Acuarela diaria - Esperando

Quería hacer una acuarela de la última foto del blog de Jose Carlos Pérez, porque se prestaba muy bien con todos esos tonos fundidos a una acuarela rápida, pero al repasar su blog me encontré con esta otra imagen que tenía mucha fuerza por la sombra que proyecta la anciana sobre la pared.

Os aconsejo a todos los amantes de la fotografía y del arte en general que visitéis el blog de Carlos "Hay luna vacía", siempre tiene alguna composición de la que aprender para nuestros cuadros.

 Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm.

Acuarela diaria - manzana

Un poco cansado de que las acuarelas siempre parezcan desvaídas, hago un pequeño experimento: pasar de todo y meter color con narices. Este es el resultado del experimento... Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm.

¡En la exposición de Gerome!

Como he cogido unas vacaciones que tenía pendientes, he aprovechado para ir a Madrid a ver el Thyssen y la exposición temporal de Gerome. También quería haber aprovechado para pintar mucho e ir al norte a ver la expo de Enrique Ochotorena y de paso saludar a Juankar Cardesín, pero ya se sabe que parece que el tiempo va a durar mucho y luego todo se va en llevar niños al cole, cambiar pañales y demás...

Sobre la exposición: impresionante. Sencillamente, Gerome supone el culmen de diez siglos de técnica pictórica. Y te podrá gustar más o menos lo que pinta (los expresionistas lo odian por ser lo opuesto de lo que ellos representan), pero lo que es innegable es que dominó el óleo como nadie lo ha hecho.
Me sorprendieron unas cuantas cosas: apenas usaba materia, de hecho sólo en alguna luz muy aislada se ve algo más de pintura, el resto del lienzo está liso como una cáscara de huevo. Está claro que era un dibujante excepcional. En casi todos los cuadros se puede apreciar el dibujo original a lápiz, lo que da idea de la transparencia de su pintura; supongo que pintaba por capas o veladuras. Es un maestro de las texturas; no se aprecia ninguna pincelada en sus lienzos/tablas, excepto en detalles del terreno en que hace alguna suelta (por ejemplo, en el famoso cuadro de los cristianos y los leones, las huellas del suelo son con pincel seco), pero consigue acabados increíbles por la forma en que trata los bordes. Su escultura no me pareció nada del otro mundo, a pesar de que ahí innovó bastante con técnicas de policromía del mármol; quizás lo más destacable un busto de Sarah Bernhardt, pero tampoco nada excepcional.

Me había llevado los lápices y un cuaderno para tomar algún apunte, y sólo pude hacer este que muestro de "La Bacante", porque no tenía demasiado tiempo. Aproveché, eso sí, para comprar el libro-catálogo de la exposición, magníficamente editado y con muestras de los cuadros presentes y otros distintos, y con un montón de datos sobre su obra (ver foto). Por cierto, que el cuadro de la portada del libro estaba allí, y era una maravilla de color, luz y dibujo.

Después aproveché para ver el Thyssen, que hacía tiempo que no lo visitaba, y me quedé extasiado con un paisajista que no conocía de nada y que tiene varios cuadros en el museo;  y también con otro pintor que tampoco conocía, aunque me pareció más irregular. El primero es Frederic Edwin Church, pintor estadounidense del siglo XIX, y que me pareció fantástico. Sus cuadros (de diversos tamaños) tienen una profundidad y una vida, como hacía mucho que no veía. De hecho, después de llevar viendo un buen rato uno de sus paisajes muy de cerca en cada detalle, empecé a alejarme andando hacia atrás para tener la visión general, y me llevé por delante a una pareja de viejetes holandeses que se estaban mondando de verme tan entregado con el bueno de Church.
En cualquier caso, el cuadro que más me gustó de él era uno llamado "Barca abandonada", de muy pequeño tamaño (unos 30x20cm), que era una maravilla. Siento la reproducción que circula por internet, porque no tiene nada que ver con el original. La reproducción está totalmente desaturada y parece un puro color tierra todo, mientras que el original es un baño de azules y verdes por todos lados impresionantes. Tengo que investigar más a este pintor.

El otro paisajista es Hugh Bolton Jones, con unos cuantos cuadros también en el museo. Me pareció que alternaba cosas muy buenas con regulares, aunque en conjunto se puede decir que muy bueno también.

¿Y qué más comentar? Pues que después de ver a Gerome y lo liso de sus superficies, me admiré de ver la maravilla de Sargent llena de pegotes de pintura ("La vendedora de ajos en Venecia") y luego partes totalmente transparentes en las que se veía el lienzo. Pude admirar de nuevo el autorretrato de Rembrandt, al que las distintas restauraciones han quitado toda la materia que aplicaba el holandés (aún así, una maravilla de cuadro). Y como siempre, ver que Hals fue (junto a Velázquez) el primer impresionista, que Egon Schiele era una máquina dibujando figura (no así sus paisajes que, francamente, no me dicen nada de nada), que Holbein ha sido de los mejores retratistas de la historia, y ver de cerca el cuadro de Bramantino del cristo resucitado, que impresiona en directo: no se parece en nada a la reproducción que puse, y se pueden ver detalles magníficos de cerca (como que la luna es una cara, por ejemplo). También di un voto de confianza a C. Pisarro, que nunca me había convencido, pero También tuvo su parte de desencanto: sigo sin entender qué ve la crítica en Renoir (aparte de un cierto don para la composición), refrendar que Corot según mi humilde entender, no tenía ni idea (no hay ni un solo color "limpio" en sus cuadros), cambiar un poco la idea de mi querido Durero: como dibujante es la bomba, pero sus cuadros son poco más que dibujos coloreados,
que en vivo y en directo gana mucho.

En fin, un día completito de arte. Así acabé con las piernas: molidas de tanto patear. Y con lo que me costó el parking hubiera podido comprar alguno de los cuadros del Thyssen, seguro.

Acuarela diaria - ¡Accidente!

Bueno, en realidad estoy mintiendo: no es una acuarela. Y tampoco es sobre un accidente. En realidad es una aguada hecha con café, sobre Louise Brooks. Y lo de accidente viene porque estaba abriendo un tarro de tinta azul (esa manía de hacer dos o tres dibujos a la vez), y se me ha caído un gran goterón azul en la comisura de los labios de la pobre Louise, así que no ha habido más remedio que aprovecharlo y continuar con el azul también.

Louise Brooks fue una de las actrices más famosas del cine mudo en los locos años de entreguerras, y que puso de moda el corte a lo "garÇon". Nació en 1906 y murió en 1985, y ha sido un icono para un montón de artistas, entre los que destacan (del mundo gráfico) Guido Crepax y Manara. De hecho, ya en 1926 protagonizó un comic: "Dixie Dugan".

Fue una de las "víctimas" de la transformación del cine mudo al sonoro, negándose a versionear sus películas mudas en habladas. Además, su etapa europea fue considerada muy subida de tono en su país de origen (EEUU), por lo que poco a poco fue apartada de la industria del cine.

Se inició como bailarina a muy tierna edad, y pronto engrosó las filas de las chicas Ziegfeld, el equivalente a las películas de 007 hoy en día para lanzar a una chica a la fama. Pronto el mundo de Hollywood se fijó en ella y comenzó a hacer películas, pero a ella Hollywood le daba igual. Se lanzó a la meca del cine europeo del momento: Alemania. Allí rodó el que sería su personaje vital: Lulú, que aparecía en "La caja de Pandora" de Pabst. Tras este film vinieron varios más tanto en Alemania como Francia, con contenidos demasiado extremos para la época, aunque hoy en día nos sorprenda su ñoñez.

Cuando volvió a casa con 25 películas de bagaje, Hollywood la dio la espalda, tanto por sus películas europeas como por no seguir las reglas no escritas de los estudios. Así que se dedicó a leer, pintar y escribir ensayos sobre la industria del cine, hasta que en los 50 los franceses la redescubrieron y crearon el icono Brooks.

"Aprendí a actuar viendo a  Martha Graham bailar, y aprendí a bailar viendo a Charles Chaplin actuar".

Acuarela diaria - El enano Calabacillas de Velázquez

Es curiosa la historia de este cuadro. Siempre se ha dado por hecho que corresponde al bufón de Felipe IV Juan Calabazas, del cual existe otro cuadro en discusión sobre la autoría de Velázquez, y que a mi entender es claramente inferior.
Pero respecto al "clásico" Calabazas, existen teorías de todo tipo sobre su significado real, y sobre el personaje retratado. Siempre se ha aceptado que retrataba a dicho enano, pero nuevas teorías lo ponen en duda. En el libro "Velázquez y Calderón..." de la Real Academia de la Historia, se propone una tesis interesante: las calabazas que parecen rodear al enano no son tales, sino que una (la de su izquierda) es una vasija de las habituales de la época, y la otra es una redoma de oro vacía y volcada. La verdad es que la redoma se ve muy claramente.
A partir de este dato, en el libro se desarrolla cómo la redoma simboliza a Apolo, y por ende el verdadero conocimiento (mediante una línea de pensamiento un poco compleja de describir brevemente), así como una dualidad entre la elección de conceptos igualmente posibles: vacío-lleno, vivo-muerto, inteligente-bobo.
De ahí pasamos a la "fábula del pícaro" de Esopo, en la que un pícaro acude al templo del dios Apolo para intentar engañarlo. En sus manos esconde un pájaro sobre el que pregunta al dios si está vivo o muerto. Según conteste Apolo, el pícaro lo matará o liberará de sus manos. El dios descubre la estratagema y le responde que sólo del pícaro depende que esté vivo o muerto.
En el cuadro, el bufón parece esconder algo entre sus manos, lo que da veracidad a esta teoría, más teniendo en cuenta la afición de Velázquez por la filosofía (entre sus cuadros hay varios filósofos, y creo recordar que en el listado de su biblioteca también había libros sobre el tema), pero probablemente nunca sepamos el mensaje real del cuadro.
En fin, en el libro podéis encontrar todo el hilo argumental que, repito, es muy complejo. Probablemente nadie entendáis nada de la explicación que he puesto, pero lo he resumido lo mejor que he podido ;-)
Quedémonos con la maravilla de retrato ejecutado por D. Diego, independientemente de quién sea el retratado.

Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm

Tinta - modelos de Velázquez

Un apunte muy rápido del enano Calabacillas y del aguador de Vélázquez. Cuanto más lo estudio, más me convenzo de que no ha habido nadie tan grande como el maestro.

Tinta sobre papel A5

Testamento de Rodín

Traducción del testamento de Auguste Rodin por Soumaya Slim de Romero y Gabriela Huerta Tamayo del libro: "Auguste Rodin. Camille Claudel"


"Jóvenes que quieren ser oficiantes de la belleza, quizá les guste encontrar aquí el resumen de una larga experiencia. 

Amen devotamente a los maestros que les precedieron. Inclínense delante de Fidias y de Miguel  Ángel. Admiren la divina serenidad de uno, la brutal angustia del otro. La admiración es un vino generoso para los espíritus nobles. Cuídense, sin 
embargo, de imitar a sus mayores. Respetuosos de la tradición, sepan discernir lo que ella encierra de eternamente fecundo: el amor a la Naturaleza y la sinceridad. 
Éstas son las dos fuertes pasiones de los genios. Todos han adorado a la Naturaleza y jamás han mentido. Así la tradición les tenderá la llave gracias a la cual ustedes se evadirán de la rutina. Es la tradición misma quien les recomienda interrogar sin cesar la realidad y quien los preserva de someterse ciegamente a algún maestro. 

Que la Naturaleza sea su única diosa. Tengan en ella una fe absoluta. Estén ciertos de que jamás es fea y limiten su ambición a serle fiel. Todo es bello para el artista, pues en todo ser y en cada cosa, su mirada penetrante descubre el carácter, es decir, la verdad interior que se transparenta bajo la forma. Y esta verdad es la belleza misma. Estudien religiosamente: no podrán dejar de encontrar la belleza, porque se encontrarán con la verdad.  
Trabajen con empeño. Fortalezcan en ustedes, escultores, el sentido de la profundidad. EI espíritu se familiariza difícilmente con esta noción; que no se representa de manera distinta más que con superficies. Imaginar formas con volumen le es molesto.  Ése es, no obstante, su oficio. Antes que todo, establezcan nítidamente grandes planos de las figuras que esculpan. Acentúen vigorosamente la orientación que darán a cada parte del cuerpo, a la cabeza, a los hombros, a la pelvis, a las piernas. El arte reclama decisión. Es por la salida bien acusada de las líneas por la que se adentran en el espacio y se apoderan de la profundidad. 
Cuando sus planos se detengan, todo se ha encontrado. Su estatua vive ya. Los detalles nacen y enseguida se disponen por sí mismos.  
Al modelar, jamás piensen en superficie, sino en relieve. Que su espíritu conciba toda superficie como la extremidad de un volumen que lo empuja por detrás. 
Imaginen las formas como levant ándose hacia ustedes. Toda vida surge de un centro, luego germina y se expande de adentro hacia afuera. De la misma manera, en la escultura bella se adivina siempre un poderoso impulso interior.  Ése es el secreto del arte antiguo. 

Ustedes, pintores, observen tambi én la realidad en profundidad. Miren, por ejemplo, un retrato pintado por Rafael.  Cuando este maestro representa un personaje de frente, hace salir oblicuamente el pecho y así  queda la ilusión de tercera dimensión. Todos los grandes pintores sondean el espacio. Es en la noción de espesor donde reside la fuerza. Recuerden esto: no hay trazos, sólo hay volúmenes. Cuando dibujen, no se preocupen jamás del contorno, sino del relieve. Es el relieve lo que rige el contorno. Ejercítense sin reposo. Es necesario que se entreguen al oficio. 

EI arte no es más que sentimiento. Pero sin la ciencia de los volúmenes, de las proporciones de los colores sin la dirección de la mano, el sentimiento más vivo se paraliza.  

¿Qué llegará a ser el gran poeta en un país extranjero del que ignora la lengua? En la nueva generación de artistas, hay un número de poetas que, desgraciadamente, rechazan aprender a hablarla. Por eso no hacen m ás que balbucear. ¡Paciencia! No cuenten con la inspiración. No existe. Las  únicas cualidades del artista son sensatez, atención, sinceridad, voluntad. Realicen su tarea como obreros honestos.

Sean verdaderos, jóvenes. Pero eso no significa que sean meramente exactos. Hay una exactitud de base: la de la fotografía y la del vaciado. EI arte no comienza más que con la verdad  interior. Que todas sus formas, todos sus colores, traduzcan sentimientos. EI artista que se contenta con la apariencia y quien reproduce servilmente los detalles sin valor no será   jamás un maestro. Si han visitado algún camposanto de Italia, sin duda habrán notado con que puerilidad los artistas encargados de decorar las tumbas se dan a la tarea de copiar, en sus estatuas, adornos, dinteles, trenzas de caballo. Son quizá exactas.  No son verdaderas, porque no se dirigen al alma. Casi todos nuestros escultores recuerdan aquellos cementerios italia­nos. En los monumentos de nuestras plazas 
públicas, no distinguimos más que levitas, mesas, veladores, sillas, máquinas, globos, telégrafos. Punto de verdad interior, luego punto de arte. Horrorícense ante esta ropavejería. 
Sean profunda y tenazmente veraces. No duden jamás en expresar lo que sienten, aún cuando se encuentren en oposición a las ideas establecidas. Puede ser que no sean comprendidos al principio. Pero su aislamiento no durará mucho. Los amigos pronto llegarán a ustedes, porque aquello que es profundamente verdadero para un hombre lo es para todos. Y con todo, sin muecas, sin contorsiones para atraer al público.  ¡Simplicidad, inocencia! Los sujetos más bellos se encuentran delante de 
ustedes: son los que los conocen mejor... 

Mi muy querido y muy grande Eugène Carrière, quien nos dejó tan pronto, mostró genio al pintar a su mujer y a sus hijos. No le basta celebrar el amor maternal para ser sublime. 
Los maestros son aquellos que miran con sus propios ojos lo que todo el mundo vio y que saben percibir la belleza de lo que es demasiado com ún para los otros espíritus. Los malos artistas siempre ven a través de los anteojos de otros.  
El gran punto es conmoverse, amar, esperar, estremecerse, vivir.  ¡Ser hombre antes que ser artista! La verdadera elocuencia se burla de la elocuencia, decía Pascal. EI verdadero arte se burla del arte. Retomo aquí  el ejemplo de Eugène Carrière. En las exposiciones, la mayor parte de los cuadros no son más que pintura: ¡las suyas parecen, en medio de las otras, dos ventanas abiertas a la vida!

Acojan las críticas justas. Las reconocer án fácilmente. Son las que confirmará la duda, que los asediará. No se dejen envolver por las que su conciencia no admita. No teman a las críticas injustas. Indignarán a sus amigos. Les obligarán a reflexionar sobre la simpatía que les tienen y la pregonarán más resueltamente cuando se disciernan mejor los motivos.  

Si su talento es nuevo, no contar án al principio más que con pocos partidarios y tendrán una multitud de enemigos. No se desanimen. Los primeros triunfarán, pues saben por qué  los aman; los otros ignoran por qu é les son odiosos. Los primeros están apasionados por la verdad y ganan sin cesar nuevos adeptos; los otros no testimonian ningún celo durable por su opinión falsa. Los primeros son tenaces; los otros vuelan a todos los vientos. La victoria de la verdad es cierta.  
No pierdan su tiempo en anudar relaciones mundanas o políticas. Verán a muchos de sus compañeros arribar por la intriga a los honores y a la fortuna: no son verdaderos artistas. Algunos entre ellos son, sin embargo, muy inteligentes y si ustedes emprenden la lucha con ellos sobre el mismo terreno, consumirán tanto tiempo como ellos mismos, es decir, toda su existencia: no les quedará entonces más de un minuto para ser artistas. 

Amen apasionadamente su misión. No hay en ella más belleza. Es mucho más alta de lo que la gente cree. EI artista da un gran ejemplo. Adora su oficio: su más preciosa recompensa y la alegría de hacerlo bien. Actualmente,  ¡lástima!, se persuade a los obreros por su desgracia de odiar el trabajo y de sabotearlo. EI mundo sólo será feliz cuando todos los hombres tengan almas de artistas, es decir 
cuando todos hagan con placer su tarea. 
EI arte es más aún una magnífica lección de sinceridad. EI verdadero artista expresa siempre lo que piensa a riesgo de atropellar todos los prejuicios establecidos. Enseña así la franqueza a sus semejantes. Ahora bien, ¡imaginemos qué   maravillosos progresos se realizarían de pronto si la veracidad absoluta reinara entre los hombres! ¡Ah, qué rápido se libraría la sociedad de los errores y 
las bajezas que habría confesado y con qué  rapidez nuestra tierra se volvería un Paraíso!"

Acuarela diaria - dos versiones del Castillo de la Mota

Dos versiones de un mismo tema: el Castillo de la Mota, famoso porque en él el gran Anatoli Karpov me dió jaque mate en 10 movimientos cuando yo tenía 12 años (el muy abusón, todavía estoy esperando a que me dé la revancha ;-D). Bueno, no, famoso por la cantidad de personajes históricos que por él han pasado, y por la cantidad de usos que ha tenido: desde posición defensiva hasta colegio (hoy en día), pasando por palacio, prisión, lugar de celebración de eventos (lo que comentaba de Karpov, fue una exhibición que dió en el castillo, en la que jugaba partidas simultáneas de 30 jugadores contra él, de modo que cuando ganaba a uno, se sentaba otro del público, y así durante una hora. Sólo un chico de 14 años consiguió hacerle tablas, al resto - pasaríamos unos 150-200 por delante del tablero, nos despachó en un plis plas).

¿Por qué he hecho dos versiones? En la primera me lancé a la acuarela sin pensar demasiado y cuando acabé dije: "Pues sí, he pintado el castillo pero no he pintado una acuarela", así que me propuse volver a hacerlo al día siguiente.

Al día siguiente me lancé a la acuarela sin pensar demasiado, aunque intenté cuidar un poco más la perspectiva atmosférica (obviamente sin mucho éxito si vemos la torre de la derecha y su gran sombra, aunque la torre del homenaje está un poco más cuidada en este aspecto).

Así que probablemente habrá una tercera versión, a ver si doy con la tecla adecuada...

Acuarela sobre Fabriano 18,5x12cm.

Visto últimamente - Sassetta

Sassetta es uno de los artistas más sobresalientes de la escuela sienesa del Quattrocento. Nació en Siena en 1392 y murió en esa misma ciudad en 1451. No es un artista muy conocido, pues está a caballo entre el gótico y el renacimiento, y su obra se considera hoy en día arcaica para los gustos actuales. Tampoco se conoce mucho de su biografía, tan sólo que pasó la mayor parte de su vida en Siena, y que tuvo un taller del que salieron otros artistas.

Lo que me atrajo de Sassetta fue el cuadro de la Sagrada Cena que muestro primero. Empieza a haber perspectiva, la mesa y los arcos muestran puntos de fuga, y parece haber puesto especial cuidado en mostrarnos la arquitectura de la habitación.
Las figuras de los apóstoles son también muy interesantes: frente a la idea posterior de mostrar a Jesús con sus discípulos a lo largo de una mesa (para poder seguir todo la escena como si fuera un plano-secuencia del cine, y poder ver los rostros de todos los participantes), Sassetta dispone al grupo alrededor de la mesa, como es lógico, pero (y ésto es lo que me pareció interesante) todos tienen idéntico tamaño. No hay distinción de escala por la importancia del personaje (como ocurría en la pintura medieval), o por la perspectiva (como en el realismo). Además, todos los personajes parecen hablar unos con otros, incluso con gestos, pero ninguno tiene la boca abierta, mostrando un hieratismo muy peculiar. Por último, Judas no tiene halo como el resto de apóstoles, y por alguna extraña razón los halos de los personajes del fondo son más grandes que los que están en primer plano (¿por la importancia del personaje?¿para que los halos de delante no tapen la imagen de detrás?). Si alguien conoce la razón de este simbolismo, que nos ilumine...

Incluyo también una imagen de "Los demonios apaleando a San Antonio" (24x39cm) que me hizo muchísima gracia. No he podido encontrar en Internet una imagen en buena resolución como para apreciarlo, pero la pintura está llena de "graffitis" hechos con objetos punzantes, e incluso han desfigurado las caras y cuerpos de los diablos. Supongo que es algo similar a lo que ocurría en la antiguedad en Valladolid cuando salían los pasos de Semana Santa y las figuras de los romanos y judíos eran apedreadas por el público (rompiéndolas dedos y causando magulladuras a las esculturas)...

Acuarela diaria - La petite Claudine

Continuando con la línea dedicado a blogueros destacados a los que sigo, y que inauguré con Luna Miguel (a este paso será una serie de blogueras famosas), hoy traemos a la palestra a la petite Claudine.

Creo que fue de los primeros blogs que me interesó de verdad, hace ya algunos años. Me interesaba, sobre todo, porque es difícil encontrar una bitácora que toque tantos temas y tan bien a la vez. Resumiendo: es uno de los pocos blogs no monográficos, y que encima consigue resultar siempre entretenido. Parece que esta cualidad se le ha reconocido, tanto por el montón de seguidores que esperamos ávidos sus entradas, como por los organizadores y críticos de eventos varios, que reclaman a su creadora como una de las que más saben del blogueo, y que además sabe contarlo.

La petite Claudine está elaborado por Marta Peirano, una conocida periodista que ha colaborado en un montón de medios. Lo que más me atrajo de su blog en un primer momento, era su escritura: Marta tiene una prosa muy clara y que suena fantástica al oído. Si a eso le unimos un sentido del humor (muchas veces disfrazado de ironía) tremendo, la mezcla es muy interesante.

¿Y de qué se tratan las entradas en la petite Claudine? Más valdría preguntar de qué no tratan. Toca desde temas de actualidad pasados por su visión personal, hasta ordenadores y arte. Sí, arte. En su tag correspondiente podéis encontrar desde la controversia creada con "El Coloso" de ¿Goya? hasta lo más rabiosamente actual.

Pero da igual... cojas la entrada que cojas, seguro que disfrutas con ello. Bon appetit!

P.D.1.- Siento no saber el nombre del fotógrafo de Marta, porque la foto que la hizo me encanta en su composición.
P.D2.: Tengo que empezar a pintar acuarelas más grandes. Estas tarjetillas me están volviendo loco...

Acuarela sobre Fabriano - 18,5x12

III Certamen de pintura "Eclipse"

Como aún estamos a tiempo, aprovecho para hacer una breve entrada comentándoos que el café "El Eclipse" (C/ Lope de Vega 1 en Valladolid) tiene en marcha su concurso de pintura. Se cierra la inscripción el 10 de marzo, así que hay que correr para entregar esas obras de arte en 30x30.

El propio Miguel Asensio, que además de dirigir su café de forma extraordinaria se preocupa por el arte en su ciudad, recibe las obras que ya han llegado en un número muy elevado.

Podéis encontrar más información en el blog del propio Miguel: "Divagaciones de un artista"

Visto últimamente - Feliks Topolski

 Un seguidor de este blog desde las Inglaterras, y sin embargo amigo, me hablaba el otro día de un artista que era totalmente desconocido para mí: Feliks Topolski, compatriota suyo (aunque nació en Polonia se nacionalizó británico), y que resulta que es toda una institución en la Rubia Albión.

Topolski viajó por toda Europa en los años del periodo de entreguerras (nació en 1907 y murió en 1989), hasta afincarse definitivamente en Inglaterra. Cuando estalló la 2ª Guerra Mundial fue reclutado como artista de guerra y tuvo oportunidad de dibujar la guerra de cerca en varios frentes (Rusia, Oriente Medio, China, India, Italia, Alemania, Inglaterra...). De ese periodo quedan grandes dibujos de sus grupos de prisioneros, escenas de pillaje y demás alegrías de todo conflicto bélico.

Una vez acabada la guerra vuelve a su estudio, y se lanza a una obra hercúlea: reflejar mediante dibujos sus vivencias del día a día, su visión de la política, el mundo, y el arte en general (incluso hay un dibujo de su visita a la plaza de toros de las Ventas en 1953). Arranca su serie en 1953 y hasta 1979 dibujará unas 3000 obras llamadas "The Chronicles" en las que muestra su concepto del artista como retratista de la vida pública y no de la privada.

Mientras tanto trabaja simultáneamente como ilustrador, muralista y pintor de decorados. Recordemos que los años 50 a 70 fueron muy fructíferos para los pintores en estos aspectos: Picasso, Dalí, Sert...realizaban grandes decorados para las obras de teatro del momento, y para grandes edificios recién construidos (como la ONU o la casa museo de Dalí).

Tuvo oportunidad de conocer a muchas de las grandes figuras históricas de la época, e incluso de retratarlas con su peculiar estilo. Este contacto con personajes a lo largo de todo el mundo viene dado por su vena viajera: no contento con haber visto de cerca la Guerra Mundial, se acercó a distintos conflictos africanos, a la revolución de Mao en China, a la independencia de India y Ghandi, y a todo aquello que le pareciese que merecía dibujarse. Sus retratos son una maravilla y en su mayoría fueron hechos sobre la marcha frente al modelo.

Como colofón a su inmensa obra, dedicó los últimos años de su vida a pintar las paredes de su estudio en Waterloo (el de Londres, no el de los Países Bajos) con un enorme mural que recoge grandes hechos y personajes del siglo pasado, y que llamó "The Topolski Century" ("El Siglo de Topolski"). Este gran mural puede ser visitado, y de paso contemplar sus dibujos de las Chronicles, en el museo que lleva su nombre, ubicado en su antiguo estudio.

Actualmente, y por alguna extraña razón, se le encuadra dentro del expresionismo. Supongo que es por la necesidad que tenemos los humanos de clasificarlo todo aunque haya que meterlo con calzador, pero mi impresión es que no puede encuadrarse en ningún movimiento en particular .

Cambio de nombre al otro blog - ¡y aprovecho para subir una acuarela!

Como el blog que había creado para el dibujo hecho en ordenador, pasa a cobijar todo lo que cree referido a orcos, enanos, hadas, dioses mitológicos, bichos raros, monstruos, y todo lo que no me parezca que deba entrar en este blog, lo he renombrado como "Tayete fantasy" que es bastante cursi, pero identifica su contenido.

¡Así que para celebrarlo, he subido una acuarela!