Pacífico (me dejo en el tintero a un montón de franceses, españoles, portugueses y holandeses), y como Tahití era puerto de obligado refugio en sus viajes.

Y es que Tahití tenía todo lo necesario para reabastecer los navíos que en ella recalaban, y dar un merecido descanso a sus tripulaciones: abundante agua, comida de todo tipo (animales y frutas) y...mujeres.

Las mujeres tahitianas tenían entonces fama por su exotismo y por ser muy cariñosas, y es que no es que existiera el amor libre como tal, pero las normas sociales hacían que la promiscuidad no fuera mal considerada. Si añadimos que el clima hacía que se desarrollaran antes que en Europa, no es extraño que se recibiera en cada barco con vítores la noticia de que se enfilaba hacia estas islas.

Uno de los que se instaló en ellas, viviendo unos años muy felices, fue el pintor Paul Gauguin. En ellas hizo su producción más famosa, retratando a las lugareñas y la vida en Tahití, incluyendo la luz y el colorido local de una forma que nadie había hecho jamás.

Este cuadro lo hizo en el primero de sus viajes, y retrata a dos jóvenes isleñas, una con el traje tradicional y otra con una camisola misionera. Posteriormente hizo otras versiones del mismo (cambiando la camisola por pareos, etc...), pero siempre dentro del mismo estilo "cloisonismo" (bordeando de negro el dibujo) de vivos colores. Las figuras aparecen gruesas, no se sabe si como licencia estética o porque realmente eran así las retratadas, y utiliza una perspectiva muy forzada, casi "naif" para reflejar ambas figuras.

Obviamente, es complicado en acuarela pintar los colores de un cuadro de este tipo, peroooooo...había que rendir homenaje a las tahitianas ;-)

Acuarela sobre Fabriano 12x18,5cm.

Acuarela diaria - James Cook

2011-09-28T14:10:00.002+02:00

Ayer hablábamos de La Perouse, y como su expedición estuvo desde el inicio conidicionada por la que años antes había realizado otro gran explorador a quien el francés admiraba: el capitán James Cook.

Cook nació en 1728 en North Yorkshire, en una familia pobre de ascendencia escocesa. Aprendió los rudimentos de la navegación en los barcos que transportaban carbón al Mar del Norte. Pronto se alistó en la Navy como simple marinero, participando en la Guerra de los Siete Años (como La Perouse) y especialmente se distinguió en la toma de Quebec (Canadá) a los franceses.

Posteriormente la Sociedad y la Navy le pusieron al mando de una expedición astronómica cuyo objetivo era ver el paso de Venus delante del sol desde Tahití. Ello permitiría una medición exacta de la distancia de la Tierra al Sol.

Partió con su nave, el Endeavour (del cual tomó el nombre el transbordador espacial), desde Inglaterra, recalando en Río de Janeiro y posteriormente en Tahití. Se hizo la medición prevista (que posteriormente se descubrió que era prácticamente inservible, no por culpa de la medición, sino por la poca fiabilidad de la instrumentación), y una vez cubierto el objetivo se lanzó a por el "objetivo secundario": reclamar para la Corona inglesa todos los territorios posibles.

Así, pronto Nueva Holanda pasó a ser Australia y miembro de la Commonwealth (había sido descubierta por los portugueses y cartografiada por españoles, pero no le importó mucho), Nueva Zelanda (descubierta por los holandeses), Tasmania y varios atolones del Pacífico.

A su vuelta a Inglaterra fue colmado de honores, y pronto estaba preparando su segunda expedición, destinada a ver si más al sur de Australia podía encontrarse tierra habitable. Llegó a unas 75 millas de la Antártida antes de dar media vuelta y dirigirse a Nueva Zelanda, con la conclusión de que no había nada que ver aparte de bloques de hielo, más al sur de Australia. A su vuelta al Reino Unido de nuevo se le rindieron toda clase de honores, pasando a ser Miembro de la Real Sociedad, la más alta distinción para un científico-explorador-cartógrafo.

Pero Cook no podía estarse en tierra firme mucho tiempo. Lanzó una nueva expedición en busca del pasaje del noroeste, un mito según el cual podía pasarse de Europa a Asia a través del norte de América. Partió en 1776, circunvaló África y la India, atravesó el Estrecho de Cook (Nueva Zelanda) y desde allí navegó por toda la costa americana hasta el Estrecho de Bering, donde fue detenido por el hielo. Viendo la imposibilidad de continuar se dirigió de nuevo al Pacífico.

En este último viaje tuvo serios problemas con su tripulación. Tradicionalmente el capitán de navío de la época era poco dado a condescendencias con su tripulación, y el látigo y los castigos estaban a la orden del día. Cook era un carácter fuerte que sabía imponer sus decisiones: hizo que sus hombres comieran choucrout y cítricos en cantidad para prevenir el escorbuto, muy habitual en la época en los barcos debido a la falta de vitaminas de las verduras y frutas frescas. Sin embargo esta medida no fue bien recibida por la tripulación, a pesar de que no hubo un solo caso de escorbuto en ninguno de sus viajes. En el último viaje James Cook sufrió alguna clase de enfermedad que le alteró, haciendo más inhumano el trato a sus hombres y tomando algunas decisiones equivocadas. La última de ellas le llevó a la muerte.

El 14 de Febrero de 1779, habiendo recalado en Hawaii, unos indígenas robaron un esquife de Cook. Entre los tahitianos el robo era el pan nuestro de cada día, y no se consideraba algo inmoral. Sin embargo, los británicos no pensaban igual, y generalmente se capturaba algún prisionero hasta que lo robado aparecía. Cook se dispuso a capturar al rey de la isla (se le oyó decir: "Siento que estos indígenas me van a obligar a hacer algo violento. No podemos permitir que piensen que quedan por encima de nosotros"), lo cual sentó bastante mal a su pueblo. Del "huy lo que me ha llamado" se pasó al "eso no me lo dices tú en la calle", y pronto estaban los ingleses pegando mosquetazos a diestro y siniestro, y todos los indígenas lanza y cuchillo en mano. Cook cayó acuchillado y parece que se practicó algún tipo de canibalismo con él. Posteriormente su tripulación pudo rescatar el cuerpo, separando la carne de sus huesos como era tradición, para que éstos fueran sepultados en el mar (la carne se quemaba, por si algún morboso tiene interés).

El capitán James Cook fue uno de los grandes descubridores de la historia, y gran parte de los grupos de islas del Pacífico fueron descubiertos y cartografiados por sus expediciones. Amplió enormemente el conocimiento que se tenía de la zona, y allanó el camino para futuras expediciones y asentamientos.

Acuarela sobre Fabricio 12x18,5

Acuarela diaria - La Perouse

2011-09-27T16:02:00.000+02:00

En una entrada anterior os hablaba de cómo las hormigas acudían a comerse mi acrílico al igual que le había sucedido 300 años antes al ilustrador de La Perouse, célebre descubridor y cartógrafo francés. Este hombre, equivalente a los fotógrafos del National Geographic actuales, se quejaba amargamente de que las moscas acudían a comerse el gouache y no le dejaban trabajar. ¡Y es que el gouache es tan rico, con ese sabor dulzón y ese olor maravilloso!

Jean FranÇois de la Pérouse nació en 1741 en Albi (Francia), y como era tradición en aquella época entró desde muy jovencito como guardamarina en un navío de guerra, participando desde ese momento en algunas escaramuzas con naves inglesas (nos encontramos en pleno apogeo de la guerra de los Siete Años). A los 18 años es hecho prisionero por los británicos del famoso Hawke en la batalla de los Cardenales en Quiberon (Bretaña francesa).

Tras ser liberado participa en distintas acciones guerreras ascendiendo gradualmente en la jerarquía naval. Pronto tendrá el mando de su propio velero tras distintas batallas en la Guerra de Independencia americana, pues Luis XVI se fija en ese oficial que es gran navegante y valiente guerrero a la vez.

Por ello, poco tarda el monarca en dejarse convencer por su ministro de marina, el mariscal Castries, para dejarle liderar una expedición destinada a entrar en la historia de la navegación. Con objetivos muy ambiciosos, tanto políticos, como científicos, pues debía "descubrir todas las tierras que escaparon al capitán Cook". Esta expedición, formada por las naves L'Astrolabe (el Astrolabio) y La Bussoule (la Brújula) debía partir en 1785 y durar cuatro años, y dando la vuelta al globo partiendo de Brest, identificar y tomar posesión para Francia de cuanto territorio hallasen.

Los ingleses dieron vía libre a la expedición, a pesar de encontrarse aún en guerra con Francia, pues La Perouse era respetado también entre los británicos por sus actos de humanidad durante la Guerra de Independencia Americana, respetando las posesiones de los ingleses huidos. Incluso se le regalaron dos brújulas utilizadas ocho años antes por Cook, a las que La Perouse veneraba.

La leyenda dice que había más voluntarios que puestos libres en la expedición, por lo que el ingreso fue filtrado rigurosamente, siendo uno de los eliminados un joven oficial de artillería llamado Napoleón Bonaparte. No he podido contrastarlo debidamente...

Una vez zarpado de Brest y pasado el Cabo de Hornos, se bordeó todo el continente americano, navegó por Japón y todo el Pacífico, sucediendo diversas desgacias: las olas volcaron varios botes en Alaska ahogando a varios marineros, los indígenas de las islas Tuitula (Samoa) atacaron a los que desembarcaban acabando con una docena de oficiales y tripulación... hasta que ocurrió la gran desgracia (que acabó de inscribir su nombre en la historia).

El 10 de marzo de 1789 zarparon de Australia, informando de su regreso a Francia en junio. Nunca regresaron. El misterio duró varios años, pues la Revolución Francesa impidió enviar expediciones de rescate, y no aparecían restos de naufragios. Seis años después se enviaron buques a saber qué era de las naves francesas, y avistaron diversas señales de humo en la isla de Vanikoro (Salomón), pero no pudieron desembarcar. Posteriormente, en 1826, un navío irlandés encontró en Tikopia (islas Santa Cruz) objetos que parecían pertenecer a la expedición, incluyendo una funda de daga con las iniciales de La Perouse. Habían sido intercambiadas con los indígenas de Vanikoro.

Estos indígenas contaron que años atrás un barco había encallado en los arrecifes, y que su compañero había sufrido igual suerte al acudir en su auxilio. El primero (La Bussoule) se hundió con su tripulación, pero el segundo había permitido rescatar distintos materiales para hacer una balsa en la que se hicieron a la mar sus tripulantes, excepto un "jefe" y su criado que se quedaron en la isla Vanikoro. De ninguno de ellos se supo nada jamás. Sin embargo, en la isla continuaron los hallazgos de objetos del Astrolabe, y finalmente en 2005 se identificó y autentificó formalmente el pecio del Astrolabio en la isla Vanikoro, dando fin así al enigma de uno de los grandes descubridores de la era dorada de la navegación.

Acuarela sobre Fabricio 12x18,5

Cierre de la exposición

2011-09-26T12:03:00.000+02:00

Ayer fue el último día en que estuvo abierta mi exposición (y todavía a última hora hubo quien se acercó a verla), y no puedo estar más contento. A todos los niveles.

En lo personal, por la cantidad de gente que ha acudido a ver mi humilde exhibición (en su día, cuando Eduardo Alvarado me preguntaba por qué me había lanzado a pintar, yo le comentaba que uno de mis objetivos vitales era que al menos una vez en mi vida, alguien se acercara sin que yo se lo pidiera a ver un cuadro mío colgado; bueno, pues el objetivo se ha cumplido mucho más de lo que nunca hubiera soñado).

En lo artístico, porque por delante han pasado un montón de artistas de los que realmente saben. Isabel, Carlos, Santiago, Clemente, Juan, Luis, Conchy, César, Mª Ángeles, Pedro, Cristina, y muchos más... artistas que en muchos de los casos viven de la pintura, y en otros, dedican gran parte de su tiempo a ella. Y además entre todos me han animado mucho, y los que tienen más confianza me han dicho lo que les gustaba y aquello mejorable, algo que siempre se busca también mostrando tu obra.

En lo comercial, porque han surgido unos cuantos encargos remunerados, que con la que está cayendo siempre vienen bien, aunque no era el objetivo de la exposición. Así, otro objetivo vital: que algún día alguien pague por tener una obra mía colgada en su pared, que ya había cubierto el año pasado se reafirma. Si a eso añadimos que gente involucrada en galerías y demás se ha interesado también por lo que ha visto ¿qué más puedo pedir?

Ahora ya a pensar en la próxima (o próximas), pues hay varias buenas ideas circulando, y alguna puede ser un bombazo. Ya iré contando ;-)

Bueno, también a descansar una temporada, a recuperar el contacto con todos los blogs en los que suelo comentar pues no he tenido tiempo estas últimas semanas de entrar en ninguno, a volver a pintar diariamente, a actualizar mi blog con regularidad, a adelgazar un poco tras tanta vida social, y sobre todo, a pensar hacia dónde me dirijo. ¿Qué quiero hacer realmente?¿Dónde quiero posicionarme en el esquema que publiqué el otro día?¿Qué más quiero aprender?

Muchas gracias a todos los que habéis tenido a bien acercaros a mi humilde exposición (como Carlos , gran fotógrafo, que se fotografió frente a un óleo), y a los que habéis llamado interesándoos por la misma; os dejo con unas fotos y un video para los que no la habéis visto.

De lo ideal para vivir de la pintura...

2011-09-12T13:41:00.000+02:00

El otro día mantuve una interesante conversación con otro dibujante, sobre los distintos tipos de pintores, exposiciones y amateurismos. Como conclusión, pinté este gráfico en una servilleta para ilustrar lo que quería decir:

Antiguamente los pintores trabajaban bajo pedido, y era extraño aquel que pintaba frecuentemente para su propio placer. También existían los que pintaban lo que les apetecía, e intentaban venderlo luego (caso de los flamencos, por ejemplo). Además, todo pintor reconocido tenía su taller en el que albergaba a aprendices o a pintores menos diestros que el "titular", ofreciendo trabajo aunque no reconocimiento. De esta forma, los pintores rara vez pintaban los temas que les podían interesar, y se volvían especialistas en aquello que se les daba bien y tenía mercado (Claudio de Lorena y sus paisajes, los pintores de corte, etc...).

En nuestros días el tema está más complicado (y eso que no me meto a tratar la globalización). El número de artistas se ha incrementado mucho (movidos en gran medida por las cifras que manejan los que llegan a algo, y por lo poco exigente de los actuales programas de Bellas Artes), y los talleres ya no existen. Los encargos se encuadran casi exclusivamente en el ámbito institucional (proyectos subvencionados, obra para instituciones, etc...), y en el sector privado la práctica más común del pedido es el retrato, y aún así tampoco da para vivir a todos los pintores. Así, casi todos los artistas que quieren vivir de su pintura recurren a exposiciones en salas privadas que realizan una labor comercial con sus cuadros. De este modo, el pintor se despreocupa de la venta, y el intermediario coloca sus cuadros a cambio de una comisión.

Pero este modelo tiene la misma dificultad que el usado por los antiguos artistas: no basta con pintar bien, hay que hacer lo que el mercado demanda; máxime cuando tu intermediario (la sala de exposiciones) necesita facilidades para colocar tu obra. Así, si a ti te encanta pintar ratones muertos y no hay nadie a quien le guste ver un cuadro de ratones muertos, los galeristas te irán abandonando. Ésto no tiene mayor importancia si no pretendes vivir de tu arte ("lo invendible" en el gráfico: hago lo que me gusta y que se me da bien, pero a nadie más le interesa). Y hoy en día que se lleva el "Artista" con mayúsculas, no dispuesto a alterar ni una coma su discurso porque su interior atormentado es lo más, aparecen multitud de estos casos.

Hay también quienes están trabajando en temas que no son sus favoritos, pero venden todo lo vendible ("lo comercial"). Me viene a la cabeza Kinkade en el mundo de la pintura, y muchos músicos de radio fórmula. Han escogido vivir de lo que les gusta, aunque no se sientan del todo realizados pues no tocan los temas que les apetecería, o con la calidad que ellos saben que podrían alcanzar. Sin embargo, pueden dedicar tiempo a lo que les interesa una vez acaban su dedicación diaria a los temas que les dan de comer, con la tranquilidad de tener las facturas pagadas.

También están quienes dedican mucho tiempo y esfuerzo a su arte, en temas que además son del agrado del público. Pero lamentablemente no tienen la técnica suficiente para pasar al siguiente nivel o vender sus obras, por lo que se quedan en "lo amateur".

Por último, la intersección de lo que se sabe, lo que se ansía, y lo que el mercado quiere sería lo ideal: es el caso de un Antonio López, por ejemplo. A lo que todos aspiramos y suspiramos, "puros", "comerciales" y "amateurs". Inalcanzable en la mayoría de los casos.

Es curiososo porque además cada miembro de una de estas clases mira a los demás de reojo: "ése es un vendido" dice el artista "puro" que no consigue vivir de su pintura, de otro colega que lo vende todo pero no hace lo que realmente le apetece; "ése es un aficionado" dicen los que saben del que no, pero que es completamente feliz con su arte; "ése va de purista pero no vende un cuadro" dicen del que no es capaz de cambiar una pincelada de su obra, a pesar de que así podría venderla...

En fin, lo pongo como curiosidad porque a nosotros nos sirvió para reírnos un rato (estuvimos colocándonos cada uno donde nos veíamos en estos diagramas de Venn), y espero que no me haya salido un post demasiado filosófico, pues tan sólo es un divertimento.

Mañana os cuento que tal la inauguración de mi exposición...

Exposición - no me lo puedo creer...

2011-09-06T12:27:00.000+02:00

Permitidme que haga un poco de ejercicio de alimentación de mi ego artístico, porque aún no me lo creo:

¡Alex Kanevsky ha entrado en el evento creado para mi exposición en Facebook, a desear suerte! Ya sé que hacer una entrada en el blog sólo para alardear es una bobada, pero como para mí significa muchísimo que uno de los artistas a los que más admiro dedique aunque sea un segundo de su tiempo a escribir ese mensajito, me deja completamente feliz. Me ocurre igual que cuando Jeffrey C. Jones comentó con una escueta frase un dibujo de Juankar Cardesín: "Bonita cabeza"; me pareció el reconocimiento más grande que se podía hacer al bueno de Juankar. Máxime cuando encima es la única vez que he leído a J.C. Jones alabar algún trabajo sin ser entrevistas.

Para los que no lo conozcáis, Alex Kanevsky es uno de los pintores más conocidos actualmente en EEUU y fuera de sus fronteras. Es de origen lituano, y tiene un estilo muy característico basado en el "desenfoque" de los motivos del cuadro.

Kanevsky siempre me ha encantado porque su técnica se acerca mucho a como me aproximo yo a cada cuadro (obviamente el resultado final de mi proceso está a siglos de distancia del suyo): no hace apenas mediciones, simplemente va a ojo porque cada "error" añade algo al resultado final, siempre hay que experimentar algo nuevo en cada cuadro (yo ésto lo llevo a rajatabla), etc... Si podéis entrar en su página veréis el porqué de su consideración de joven maestro, el porqué de la cotización de sus obras, y por qué es uno de mis ídolos.

Visto últimamente - Lorenzo Mónaco

2011-09-06T12:07:00.000+02:00

Siento no actualizar últimamente, pero ando bastante liado con el tema de la exposición, y apenas he podido pintar ni apenas leer nada relacionado con arte. Sin embargo, si he podido echar un vistazo a la obra de un pintor del que no conocía nada, y que me asombra por su dominio del dibujo: Lorenzo Mónaco.

Lorenzo Mónaco nació como Piero di Giovanni (también se le conoció como "Lorenzo, el monje") y cambió su nombre al entrar en la orden de los camaldulenses, como es tradición. Había nacido en Siena (hay dudas sobre este punto) en 1370, y pronto entró a trabajar en el taller del pintor Agnolo Gaddi. Sin embargo, al incorporarse a la vida monacal, orientó sus trabajos a las miniaturas y la iluminación de manuscritos, una de las principales aportaciones de la Iglesia a la cultura mundial pues permitió la supervivencia de gran cantidad de libros que se hubieran perdido de otro modo.

Tuvo su propio taller de pintura en tela, e incluso de fresco, fuera del monasterio, y a partir de 1404 se incorpora a la nueva corriente gótica (de Gótico, no de que se pintara la cara de blanco con lágrimas negras y fuera vestido como un vampiro suspirando por las esquinas), dando mayor naturalidad a sus obras, fuertes colores, y siempre temática religiosa.

Tiene una obra muy prolífica, y se conservan la mayoría de sus cuadros y frescos, casi todos en museos de primer orden hoy en día.

Lorenzo es un maestro del dibujo: sus rostros tienen una naturalidad inusual para la época, y su tratamiento de los ropajes es, sencillamente, increíble.

Cuando murió en 1425 (algunos dicen que 1430) dejó sin terminar un Descendimento, que fue posteriormente rematado por Fra Angélico. De hecho, Lorenzo fue una gran influencia para este último.

¿Qué me ha impresionado de Lorenzo de Mónaco? Especialmente el primer cuadro que acompaña a este texto: esa fusión de la escena que está contando (la Resurrección) con todos los pasajes que han llevado hasta ese punto, me parece un ejercicio increíble de síntesis. Podemos ver el corte de oreja que hizo San Pedro la noche que se llevaron a Jesús, el pago a Judas de 30 denarios, las manos de Poncio Pilatos en el momento de desentenderse del cautivo, el beso de Judas, la lanza de Longinos, la vara con la que el escriba golpeó a Jesucristo. Y luego otros elementos que no logro ubicar: ¿el sorteo de la túnica de Jesús a la pajita más corta (creo recordar que fue a los dados)?¿qué es ese cisne herido en la parte superior - fantásticamente pintado?

Tindersticks - Tiny tears

2011-08-22T21:38:00.001+02:00

Este verano cuando salía a pintar al campo, sólo he escuchado dos cosas: todas las versiones habidas y por haber del "Hallelujah" de Leonard Cohen (las mejores, la clásica de John Cale, una versión fantástica de Sheryl Crow y la de mi adorado Dylan; muy famosa la de Jeff Buckley pero para mi gusto se mira demasiado el ombligo en esta canción, está mejor en otras), y a los Tindersticks fantásticos siempre. Parece mentira que en España sean tan poco conocidos.

Y es que la voz de Staples entronca también con la de Cohen, Dylan, Morrison... un auténtico placer llevarlos siguiendo desde el 91.

Lápiz - magnolio

2011-08-21T18:28:00.001+02:00

Nueva versión del magnolio.

Lápiz sobre A3

Próxima exposición - 13 al 25 de Septiembre

2011-08-17T13:52:00.000+02:00

Acuarela - Cadete alemán 1903

2011-08-15T12:49:00.000+02:00

Acuarela sobre Canson 23x32,5cm

Acuarela - oficial confederado

2011-08-13T15:00:00.001+02:00

Acuarela sobre Fabriano 24x32cm.

Técnica mixta - autorretrato

2011-08-11T20:22:00.002+02:00

Para finalizar la serie dedicada a mi familia, mi autorretrato con esta técnica de "echar de todo hasta que al final aparezca la persona deseada". Me hace gracia porque es muy similar al "corta-pega" de los ordenadores, pero con pintura: "pongo aquí la nariz, aquí la boca...anda, la nariz tiene que ir más arriba, así que pegote de pintura y se rehace en otro sitio..." y así un tiempo hasta cuadrarlo todo. Para ese momento, el cuadro tiene más pegotes de todo lo que pillo, que otra cosa.

Técnica mixta sobre papel Cardesín 48x38cm

Acuarelas - magnolio

2011-08-10T19:16:00.000+02:00

Una serie de acuarelas que hice el pasado domingo intentando no hacer "cromitos" como dice Joshemari, pero que se me fue demasiado la mano con tanta libertad. Por otra parte descubrí que, además del azul ultramar, el negro marfil hace unos decantados muy bonitos también.

Acuarela sobre Canson A4

Groucho Marx sobre Rembrandt

2011-08-10T13:46:00.000+02:00

"...y cuando estaba a punto de explicarla por qué creo que Rembrandt es un pintor sin vida, apareció..."
Groucho Marx ("Memorias de un amante sarnoso")

Casi me caigo al suelo de risa (bueno, en realidad casi en cada párrafo) leyendo estas líneas del libro, en las que trata de impresionar a una chica. ¡Qué grande Groucho, siempre irónico!

Acuarela - Pimpolladas

2011-08-07T20:44:00.000+02:00

De nuevo madrugón para salir a pintar por los alrededores de Traspinedo, esta vez una acuarela de tamaño respetable. Otro pimpollo contra el fondo de pinar y monte pinero.
La verdad es que es un palizón pintar acuarelas tan grandes, pero te permite dar grandes aguadas, no meterte en mucho detalle, y dan bastante juego.

Acuarela sobre Arches 76x56cm.

¡En la exposición de Antonio López!

2011-08-06T20:06:00.054+02:00

Pues aquí estamos mi hermano David y yo más contentos que unas castañuelas tras salir de la exposición de Antonio López en el Museo Thyssen. Como puede verse, hemos pasado por la tienda del museo para llevarnos el catálogo y algunas reproducciones de cuadros de D. Antonio.

Para los que os vayáis a animar a verla: sacad las entradas por anticipado en internet (web del museo), pues las colas son inmensas (véase la foto) y las entradas van por horas, así que si no tienes tu ticket previo te sacan de la cola y te toca esperar a un lado viendo como entra todo el mundo.

La exposición, por decirlo en dos palabras: IM-PRESIONANTE. Hace un repaso a toda la obra de López García, desde sus cuadros iniciales en los 50 hasta obras que aún están en taller y que tardarán todavía en ver la luz. Trata también tanto la escultura, como la pintura, como el dibujo, con lo cual se sale con una idea muy clara de cuál ha sido la evolución de su arte, los principales temas que le interesan, y las técnicas usadas. La exposición está muy bien organizada, siguiendo una distribución de obra muy coherente y equilibrada. De hecho, se arranca con casi lo más actual, enormes cuadros de Madrid aún inacabados, que te dejan ver el dibujo previo, las mediciones que hace Antonio, las pruebas de color... En realidad también puede verse todo esto en las obras finalizadas, pues sus marcas y regletas pasan a formar parte del cuadro o dibujo, incluso con anotaciones de la fecha y hora de cada sesión. Resulta fascinante ver en vivo y en directo esos cuadros que todos conocemos tan bien pero a los que ninguna reproducción de las que hayamos visto hace justicia. Es increíble ver en su famoso cuadro "La cena" (ver foto), como el filete y la fruta de la izquierda son fotos pegadas en collage, al igual que ha añadido textura a la silla con trozos de otra foto, e incluso al espacio vacío del fondo y que no aparece en las reproducciones.

Antes de seguir avanzando con la exposición, un inciso para hablar del catálogo: es obligatorio tenerlo. Reproducciones fantásticas, textos muy descriptivos y documentados, y especialmente interesante la introducción por su hija María en la que narra infinidad de anécdotas de su padre y de su vida como pintor. Aparecen también fotos de las que usa Antonio López como referencia para sus cuadros (por ejemplo, las del cuadro de "La cena" antes comentado), que nunca había visto en ningún otro sitio.

Viendo la exposición hay una cosa muy clara: Antonio López es el gran dibujante español de las últimas décadas. La calidad que logra de su línea es insuperable, y las tonalidades y gradaciones que alcanza, una maravilla. Hay un montón de dibujos suyos, la mayoría enormes (más de 2mt), de su serie de habitaciones o de calabazas. También los preparatorios a tamaño natural para sus esculturas de hombres y mujeres. Impresionantes todos.

Su escultura, que quizás es lo que más frío me deja, hay una muestra muy variada de todas sus técnicas y motivos: cabezas de bebé, figuras de niño, sus famosas figuras de hombre y mujer, preparaciones para esculturas gigantescas, bronces, sus primeras cabezas clásicas cuando aún estudiaba en San Fernando... Para mi gusto demasiado equilibradas y simétricas, pero también su pintura es así, y por lo que sé probablemente su carácter le lleve también a huir de movimientos, escorzos y contorsiones en su obra. El cuadro "El campo del Moro" es perfectamente simétrico, mostrando el paseo central del parque, con árboles a ambos lados y edificios en cada extremo para acabar de equilibrar la composición. Hasta el horizonte está justo en el medio del cuadro.

De sus cuadros, están todos los conocidos, por supuesto: la mujer en la bañera, las vistas de la Gran Vía, los dibujos y cuadros de sus hijas de pequeñas (impresionante el famoso dibujo de su hija María visto al natural: todos los repentimentos están visibles sin borrar, y es fascinante ver la evolución que ha sufrido el dibujo: la corrección de los hombros, de la forma de la cara, la manga...), estudios preparatorios para alguna de sus últimas obras... Sobre este punto, le señalaba a mi hermano cómo Antonio te va guiando el ojo exactamente a donde él quiere. Como hace que veas lo que él quiere que veas, y en todos los cuadros de Madrid no es Madrid lo que aparece: es la luz de Madrid. Lo que le interesa es cómo golpea la luz de la mañana o la tarde en las fachadas de Vallecas, el polvo y la calima de los amaneceres madrileños. De hecho, los estudios preparatorios para sus grandes cuadros, son estudios del cielo: no le preocupan los edificios, la calle, los árboles. El el cielo lo retratado.

Sobre su pintura se ve claramente su evolución desde un realismo-surrealismo inicial, con mucha materia y formatos pequeños, a lo actual, con grandes paisajes con apenas pintura en los que se va añadiendo lienzo hasta que queda la composición como él quiere. Se ve como va incorporando elementos al paisaje que en sus inicios no incluía: los balcones desde los que pinta, las escalas del Parque de Bomberos donde tiene su atalaya...

Hay una vista de la Gran Vía desde un balcón mostrando la gran cúpula como elemento central, que no conocía y que debe haber acabado hace unas semanas, que es simplemente increíble. Todos los tonos que utiliza para dar la sensación de blancura a algo, sin que ninguno sea blanco.

En definitiva: nos lo pasamos como enanos, aprendimos un montón, y es un placer poder decir que has estado en la exposición del artista español más importante del momento.

Fotografía - Vía muerta

2011-08-05T08:53:00.001+02:00

Técnica mixta - Marta y Manuela

2011-08-04T15:54:00.000+02:00

Una vez hechos los retratos de Santiago y Marta hija con todo lo que tenía a mano sobre papel Cardesín, les tocaba a las otras dos féminas de la familia: Marta madre y Manuela. Mientras que los dos anteriores salieron en un pis pas, éste ha estado "madurando" en la pared durante un par de meses hasta que me decidí a pasar de la mancha inicial a terminarlo.

¡Ya sólo queda mi autorretrato con esta técnica!

Técnica mixta sobre papel Cardesín 37x52xm.

Acuarela - El Duero a su paso por Tudela (de Duero)

2011-08-03T15:32:00.000+02:00

El pasado domingo hubo un campeonato de pesca en Tudela de Duero con motivo de sus próximas fiestas. Y como mi hijo Santiago está haciendo sus pinitos con la pesca de la mano de sus tíos Javi (río) y David (mar), pues allá que nos fuimos Santiago, Javi y yo, previo madrugón a las 6 de la mañana de un domingo. Santiago estaba muy nervioso y llevaba pensando en el concurso desde hacía quince días, practicando el lanzamiento desde el jardín, aprendiendo a montar y desmontar la caña...

Por mi parte me llevé los aperos de pintura, pues la pesca es una de esas actividades que me aburren soberanamente: estar varias horas mirando a ver si se mueve un sedal no es mi idea de deporte apasionante. Por eso me tiene un poco sorprendido la afición de Santiago a la pesca, pues es un chico muy movido, de esos que trepan a los árboles y están todo el día corriendo. Pero supongo que si sus tíos, que son (eran más bien) muy trastos también, son aficionados, es que algo tiene la pesca para ellos.

Después de cinco horas de pesca (de 7 a 12), Santiago había pescado una perca de 510gm. y un percasol, que no contaba para el concurso. Pero la perca bastó para darle el 3er. premio categoría infantil. ¡El tío es una máquina en todo lo que se propone!

Por mi parte en esas cinco horas sólo pude hacer una pequeña acuarelilla, pues otro cuadro que empecé al óleo me acabó desesperando y lo abandoné. Intentaba con la acuarela pintar el color que coge el Duero en esta zona, con el agua muy turbia pero muy reflectante.

Acuarela sobre Canson A4

El arte produce la misma sensación que estar enamorado...II

2011-08-03T15:19:00.001+02:00

Hace poco os hablaba de un libro que había leído sobre la nueva rama científica de "neuroestética". Hoy viene un artículo en El Mundo que comenta algunos aspectos de esta novedad y, claro, habla del autor del libro que comentaba, Semir Zeki. Podéis encontrar el artículo aquí.

Por otra parte hace poco oí en la radio un interesante programa sobre la influencia de las enfermedades mentales en la creación de arte. Por alguna extraña razón grandes obras han salido de mentes enfermas, y siempre he tenido la duda de si era debido a la enfermedad o no. También me ha impresionado mucho la sinestesia desde siempre (la conocí cuando leí el famoso poema de Rimbaud sobre vocales y colores, y yo era bien jovencito), y casi salto de alegría cuando creí que Santiago Bellido era sinestésico, pero había interpretado yo mal una frase suya: sigo sin conocer a ningún sinestésico). Pues en el programa me aclararon la duda sobre la relación enfermedad mental - genialidad artística. Textualmente dijeron:

La creatividad se encuentra en el individuo, no en la enfermedad.

Como comentaban en el programa, si la enfermedad te diera esa creatividad añadida, todos los locos serían grandes pintores, o músicos. Sin embargo, la proporción es la misma que en la sociedad "cuerda". La enfermedad simplemente elimina filtros y autocensuras, pero no implica que te vuelvas un genio.

Lápiz - retrato de Manuela con el ceño fruncido

2011-08-02T19:46:00.000+02:00

A pesar de que Manuela se pasa el día sonriendo desde el momento en que se despierta, siempre ha tenido un gesto muy característico suyo: fruncir el ceño durante un buen rato cuando algo la extraña mucho. Como me encanta su expresión en estos casos, a la pobre la hago su retrato así en vez de sonriendo que es su expresión habitual. Su madre me va a matar cuando lo vea ;-)

Lápiz sobre poliéster 38x27cm.

Óleo - árbol

2011-07-30T20:35:00.001+02:00

En la zona de Tudela hay un montón de árboles de éstos, algunos secos, y de los que no tengo ni idea de qué son, pero son magníficos. Hoy me he levantado a las 7 para ir con todos los bártulos a pintar uno de ellos que vi el otro día desde la carretera.
Según llegué vi, como es tradición, que toda la zona estaba infestada de hormigueros. Eso sí, estas hormigas eran pacíficas y no se extrañaron demasiado de ver a un pirado cargado con una silla de campaña, un caballete enorme y una bolsa más grande todavía, así que me dejaron en paz. Por si acaso no las perdí de vista mucho, y tiene algo de hipnótico el trajín de las hormigas: hileras larguísimas de pequeños bichitos negros circulando en ambas direcciones cargando con las cosas más insospechadas: ¿para qué querrán todas esas pajitas?¿harán cabañas de paja dentro de los hormigueros?¿y los trocitos de cuerda?¿serán aficionadas al bondage?

Respecto a la pintura, un consejo para los que pintáis del natural. Si vais a salir en un día caluroso, procurad que siempre de la sombra a la paleta, pues si da directamente el sol los óleos se vuelven más oleaginosos que de costumbre, y complica un poco su tratamiento si no se está acostumbrado a ellos.

En este apunte, además de colores terrosos he querido incorporar rosas que nunca había trabajado con ellos. No sé si se ven en la foto (la fotografía de pintura no es mi fuerte), pero quedan bien en el paisaje castellano. Esta vez me he animado menos con los naranjas porque ya había bastantes ocres y no quería saturar el cuadro.

En resumen, tres horas y tres cuartos de pintura bajo el sol en una agradable mañana de sábado, seguro que algo he aprendido, y al menos he disfrutado un montón.

Óleo sobre tabla 40x30 cm.

Exposición de Juankar Cardesín

2011-07-29T15:09:00.000+02:00

DEL 3 AL 28 DE AGOSTO

NOTESALVES CONTENEDOR DE ARTE

MAYOR DE PARDIÑAS 37 (PORTALES DE PIZARRO)

BÉJAR 37700 (SALAMANCA)

De Miércoles a Domingo de 18:00 a 21:00 horas

No se trata de una acción intencionada. Cardesín pinta como respira y no obedece a ninguna táctica. Es imposible disociar vida y arte en su obra porque ambas viven en simbiosis y se retroalimentan para continuar existiendo. Simplemente, al contemplar su obra nos sentimos atrapados porque sus creaciones nos hablan de estados de conciencia.
El amor, la vida, el miedo, la soledad, la muerte, temas que va desgranando, y que a veces rayan el atrevimiento y la osadía, mientras que por otro lado es capaz de desnudar sus sentimientos sin contemplaciones y ofrecernos su yo más íntimo, frágil y vulnerable.No importa. Lo importante es ser consecuente y honesto consigo mismo para seguir avanzando. Esa es su hoja de ruta.
Los temas abordados, aún incluso los que pertenecen a su mundo interior más íntimo y personal, se convierten en universales puesto que reflejan la fragilidad del ser humano: el deterioro, la decrepitud, el dolor y el sufrimiento inherentes a la vida y que tanto atraen como repugnan. Pero también existe un Cardesín que nos muestra su fino y sutil sentido del humor, jugando a observar los objetos cotidianos como si acabáramos de descubrirlos. Un extraordinario artista que tímidamente nos demuestra que todavía existe un rayo de esperanza.
Cardesín surca su propio camino, abriendo brecha y experimentando con los medios a su alcance. En su cabeza bullen constantemente ideas nuevas, pero sabe esperar para darles forma, porque su obra es producto de una reflexión meditada y constante. Su extrema humildad respecto a su creación artística y su increíble generosidad con los amigos no dejan de sorprenderme y admirar profundamente.
La obra de Cardesín va dejando huella durante el trayecto y abre paso a nuevas vías que sigo con admiración y asombro, porque la genialidad creadora aparece en pequeñas dosis y es preciso no perder detalle una vez la hemos descubierto.

Terrassa, Julio de 2011
Anna Morales Puigcerver

Visto últimamente - Anselm Kiefer

2011-07-28T14:31:00.002+02:00

Anselm Kiefer es probablemente el ejemplo más claro de los neoexpresionistas, movimiento nacido como él en Alemania y como el expresionismo clásico. Nació el mismo año que acababa la II Guerra Mundial, dos meses antes de su finalización y cuando Berlín ya estaba siendo machacada por el ejército ruso. Parece que estos hechos han marcado en gran medida su carácter, pues su obra está plagada de referencias a esta era.

Kiefer empezó realizando arte conceptual durante sus primeros veinte años, para a principios de los 70 renegar de todo lo anterior y meterse de lleno en la pintura, donde ha destacado como pintor "matérico". Y es que sus cuadros, además de ser grandes (otra característica del neoexpresionismo), acumulan materiales (desde yeso y aluminio, hasta semillas) de todo tipo que les dan esa apariencia tan "Kieferiana".

Sus temas están muy basados en la historia germana: desde cuadros de carácter mitológico, hasta los que reviven el Holocausto nazi, o la arquitectura megalomaníaca de Albert Speer (el arquitecto de Hitler y ministro de su gabinete). Imágenes de la guerra, grandes edificios, constelaciones, y especialmente la serie que muestra raíles que evocan a los trenes que llevaban a los prisioneros a los campos de concentración, le han hecho mundialmente famoso.

¿Qué me ha interesado de Kiefer? Sobre todo la primera imagen de esta entrada: raíles de tren que se pierden en el horizonte, con unas texturas muy marcadas para el suelo y el cielo. El color me fascinó también, esa mezcla de azules-grisáceos-tierras, que sin embargo tienen mucho contraste. Me encanta ese cuadro.
Pero con Kiefer me sucede como con muchos otros pintores: en cuanto se pone a pintar figura ya no me gusta (al revés que me ocurre con Egon Schiele). Y es que probablemente tenga razón el crítico que leí el otro día en el Times (lamento no encontrar el enlace ahora) que decía:

Cuando nos digan que alguien es un gran pintor, hay que responder:
"Un gran pintor pintando qué?"

Acrílico - Pareja

2011-07-27T17:38:00.001+02:00

Tras unas accidentadas (y cortas) vacaciones, de vuelta al tajo y al caballete... Por de pronto una pareja de toda la vida: la de la Guardia Civil, con sus capotes y tricornios. No hay mucho que contar: paleta hipermegareducida (verde esmeralda, magenta y azul ultramar, más blanco), y carboncillos.

Acrílico sobre tabla 25x50cm.

Acuarela - isla de Mouro

2011-07-15T15:37:00.001+02:00

Como todos los veranos, cargo con mis acuarelas, cuadernos y demas hasta la playa, para pintar con agua del Cantábrico (y arena). Aunque estoy incomodísimo y el papel es malísimo, he pasado un buen rato.
A ver si mañana. Enseño las otras dos que he hecho de la península de la Magdalena...

Acuarela sobre papel 220gm A3

-- Desde Mi iPhone

Ubicación:Av de la Reina Victoria,Santander,España

Creatividad con un cuaderno y un boli

2011-07-12T11:38:00.000+02:00

En este video (en inglis pitinglis) nos proponen un ejercicio para el desarrollo de la creatividad, basado únicamente en un cuaderno de espiral de 100 hojas o menos, y 1 mes de nuestro tiempo. Para los que no domináis el idioma de Secspir, os resumo brevemente sus premisas:

Utilizar un cuaderno de espiral de 100 hojas o menos.
No se puede arrancar ninguna hoja.
Sí se pueden pegar nuevas hojas (hasta el límite de 100).
Si durante el periodo del ejercicio se llega al final del cuaderno, se empiezan a usar las páginas ya utilizadas.
El periodo propuesto es un mes, aunque puede extenderse a dos.
Durante ese periodo, no debe verse TV, ni utilizar internet, ni acudir al cine, ni escuchar música, nada que pueda afectarnos culturalmente. Debemos permanecer "puros".
Todos aquellos medios que utilizamos habitualmente deben quedar desterrados durante ese periodos: las acuarelas, el Photoshop, los lápices... sólo un bolígrafo es admitido durante el periodo (si se gasta se puede coger otro ;-) )
Durante el periodo hay que usar el cuaderno para todo lo que se nos ocurra: dibujar, escribir, puntear, marcar...pero sólo con el boli. No se admite collage, pintura, lápiz... y no se permite borrar ni corregir nada. Lo que ocurre en el cuaderno, se queda en el cuaderno (parafraseando el famoso eslogan de una conocida ciudad de los EEUU).
Transcurrido ese periodo se nos dice que veremos una progresión en nuestra creatividad tremenda. No sé en qué consistirá porque aún no lo he hecho (cuando pase mi próxima exposición en septiembre quiero intentarlo a ver).

Espero que os sea útil, o que al menos sirva para que podáis decir: ¿pero de qué va este tío? Por cierto, es Sidney Lumet un director de animación que está en un proyecto indie...

Alpargatas - de caballos...

2011-07-08T11:51:00.000+02:00

Como todos los veranos, me lanzo a pintar alpargatas en acrílico para familiares y amigos. Este año inauguro la temporada con Luisa, que como buena amazona quería sus alpargatas con motivos hípicos. Creo que en mi vida he dibujado dos caballos, y desde luego no he pintado ninguno. Así que el tema pintaba peliguado (nunca mejor dicho), porque como ya he dicho alguna vez, pintar sobre alpargatas es muy complicado: es como hacerlo sobre un lienzo muy grueso y con pelusa, con lo cual los detalles son una tortura. Además no es una superficie lisa, sino que se arruga, está curvada para adaptarse al pie, etc...

Así que unos consejos para los que os animéis a hacer algo parecido:
1.- Haced dibujo previo. El año pasado lo hice "alla prima" y no salió mal, pero este año no he querido arriesgar, por aquello de que no he pintado nunca caballos.
2.- Diluid bien el acrílico. Cuanto más líquido esté, mejor cubrirá la tela de la alpargata, el problema es que también aparecerá más desvaído el color. Así que impera conseguir un buen ratio pintura-agua.
3.- Utilizad una horma para sujetar la alpargata. Yo ésto no lo hago y estoy convencido de que es la forma de trabajar más cómoda. A ver si el año que viene me hago caso a mis propios consejos.
4.- Buscad que los colores que uséis se adapten al color base de la alpargata, ya sea a base de complementarios o de opuestos. Teoría básica del color, vaya.

El resultado final aquí lo tenéis...

Acrílico sobre alpargata, talla 38.

Acrílico - árbol del pinar de Traspinedo

2011-07-03T20:17:00.000+02:00

Vuelta al pinar del otro día a probar suerte hoy con otro árbol (en otra dirección) y con acrílicos en vez de tinta. La foto ha salido un poco oscura, pero os hacéis una idea...

He estado desde las 8 de la mañana hasta las 11.30, en que he abandonado porque los acrílicos se secaban nada más sacarlos del tubo, y ya no me quedaba agua para echar encima e intentar mantenerlos frescos...

Cuando llegué (esta vez iba preparado: sombrero para el sol, silla, zapatillas de deporte con calcetín para que no me mordieran las hormigas, coca-cola...) lo primero que pensé es:

"qué vagas son las hormigas, a las 8 de la mañana no hay ni una".

Luego me di cuenta de por qué no había ninguna a esa hora: es la hora de las moscas (se ve que se turnan en jorobar a los que pasan por allí). Y como contra ellas no había llevado nada, a aguantarse. Sí es cierto que hubo un momento de transición en que coexistieron pacíficamente las moscas y las hormigas, de lo que me di cuenta no porque me mordieran como el otro día (hoy no podían), sino porque se metieron todas como tontas en los acrílicos de mi paleta, así que parte de la pintura tenía cadáveres de hormigas que tuve que quitar luego.

Me recuerda a la expedición de La Perouse (de la que ya hablaré en otro momento pues es otro de los grandes misterios que se va resolviendo poco a poco), que llevaba con ellos a un científico-ilustrador (el antecedente de los fotógrafos de National Geographic actuales) que se quejaba constantemente de que las moscas se comían el gouache y no podía pintar nada.

Sobre la pintura, un único apunte: he descubierto el naranja. Lo usaba poco porque siempre lo hacía a base de mezclar, y el color resultante como buen secundario de pigmentos, es un naranja poco vibrante y un pelín sucio. Leyendo el otro día a Betty E. comentaba que nos olvidemos de paletas reducidas y ampliadas, que hay que llevar tubos de primarios y de secundarios, y los terciarios sacarlos por mezcla, pues si no pasaba lo que os describía antes, por tratarse de pigmentos y no colores puros. ¡Menuda diferencia! Los malvas, morados y naranjas tienen otro aire, y resulta que el naranja va fenomenal para desaturar verdes, y con el morado salen casi los mismos colores que me gusta mezclar en acuarela.

Declaración del artista - Artist's statement

2011-06-30T06:28:00.002+02:00

Charlotte Young ha subido este video que me parece genial. En él hace una traducción a lo que realmente quiere decir el artista cuando dice lo que dice, del "artist's statement" (la típica presentación del artista que aparece en todos los catálogos de exposición, perfiles de blog, autoreseñas, etc... en la que el artista define cuál es su objetivo, qué es lo que hace, y por qué lo hace, generalmente con un lenguaje barroco y oscuro para los no iniciados).

Es realmente bueno, pero hay que saber inglis pitinglis.

Visto vía Gurney Journey, que ya publicó en su día una guía para hacer "declaraciones de artista" según un esquema prefabricado, que es como parece que están hechos todos.He practicado un poco, y mi declaración es algo así como:

"Una exploración del irresistible acto de realizar marcas, que recodifica ambigüedad y autenticidad a través de crear una conversación entre color y textura".

¡Toma ya! Ya tengo artist's statement para mi próxima exposición.

Edit: Por cierto, el bueno de Gourney tiene también un post sobre el libro que comentaba el otro día. No añade mucho más, pero tiene un video interesante mostrando las áreas del cerebro que se activan ante la contemplación de una obra de arte.

Tinta - vista desde un pinar de Traspinedo

2011-06-28T09:44:00.000+02:00

Este domingo me fui armado con una silla de camping, mis plumas y un cuaderno, a la sombra de un pinar para dibujar desde ahí lo que se veía "hacia afuera". Daba así comienzo la temporada de campo 3.0. Mal comienzo, por cierto. A los pocos segundos de sentarme en el primer emplazamiento me doy cuenta de que estoy totalmente cubierto de hormigas que muerden como condenadas. Vaya, me he sentado encima de un hormiguero. Me desplazo unos metros, siempre dentro de la sombra del pinar, y empiezo de nuevo el dibujo. De nuevo las hormigas empiezan a comerme vivo. Pero bueno, ¿es tan grande el hormiguero? Eso parece, así que vuelta a desplazarme. A los pocos segundos estoy dando manotazos y patadas porque las muy condenadas de las hormigas se han unido en plan Alianza de Civilizaciones y me están machacando. Pero ya me da igual, si me quieren morder que me muerdan, a ver quién es más cabezota.
Así que tras hora y media de dibujo con un calor de 40º, este es el resultado. Un árbol solitario al inicio de un trigal, con unos pinos al fondo.
Cuando me fui, ya ni sentía las picaduras...
Tinta sobre papel acuarela A3

El arte produce la misma sensación que estar enamorado...

2011-06-23T11:42:00.000+02:00

... o al menos eso dice Semir Zeki en su último libro "Splendors and Miseries of the Brain: Love, Creativity, and the Quest for Human Happiness" ("Grandezas y miserias del cerebro: amor, creatividad, y la búsqueda de la felicidad").

Según él, distintas zonas del cerebro se activan ante la vista de obras de arte: los retratos activan una distinta de los paisajes y las naturalezas muertas. El arte abstracto parece generar poca actividad neuronal, pero probablemente, según indica, sea debido a la eliminación de elementos reconocibles, que "activan" al cerebro (árboles, figuras, etc...).

Así, observar una pintura que nos gusta, activa en nosotros los centros de placer y la emisión de dopamina, encargada de proporcionar sensación de bienestar (entre otras cosas). Ya decía yo que viendo cuadros de Velázquez, Ribera o Blum sentía un sabor como a chocolate ;-)

Zeki es el principal exponente de la nueva rama científica de "Neuroestética", que busca analizar por qué el cerebro humano considera unas cosas dignas de ser llamadas bellas y otras no. Sólo he leído de él (bueno, aún no he acabado) el libro que refería arriba, pero si podéis echadle un vistazo, que merece la pena.

Acuarela - retrato de Juan

2011-06-22T10:48:00.000+02:00

Siento la reproducción, pero no cabía en el escáner. Una vez acabada la acuarela "oficial" en la Agrupación de Acuarelistas, retrato a los otros pintores. El otro día a Ramón, éste a Juan, que además de ser un gran artista, se preocupa de que los demás aprendamos un poquito cada día. Además de eso, tiene un gran sentido del humor, y no sé por qué me da que no se lleva muy bien con la informática ;-)...

Acuarela sobre Canson 31x27cm

Acuarela diaria - Ojos

2011-06-16T14:13:00.001+02:00

Bueno, lo de "diaria" es una mentirijilla últimamente. Pero parece que a partir de ahora podré volver a hacer mis experimentos. De hecho, hoy he estado probando el aceite Johnson's de Manuela, sobre la acuarela líquida a ver qué pasaba, y resulta que va muy bien para hacer texturas de rocas o algo así, pues el agua resbala sobre el aceite y crea manchas muy curiosas. Pobre Manuela, se ha quedado sin aceite...ya lo dice su madre, Marta, que cuando ve que me quedo mirando fijamente algún cacharro de la cocina, de la caja de herramientas o del baño, empieza a temblar porque sabe que ya estoy pensando si se podría utilizar en algún cuadro o similar.

En fin, volviendo al experimento de los ojos, no pretendía pintar realmente ojos, sino probar distintas técnicas de pintura en seco con la acuarela, y como siempre busco un tema que me apetezca en el momento para experimentar, así que les tocó a los ojos. De todos ellos quizás el único que intenté ser un poco más real es el quinto. Los demás son más o menos abstractos (como el 2), icónicos (el último, el 4º y el primero con esas pestañas en las que se ve cada pelo), e incluso manga (el 3).
Otra cosa que intenté variar fueron los tonos de piel, de los más ocres a los más rosados pero, repito, el objetivo era ver la pintura en seco. Tema difícil, por cierto, porque a la mínima se te va la mano al "húmedo sobre húmedo" de toda la vida y se fastidia el experimento. Además hay que medir muy muy bien la cantidad de agua y pintura usada, para que no quede "áspero" (como el 4) ni demasiado húmedo (como el 2 o el 6).

Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm.

Entrada de Enrique Ochotorena

2011-06-15T08:30:00.000+02:00

Enrique Ochotorena, uno de los más grandes acuarelistas que tenemos ahora mismo en España, ha publicado una entrada tras su último viaje a Galicia, en la que me dedica una aguada con rotulador acuarelable. Podéis verla AQUÍ, y desde luego, los que no conozcáis su blog (está enlazado a la derecha como EGGSTOUCHERFLY) no sabéis lo que os estáis perdiendo.
Esta es la obra de Enrique:

¡Muchas gracias, Enrique!

Técnica mixta - Camino a Aldea de Portillo

2011-06-13T09:15:00.000+02:00

Una aguada con gris Payne, para después añadir detalle con tinta china aplicada con un palillo. Requiere:
a) paciencia
b) un palillo de los de toda la vida (planos). Los redondos de ahora no van bien.

No recomendable para trabajos muuuuy grandes.

Acuarela y tinta sobre Fabriano A4

Acuarela - mariscadora

2011-06-11T18:49:00.000+02:00

Un apunte en la parte de atrás de la acuarela "oficial" de ayer en la Agrupación de Acuarelistas (gran grupo, por cierto)...Se notan las 4 semanas sin coger un lápiz...

Acuarela sobre Canson 18x22 cm.

Acuarela - Manuela

2011-06-05T13:49:00.000+02:00

He estado probando texturas con acuarela (aparte de las habituales de usar cepillos de dientes, plásticos, goma arábiga, sal, etc...), y decidí hacer una intentona pintando sobre gesso, que en teoría (y en la práctica) es impermeable, pero precisamente por eso crea unas estructuras interesantes.

Sobre el retrato, su madre dice que sí que es ella, así que lo daremos por bueno. Cosa extraña porque los retratos tengo que retocarlos bastante para que salgan parecidos, y en este caso fue a la primera...

Acuarela sobre Canson con Gesso A3

Acrílico - Fruta

2011-06-01T16:19:00.001+02:00

Un experimento rápido de tratar acrílico como acuarela. Gracias a ésto me he dado cuenta de por qué algunos acrílicos quedaban "sucios": estoy mezclando acrílicos de calidad buena con otros de calidad media (lo cual es aceptable), con otros de calidad ínfima que alteran muchísimo los colores, no aguantan más de un día en la paleta, y en general, tintan poco al mezclar otros colores.
En fin, más vale darse cuenta tarde que nunca...

Acrílico sobre Canson A3

¡Antonio López expondrá toda su obra en Madrid!

2011-05-31T11:28:00.000+02:00

El pintor español vivo más importante, expondrá 140 obras en el Thyssen (Madrid), entre el 26 de Junio y el 25 de Septiembre.
Si la exposición de Gerome en este mismo museo ya la consideré imprescindible, ¿qué se puede decir de D. Antonio? Él solito ha creado escuela, y ha sido mentor de una gran generación de artistas que triunfan actualmente en las salas de exhibición de nuestro país y del extranjero.

Aprovecho para comentar que, una vez pasada la 1ª Comunión de Marta y Santiago y el Bautizo de Manuela, y aunque en el curro sigo bastante desbordado, intentaré retomar la pintura... Mayo ha sido un mes tremendo, entre preparativos, nervios, trabajo, y sin tiempo ni ganas de hacer nada en los ratos sueltos. Espero poder cambiarlo en Junio...

Acuarela diaria - Marvin Lee Aday

2011-05-25T22:28:00.000+02:00

Uno de los grandes cantantes de mi adolescencia: Marvin Lee Aday, alias Meat Loaf (en castellano "Cacho Carne", aunque no sé quién lo tradujo así, pues en inglés es más prosaico).

Meat Loaf es un actor/cantante de los EEUU que logró grandes éxitos en España allá por 1982, sobre todo con los LPs producidos por Jim Steinman, con grandes portadas de Bernie Wrightson y Richard Corben, y canciones inolvidables como "Dead Ringer for love", "Paradise by the dashboard light" (con una impresionante Cher), "I'm gonna love her for both of us", "More than you deserve" y un montón más. No se sabe su fecha de nacimiento, pues cada vez que le preguntan da una distinta sólo por despistar, pues le fastidia que le pregunten esas cosas.

Todas las canciones tenían unos arreglos increíbles para la época: coros de chicas en cada canción, guitarras barrocas que se superponen unas a otras, teclados imposibles, y sobre todo ello, la voz impresionante de Cacho Carne reventando los amplificadores. La leyenda dice que era capaz de fundir las agujas del estudio de grabación cuando llegaba a las notas más altas. No sé si será verdad, pero sí sé que cuando tuve ocasión de verle en directo el concierto no llegó a celebrarse porque en el anterior al que iba a ver yo, se destrozó las cuerdas vocales. Era el segundo concierto de la gira...

Lo cual da idea de su entrega en el escenario y en cada canción, y su concepto del rock'n roll: "El rock and roll va de tener cerveza de gorra y acostarse con chicas". La verdad es que no cuadra mucho con ser un republicano confeso y orgulloso.

Como actor tiene una carrera discreta, aunque ha aparecido en películas muy conocidas: "The Rocky Horror Show" (es el motero de los Hell's Angels), "El club de la lucha" (es el primer lugarteniente del prota), e incluso en "Locos en Alabama" (el sheriff) de Antonio Banderas.

Le ha pasado de todo: le atizaron en la cabeza con un peso de lanzamiento, ha sobrevivido a accidentes de coche y avión, se derrumbó en un escenario en 2003 por el síndrome Wolff-Parkinson-White (que no sé cuál es, pero que suena malísimo si se necesitaron tres científicos para identificarlo)...

La acuarela que pongo hoy es un apunte muy muy muy rápido (últimamente todo va a esa velocidad en mi vida), pero quería daros a conocer a Cacho Carne; y es que...¿cómo negar una acuarela a alguien que canta

"Te juré que te amaría hasta el fin de los tiempos,
y ahora rezo para que el fin de los tiempos,
se dé prisa y llegue ya..."

? Es mucho, Meat Loaf.
Acuarela sobre Fabriano 18,5x12

Otra reunión de artistas - Oñera

2011-05-20T11:26:00.000+02:00

Este miércoles estuvieron por aquí Oñera y Soraya de visita a Valladolid, y aprovechamos para conocernos en persona y picotear un poco por los bares pucelanos. Aparte de ser un encanto de personas, Oñera me regaló dos pequeñas acuarelas de esta serie ¡enmarcadas y todo! que ya están colgadas en mi pinacoteca particular. Como yo me tenía que ir (a su tierra, precisamente) volando, tampoco tuvimos tiempo de ver nada más que sitios de tapeo, pero para otra ocasión aprovecharemos para ver algún museo más que se dejaron en el tintero.

Eso sí, no les perdono que nos trajeron el chaparrón más grande que he visto en Valladolid en muchos años (con rayos y todo).

Muchísimas gracias Oñera y Soraya por vuestra visita, y por esas horillas de conversación que tuvimos. ¡Y ahora...a seguir pintando (y a practicar Oñera y yo las figurillas que se ponen en las acuarelas urbanas ;-) )!

Reunión de artistas

2011-05-17T06:28:00.002+02:00

El pasado sábado 14 de Mayo nos juntamos Conchy, Santiago Bellido, César y yo para desayunar (los Santiagos muy comedidos, las dos Cs con pincho de tortilla y todo) y después ver un par de exposiciones: la de Pablo Ransa (palacio de Pimentel), propuesta por mí, y la de Jesús Capa (teatro Calderón) propuesta por Conchy. Resulta que a Capa lo conocí hace poco en un homenaje que hicieron a Ransa y a él (en el que también conocí a Pablo Ransa), y conocía alguna de sus esculturas, pero no el tipo de obra que está haciendo actualmente.

De Pablo Ransa, hasta ahora todo lo que he visto me ha gustado bastante. La exposición actual se basa en distintos campos de profundidad en cada cuadro, muy texturados (con relieve diríamos), a los que incorpora palos para crear estructuras, que unas veces muestran la perspectiva, y otras "soportan" los esquemas. Como siempre, el marco forma parte de la pintura también.

Jesús Capa mostraba "La Biblioteca Blanca", donde pilas blancas de libros, papeles, cajas, carpetas, cuadernos, simulan una ciudad en el suelo, mientras la iluminación muestra los ciclos del día y la noche.

De remate, nos dio tiempo a ver el mercadillo medieval, y unos cuantos búhos de impresionante tamaño, junto a águilas, gallinas, pavos zombies, conejos y...burritos.

Acuarela - Cráneo de hiena

2011-05-15T19:04:00.004+02:00

Más cráneos demodé de Atapuerca. En este caso una crocuta, que resulta que es una hiena...

Acuarela sobre papel Canson 24x32cm

Lápiz - pájaros

2011-05-13T19:03:00.000+02:00

Pájaros...

Lápiz sobre papel A5

Varios artículos sobre Arte (con mayúsculas y con minúsculas)

2011-05-10T21:00:00.000+02:00

Este fin de semana, mientras cuidaba a la pequeñaja Manuela (5 meses ya, cómo pasa el tiempo) y ya que no podía pintar, me dediqué a leer unos cuantos artículos que había apartado "para leer luego" y que nunca encontré tiempo para hacerlo.
Con el primero, casi me muero de risa por lo que contaba su autora, y que no había visto en ningún otro medio. Fue publicado en Milenio (una revista mexicana), y es de Avelina Lésper, una conocida crítica de arte. En él, relata como dos artistas chinos (Yuan Chai y Jian Jun Xi) decidieron llevar al extremo la interacción con las obras de arte de Duchamp y Tracey Emin (de la cual hablaba un poco el otro día y que, como comprenderéis, no es santo de mi devoción - aunque he de reconocer que la chica sabe dibujar pero, por alguna extraña razón, no la da la gana hacerlo y prefiere poner su cama deshecha en la exposición. Supongo que hay que ganarse las lentejas y el dibujo no te las asegura). Estos buenos hombres, dieron utilidad real a la famosa cama de la Emin, y al urinario de Duchamp: se liaron a almohadanazos con la primera, y orinaron en la urna del segundo. Pensaba que era en sentido figurado lo de orinar, pero no: los tíos lo dejaron todo perdido (véase la foto). Y ya casi me caigo de la silla con la escena que describe la crítica:

Yuan Chai declaró en posición de ataque marcial “Somos Kung fu-artistas, queríamos hacer una obra a partir de la Emin”.

Los dos chinos acaban de pasar a mi panteón particular de ídolos ¡qué máquinas!

Y es que resulta que la buena de Tracey Emin se puso como una furia cuando se enteró de que habían deshecho su cama deshecha, y supongo que Duchamp se revolvería en su tumba. Pero es que, como dice Lésper:

"Orinarse y darse de almohadazos no es arte, pero tampoco lo es una cama sucia o un urinario, entonces ¿por qué lo que los chinos hacen es un atentado criminal? Lo que nunca especifican es hasta dónde se puede reaccionar y si es válido hacerlo ante la provocación o el insulto. "

Los artistas de instalaciones pretenden que la gente reaccione ante su obra, y cuando realmente lo hacen, se cabrean. Igual que Marina Abramovic y su última exposición-performance "La artista está presente": esta buena mujer se sienta en una silla (a 1.000$ la hora) y espera a que alguien se siente en otra que está frente a ella. También busca que la gente reaccione ante su "obra". Pero eso sí, como se te ocurra reaccionar te la cargas, porque la amiga Marina está con un par de seguratas a cada lado por si a alguien se le ocurre contribuir a su arte tocándola o hablando con ella. Vamos, que nos dejan reaccionar pero seguros, o como el artista quiere que reaccionemos: calladitos y pagando la entrada.

Otro artículo muy interesante es el de Jonathan Jones en el Guardian. Jonathan, otra de las figuras críticas de hoy en día, y defensor a ultranza del arte moderno (instalaciones y performances incluidas), comienza a preguntarse si los "stuckists" no tendrán razón. Aclaremos: los "stuckists" (algo así como "atascadores", una especie de conservadores, pero a lo bestia, del arte) son similares a los "hartistas" españoles (de "hartos" del arte moderno), y que para mi gusto son demasiado talibanes en sus apreciaciones, aunque coincido en su ataque a toda la morralla que aparece últimamente y el "todo vale". Pues no, todo no vale como bien dice Jones:

If you reject the notion that physical skill, natural talent or technical training have any value as art in themselves, then painters are screwed (si rechazas el concepto de que la habilidad física, el talento natural o el aprendizaje técnico tienen algún valor como arte por sí mismos, entonces podemos dar a los pintores por fastidiados).

No novelist can win the Booker prize without being able to write. But if you said all artists must be able to draw, you'd be laughed at. (ningún novelista puede ganar el premio Booker sin ser capaz de escribir. Pero si se te ocurre decir que todos los artistas deben ser capaces de dibujar, se reirían de ti).

Y ésto lo dice alguien que reniega del arte tradicional, pero tiene toda la razón en este artículo. Ya uno de los puntos de los "hartistas" con el que sí me identifico, dice:

8. Estamos Hartos de que presenten cosas que requieren de historias y explicaciones. Si esto es necesario es que no es arte. EL discurso no cambia al objeto.

Y de nuevo Avelina explicaba en un artículo anterior en Milenio sobre el manifiesto Hartista:

Yo quiero agregar que estoy Harta de la mediocridad, la banalización, el desprecio por la grandeza, el encumbramiento de la basura y la falta de ideas, la explicación en lugar de la labor y de creer en cualquier cosa ciegamente sin cuestionamiento. Harta de estas formas frágiles y volubles que no soportan la menor crítica. Harta de las complicidades y las mafias que las amparan. Harta de la inconsciencia del daño que se le hace al arte sólo para proteger los intereses de gente que desprecia la técnica, el trabajo y la voluntad creadora. Harta de que el valor sea la escatología y la barbarie. Harta y feliz porque sé que no durarán, su vacio los envía al olvido.

Repito: a mí me encantan Velázquez y Rothko. Me gustan las figuras de Schiele y de Ingres. Me encantan Saura, Jose Hernández, casi todo Barceló, Gordillo, Pérez Villalta y tantos otros artistas modernos. Pero son auténticos artistas. No recurren al lenguaje de los consultores y comisarios de exposiciones: "para entender ésto tienes que ser un auténtico conocedor del arte" (como le decían al rey desnudo), y se esconden tras discursos sobre la función del arte, la cosmología, el diálogo con la obra y esas historias de artistas de pueblo: los artistas auténticos, simplemente, PINTAN...y se les entiende todo.

Técnica mixta - Ursus deningeri

2011-05-08T11:02:00.000+02:00

Ya sé que los cráneos son lo más cliché que se pueda echar uno al lienzo, y más pasados de moda que otra cosa, pero...son tan bonitos.
En este caso se trata de un cráneo del antecesor del oso de las cavernas, el ursus deningeri, que vivió en Europa hasta hace unos 100.000 años. Se han encontrado muestras de este oso en Atapuerca, y lo he extraído de un libro que me regaló el otro día la Asociación de Acuarelistas de Valladolid, en una edición de J. Carlos Díez y Jose Antonio Rodríguez con ilustraciones (buenísimas, por cierto), de M. Antón. Como el libro está plagado de fotos de los utensilios, cráneos y demás hallazgos del increíble yacimiento de Atapuerca, pues me atrevo a pintar uno de ellos.

Acuarela, lápices de colores, carboncillo sobre Canson 24x32cm.

Acuarela - Busto de Leopoldo Cano

2011-05-06T10:11:00.000+02:00

Leopoldo Cano fue un autor teatral vallisoletano, muy conocido en su época (finales del XIX). Hoy apenas es recordado, si no fuera porque su nombre aparece en calles, institutos y colegios de Valladolid. Y es que, francamente, leer a los literatos de finales del XIX exige a) mucho tiempo libre y b) cierto esfuerzo, pues sus párrafos son muy densos para los estilos actuales, llenos de descripciones y carentes de diálogo. Y claro, en la era de internet y el deprisa-deprisa y la imagen visual, pues no nos encaja mucho.

Leopoldo Cano fue un carácter digno de mención: era militar, director de la Escuela General de Guerra, general de división, investigador matemático excelente, analista político, y escritor.

Fue enviado a Puerto Rico en misión especial a analizar la situación política del Caribe, y además del teatro (sus obras más conocidas son "La Pasionaria" y "La Maya") también hizo sus pinitos como poeta.

El busto que se encuentra en el Campo Grande (el principal parque de Valladolid, ubicado donde en tiempos de Felipe II se ejecutaba a los condenados de la Inquisición - bastante más escasos de lo que la Leyenda Negra nos hace creer), es obra de Juan José Moreno Llebra, y es una auténtica maravilla. Está ubicado en uno de los laterales del paseo central, en un pequeño parterre que lo cobija.
Acuarela sobre Canson A4.

Acuarela diaria - figuras de paisaje urbano

2011-05-03T19:21:00.000+02:00

Hay un punto en el que nunca me había fijado hasta que el otro día Juan, experto acuarelista me hizo ver la importancia del mismo: las figuras que se incluyen en el paisaje urbano en acuarela. Siempre las había tomado más como una referencia que usaban los arquitectos para indicar una escala, que como algo que formaba parte del paisaje. Pero tanto Conchy el día que fuimos a dibujar interiores (en su dibujo incluyó un montón de figuras que dieron vida al dibujo, mientras el mío parecía muerto y sin aliciente), como el consejo de Juan me han hecho pegar un repaso a los acuarelistas en los que más me fijo, para ver cómo tratan estas pequeñas figuritas, y hacer un apunte rápido de cómo las dibujo yo

Eugen Chisnicean

El gran maestro euroaustraliano...

Manel Plana

Pilar Martínez (el paseo central del Campo Grande)

Acuarela diaria - Ángelo Branduardi

2011-04-27T20:24:00.000+02:00

Hace poco hablaba de Franco Battiato, el cantautor italiano bien conocido en España. Y ya que hice el post me puse a reescuchar parte de su música que, casualmente, almaceno junto a otros cantautores italianos no tan conocidos. Y uno de ellos es un genio llamado Ángelo Branduardi, muy conocido en Italia (en España muy poquito), que llegó a mí de la mano de mi esposa Marta, a quien su amiga Luisa (gran amazona) se lo mostró en su día, y que a su vez lo había heredado de sus hermanas, y así hasta llegar a Kevin Bacon en 6 pasos. La primera canción que conocí de él fue "Si puo fare" ("Puede hacerse"), una pequeña maravilla y muy pegadiza.

Branduardi nació en 1950 en Cuggiono, aunque creció en Génova. Desde muy pequeño mostró inclinación por la música, por lo que sus padres lo inscribieron en el conservatorio de su ciudad, donde a los 15 años debutó como violín solista en la orquesta del mismo. Tuvo que pasarse a la guitarra por problemas físicos con el violín, y estudia en la facultad de Filosofía de Milán. Allí compone sus primeras canciones basadas en textos o poemas de autores que le gustan, como la famosa "Confessioni di un malandrino" basada en textos de Esenin, el poeta ruso. Aprovecha para viajar en autoestop por Francia, conociendo a otros autores con los que entablaría amistad, y un amor por Francia que se reflejará luego en la edición de discos cantados en francés, y en la cantidad de premios que ha recibido en nuestro país vecino (incluyendo el premio al "mejor disco en lengua francesa" y muy importantes reconocimientos de la crítica francesa). También ha publicado discos en Inglaterra y Alemania, recibiendo varios premios en ambos países.

En 1974 publica su primer disco, titulado con su nombre, y ya es un virtuoso de varios instrumentos. Además, tiene un particular interés en incluir instrumentos olvidados, antiguos, o exóticos en sus canciones. A lo largo de los años ha publicado un gran número de discos, ha compuesto bandas sonoras (incluso ha ganado el equivalente al Goya español en su país), y ha arriesgado reviviendo música del siglo XIV, instrumentos como el laúd y poetas como Yeats. En el 93 edita el disco que da título a la canción que comentaba antes, "Si puo fare", que es un gran éxito de crítica y público.

Sobre la acuarela: era muy fácil escoger qué imagen pintar del bueno de Ángelo. Esos pelos que lleva desde su juventud (ahora están más recortaditos, pero sigue con un peinado similar, aunque encanecido) permiten "soltarse el pelo" también al acuarelista. Así que he metido colores de todo tipo mientras se mantuviera una entonación oscura, no ha tenido mucho misterio.

Os dejo con un video de "La luna", otra maravilla de Ángelo Branduardi.
Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm.

Acuarela diaria - Paisaje ?

2011-04-23T18:49:00.000+02:00

Estos días estoy venga a hacer acuarelas, a ver si algún día consigo hacer algo medio decente con ella. En este caso estaba probando una paleta reducida de colores terciarios y terrosos, e intentando eso tan difícil de cambiar tus primarios por otros tres colores (en mi caso cambién el ocre por el amarillo, azul ultramar+gris Payne por el azul, y siena tostado por el rojo).

Por de pronto, una adivinanza a los pucelanos...el que adivine de qué paraje es esta acuarela, se queda con ella.

Acuarela sobre papel 26x19cm.

Visto últimamente - Piet Mondrian

2011-04-20T11:04:00.000+02:00

Piet Mondrian es uno de los artistas cuyas imágenes son reconocidas universalmente, y máximo exponente del neoplasticismo. Sus cuadros han sido motivo de diseño para ropa, edificios, vehículos, y todo lo que pueda imaginarse. Pero Mondrian fue en sus inicios un pintor realista hasta llegar a esa abstracción pura en los últimos 30 años de su carrera.

Pieter Cornelis Mondriaan nació en 1872 en Amersvoort (Holanda), hijo del director de un colegio que pintaba de forma amateur y que solía ir acompañado de su hijo a dibujar del natural en el campo, pudiendo así guiar sus primeros pasos en el dibujo. Su tío Frits también era un pintor autodidacta, de cierto éxito en algunos círculos, y le impartió sus primeras clases sobre la pintura. Parece que posteriormente tras su traslado a París en 1911 tuvieron algún tipo de divergencias en cuanto a la pintura, que llevaron al joven Pieter a reducir su apellido a Mondrian (¿para que su trabajo no se confundiera con el de su tío?).
Piet estudió para maestro de dibujo, pero llegado el momento de ponerse a impartir clases decidió que quería ser artista. Su padre no pudo costear sus estudios, pero su tío Frits le echó una mano. En Bellas Artes obtuvo sus primeros encargos, y pronto comenzó a experimentar con la abstracción en sus primeras exposiciones. Consiguió así el reconocimiento de sus compañeros artistas, pero no el de los críticos ("este hombre está totalmente confundido" escribió alguno).
En 1909 da un giro radical a su vida. Abandona el cristianismo para integrarse en una sociedad teosófica fundada por Mme. Blavatsky, y comienza prácticas de meditación y a adoptar un estilo de vida cercano al "hippismo". Inicia así su búsqueda del equilibrio de lo vertical y lo horizontal en su pintura, en consonancia con sus creencias teosóficas. Años más tarde volverá a dar un nuevo giro existencial, cambiando sus preferencias campestres por las de un perfecto urbanita, y en las fotos de la época se le puede ver ya sin barba, y perfectamente encorbatado.
En 1911 se instala en París frecuentando a los artistas más reputados del momento (incluyendo a los cubistas Picasso, Braque y Gris). Absorbe parte de sus enseñanzas, pero su fin es conseguir aunar la pintura con sus pensamientos y filosofía. Realiza varias exposiciones, vendiendo varias obras en el extranjero, pero en París la cosa no se da tan bien y malvive haciendo copias de cuadros famosos del Louvre.
En 1914 estalla la Primera Guerra Mundial que le pilla en Holanda visitando a su padre en el lecho de muerte. Tiene que quedarse en su país hasta el fin de la contienda, integrándose en el grupo "De Stijl" ("El estilo") que buscaba una nueva sociedad a través del arte, que pusiera al hombre en consonancia con las leyes del universo. Hoy en día a este grupo se le considera la base del neoplasticismo que comentaba antes. De hecho Mondrian escribió un manifiesto sobre el neoplasticismo a su vuelta a París en 1919.
Posteriormente viajó a Londres y acabó sus días en Nueva York (1944), con cierto reconocimiento del público, aunque con escaso éxito económico.

La obra que posteo ("Árbol Gris" - 1912) forma parte de una serie de tres cuadros ("Árbol rojo", "árbol azul" y el que véis) que se considera la barrera entre sus primeros trabajos y su época cubista, con lo que acabaría siendo el neoplasticismo. Este árbol siempre me ha impresionado un montón, pues un artista como Mondrian que era un experto dibujante, empieza a evolucionar hacia algo más irreal pero que conserva todas sus propiedades, y muy alejado todavía de su abstracción total de sus últimos años. Cada espacio entre las ramas hace del cuadro una similitud al cubismo muy interesante, incluyendo la paleta de colores utilizada. Una pequeña maravilla...

Lápiz - magnolio

2011-04-17T22:12:00.001+02:00

Bueno, pues parece que ha arrancado la temporada de campo 2011. Ayer 5 horas acuarelando en el Pisuerga, y hoy un par de horitas dibujando un magnolio recién plantado.

Inicialmente quería hacer un dibujo a lo Sarah Simblet, pero según lo tenía acabado en su fase I (parece mentira la cantidad de hojas que tienen los magnolios), el viento que lo movía me dio la impresión de que en realidad había más de un árbol en sus hojas más cercanas. Las más alejadas no se movían, pero las que estaban en primer, segundo y tercer plano parecían hacer sucesivas plantas. Así que dibujé eso... En la foto no se ve, cosas de la técnica (el grafito refleja la luz, y no hay forma de sacar una foto decente).

Lápiz sobre papel A3.

Acuarela diaria - Franco Battiato

2011-04-14T06:33:00.000+02:00

Cuando publiqué una acuarela sobre Nijinsky, hacía una referencia a una canción de Franco Battiato que ha sido versioneada mil veces (y que él ha cantado en multitud de idiomas): "Prospettiva Nevsky". Dicha canción la oí por primera vez a los veintipocos años y desde entonces me ha acompañado siempre en cada "walkman", "MP3", "iPod", "iPhone" y coche que he tenido. Vamos, que SIEMPRE la he estado escuchando. No sólo me parece una melodía encantadora, sino que la letra es muy evocativa de los tiempos post-revolución rusa, y la vida en Moscú. De hecho, en una lista de estas que se hacen habitualmente, aparecía como una de las mejores canciones del siglo pasado.

Battiato es todo un icono en Italia, pues ha vendido todo lo que se podía vender y un poco más en su país. También en España funcionó muy bien hace 20 años, y en Reino Unido también tuvo su momento. Incluso canciones suyas, como "Ruby Tuesday" (bueno, versiones suyas de canciones famosas) están en películas. A cambio, un montón de gente ha hecho versiones de sus canciones, como ésta de Germán Coppini de su "Centro di gravitá permanente" (a Germán supongo que lo conoceréis ¿no?)

Está muy influido por músicas orientales y de Europa Central y del Este, y suele introducir en sus letras referencias a canciones o letras de otros músicos o países. Sin embargo, como él mismo confiesa en una canción:

"...no me gusta la falsa música rock, la new wave española, el free jazz, punkie inglés, ni la monserga africana" (en la versión italiana dice "la música tecno italiana" en vez de la española)

Entre sus canciones más famosas está "Centro de gravedad permanente", "Yo quiero verte bailar", "Nómadas", "Bandera blanca" y, claro "Perspectiva Nevsky".

No sólo se ha dedicado a la música. También tiene su faceta de pintor que, seamos benevolentes, es bastante discreta (véase el ejemplo), pero a la que ha dedicado cierto tiempo. No sé qué les da la pintura a los cantantes, pues hay bastantes de ellos que se dedican también al pincel (Manolo García, Dylan, ...) con mayor o menor fortuna.

Os dejo con un video de la "Perspectiva Nevsky", para los que no la conozcáis...

Acuarelas sobre Fabriano 18,5x12 cm.

School of Saatchi

2011-04-12T15:00:00.001+02:00

Este fin de semana he podido sacar algo de tiempo para ver los 4 capítulos de "School of Saatchi" ("Escuela de Saatchis"), un programa que se emitió en la Pérfida Albión en 2009. Y es que el programa es muy interesante por muchos motivos:

Básicamente, consiste en un "Operación Triunfo" pero de artistas, en el cual el premio final es que el artista ganador podrá exponer una pieza en el Hermitage, dentro de la que fue en su momento la última exposición de Saatchi. Ésto ya te hace pensar: "¿Es en ésto en lo que se ha convertido el mundo del arte, una Operación Triunfo?". Para los que no lo conozcan, Saatchi fue uno de los fundadores de la mayor agencia de publicidad de su momento, transformado en coleccionista y promotor artístico. Tiene una de las mayores galerías de arte del mundo, tiene una gran galería online (el registro es gratis y puedes subir tu obra aunque sea amateur, así que animaos), y patrocina gran número de eventos anualmente. Es amado y odiado a partes iguales, pues promociona un arte transgresor que busca no dejar indiferente, a veces acudiendo a artistas que apenas nadie entiende. Yo me encuentro en un término medio: como promotor artístico creo que su patronazgo de Koons, Hirst y Tracey Emin no ha aportado nada al mundillo artístico (y sí cierto descrédito en algunos aspectos - véase la última exposición de Hirst, todavía se oyen los abucheos), mientras que ha descubierto a maravillas como Jenny Saville, que sí merecían el salto al primer plano (según mi opinión siempre, claro). Por otro lado, creo que como promotor de marketing o financiero, no tiene rival. Cualquier departamento de marketing daría todo por tenerlo al frente.

El concurso arranca cuando se convoca a todo aspirante a artista a presentarse a una "audición" en la cual pueden mostrar una obra, que será revisada por varios expertos de Saatchi. De ahí salen 12 candidatos que deben presentar otra obra en un plazo breve, para volver a ser examinada. Primer mosqueo: de todos los que se presentan de toda edad y condición, los 12 candidatos tienen menos de 30 años: así que ya sabéis amigos artistas, si tenéis más de 30 tacos da igual que hayáis hecho mil exposiciones, escribáis la crítica artística en el periódico más importante de tu ciudad, o te encarguen comisariar montones de exposiciones: para Saatchi no contáis. Segundo mosqueo: de los 12 candidatos, sólo 1 es pintor. Todos los demás hacen instalaciones o video; no me explico cómo Saville ha llegado a algo con Saatchi. No hay escultores.

Tras presentar sus obras, los 12 candidatos quedan reducidos a 6 (el pintor está entre ellos, menos mal). Deben hacer una sesión de desnudo para ver sus cualidades frente a la realidad, dibujo que irá junto a otra obra que deben desarrollar para ganar puntos y poder ver su evolución. Tercer mosqueo: ninguno sabe hacer dos rayas juntas a la hora de dibujar el desnudo, ¡y eso que todos han ido (o van) a Escuelas de Arte (menos el pintor, que es autodidacta)!. Ni siquiera el pintor es capaz de dibujar el desnudo. Al menos una de las instalacionistas hace un dibujo muy majo, pero eso sí, puro expresionismo abstracto en el que no hay ninguna referencia al desnudo que tenía delante, objetivo de la prueba.

Nueva prueba: por parejas deben hacer una obra en Hastings (ciudad costera inglesa) al alcance del público, en la que éste votará también en unas urnas al efecto. Los 3 grupos hacen una instalación, claro, unos móvil y otros no. Saatchi decide que la mejor obra es la menos votada por los visitantes al pueblo.

Otra prueba: en un antiguo castillo inglés, deben sustituir algún objeto que encuentren en él por una obra suya. El pintor hace un cuadro (que es una patata, reconocido por el público, los expertos de Saatchi, Saatchi, y servidor de Vds.), los instalacionistas instalaciones entre las que se encuentran 2.000 tortas de harina apiladas en el suelo, una polea que mueve una borla (que al final no tiene movimiento), libros por el suelo... Ganan las tortas apiladas, según Saatchi.

Última prueba: en la propia galería Saatchi, cada uno dispondrá de espacio para preparar y presentar lo que quiera. El pintor prepara dos cuadros (uno abstracto bastante interesante con relieves de collage), y el resto...instalaciones (una caravana construida de madera, una torre de madera a la que subir, un generador Tesla al que le acoplan una peluca, dos paneles de madera pintados, y una verja con un tronco clavado que una de las chicas encontró por la calle, y que compró a la comunidad de vecinos y transportó a la galería.

Cuarto mosqueo: gana... ¡la tía buena de 19 años! (la del tronco encontrado en la calle). Durante todo el programa los expertos de Saatchi han estado diciendo que parece que la chica es un "bluff", pues alterna buenas ideas con chorradas (a mí todas me parecen chorradas); bueno, pues Saatchi dice que es la mejor con mucho.

Quinto mosqueo: SAATCHI NO APARECE EN NINGÚN MOMENTO EN LOS CAPÍTULOS. Ya, es sabida su proverbial afición a no aparecer en público, pero es un poco demasié que un programa con su nombre no le saque ni a lo lejos, pues da la sensación de estar todo basado en un guión.

Así que ya sabéis, amigos artistas: si tienes más de 25 años, no haces instalaciones, no sabes manejar complicados aparatos electrónicos que sueltan chispas (o sierras y martillos, como es mi caso), no eres mujer, y no estás buenísima, no tienes nada que hacer en la Escuela de Saatchis (eso sí, me lo he pasado en grande viendo como preparaban sus exposiciones en plan documental de Operación Triunfo; si queréis pasar un buen rato, buscad los capítulos - en inglis pitinglis - y a disfrutar).

Mixta - Marta con 3 moños

2011-04-09T09:04:00.000+02:00

Otro experimento en la línea del de Santiago con la escayola. De nuevo, usando todo lo que tenía a mano.

Técnica mixta sobre papel Cardesín 50x37cm.